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摘要：从西方绘画艺术的发展中分析不同阶段艺术家在绘画中对光的理解和运用，结合不同时期戏剧演出的不同形式思考灯光要求问题。浅谈绘画对灯光发展的影响。
关键词：空气透视法;伦勃朗光;印象主义
在不同的历史时期里，根据艺术的发展，演出形式的不断演变，舞台灯光在上千年的戏剧历史舞台上也不断的发展。在戏剧产生后很长的一段时间里，人们对灯光的理解仅仅是将表演场地照亮即可。从古希腊、古罗马，再到中世纪，无论是露天剧场，还是教堂和宫廷的演出，都是白天借助于太阳光，夜晚则借助于油灯或者火把来进行照明。可以说最早期的舞台演出，灯光只拥有让人看清事物这种简单的媒介价值，完全没有艺术价值可言的。
从文艺复兴开始，艺术家逐渐意识到照明的光对演出效果的重要作用，开始从过去的不加控制的随意照亮慢慢转向将照亮的范围集中到演出的区域，突出表演对象。再后来还出现了从舞台不同位置布置光源的思考与实践，同时有意识的运用不同颜色的光来照明。
进入了巴洛克时期，艺术的风格从文艺复兴时期的静态、理性、重秩序演变成为动态、感性和有节奏。演出从可控光的初始阶段逐渐开始朝着创造自然幻觉的方向发展。如何显示剧情时间的变化，创造演出环境的空间，成为艺术家们越来越重视的问题。虽然这些也能够通过布景和演员传递给观众，但是对于整体的艺术表现而言，光已经成为不可缺的一个重要组成了。
到了印象派的出现，艺术家们进入了真正大胆抒发自己主观艺术情感的时期，尤其在光和色彩上有着前所未有的大胆运用，整个艺术体系在这个阶段发生了翻天覆地的变化。自此之后的舞台灯光也从求真的写实艺术转向进入了用光和色去表现抒发创作者的主观思想和情感的时代。
我们从历史的进程可以看出，灯光从原始的照亮功能到有意识的模仿自然，再到舞台美术主张创作者的内在情感表达或者体现自己的某种观念，从求真再现的功能到抒发思想和情感，如今演变成为当代舞台表现重要的组成部分，审美的意义和美学价值也实现了飞速的发展。这些跟绘画艺术的发展可以说是紧密相连的。
在绘画不同的发展阶段，艺术家们始终都没有离开对光的探索。早在文艺复兴时期达芬奇就提出了著名的空气透视法。空气透视法里阐述了“在阳光中空气对视觉产生的阻隔作用下，一定距离后物体偏蓝，越远则越偏色越重;受到比较明亮的背景环绕的那些按物体显得较小，而与黑暗背景相接的明亮物体则显得较大;眼睛如果不移动，单靠线的透视，很难知道一件物体和另一件物体之间的距离，除非依靠光与色彩。”。虽然达芬奇所提出的这些理论看似简单，但是直到今天，这些知识都是当代视觉艺术范畴中不可缺少的基本理论。
因为文艺复兴时期绘画是讲究素描的，所以那时的画家对素描“形“的准确追求看得高于一切。但是到了巴洛克时期一些艺术家开始在自己的作品里大量的运用光色的元素。比如鲁本斯便是吸收了提香的暖色调，在他的画作里有强烈浪漫的光色用法，使他的绘画风格与文艺复兴时期的艺术有了明显的时代性区别。后来伦勃朗在他的作品里创造了独特的布光方法，被后世称为伦勃朗光。他的油画采用“光暗”处理法，即采用黑褐色或浅橄榄棕色为背景，将光线概括为一束束电筒光似的集中线，着重表现在画的主要部分。这种视觉效果，就好像画中人物是站在黑色舞台上，一束强光打在他的脸上。伦勃朗对光的使用令人感受深刻，他独到地运用明和暗，灵活地处理复杂画面中的明暗光线，用光线强化画中的主要部分，让暗部去弱化和消融次要的事物。他这种精妙的明暗处理构成了他的画风中强烈的戏剧性色彩。一直到现代戏剧及人像摄影中伦勃朗光都是常用的布光法。
不过在印象主义诞生以前，画家们关注的是素描、色彩、构图这些造型的整体，着重观察和表现形体，认为色彩是物体固有色的明暗关系，认知停止在天水为蓝，草木为绿的概念。而印象派的出现把一切自然中的事物都还原为光和色，利用光的变化的微妙状态表达自己的情感。印象派的画家抛弃了从前发展中变化微小的褐色调子，追求光在物体上的变化，阴影下的微妙色彩体现。他们把光当作唯一真实的对象，并强调要根据画家自己的眼睛的观察以及直观感受，再结合自己的视觉主观性，在自己的眼中自动调色，增减明度，否定固有色，从而表现自己情感，以色彩分析和内心的真诚来构建对艺术表达的态度。
我们从发展历程不难看出，绘画与灯光两者包含着千丝万缕的联系，绘画的每一步跨越式的发展，总会对同期的舞台光的艺术产生重要的影响。对于一副绘画作品来说无论是图形还是线条，抛开了光便不存在了。而对于舞台的表演，失去了光的表达，也仿佛缺少了灵魂。光线时时刻刻都在影响着艺术家的色彩感受。光在绘画和舞台中都有着共同的作用。
在空间的艺术氛围中，光的不同色调和冷暖给人的不同情绪，都可以为观众营造出更为和谐身临其境的感受。在时间空间的转换里如果不借助灯光的色彩明亮度变化，只靠演员的演绎是很难让观众体会到变化的。而角色内心的压抑、緊张、兴奋等情绪通过灯光的运用设计将变得更贴切和强化观众的理解。这一系列的发展都离不开绘画领域的创作者在不同时期对艺术的感悟和探索，他们潜移默化的影响着灯光在舞台演出中的发展和呈现，使得灯光变得更具有美学的价值和意义。
当今伴随科技的发展，灯光设备在技术上已经可以极大程度满足创作者的需求了。当代的舞台艺术和绘画艺术在表现形式和创作者的情感表达上也都有着更加紧密的关系了。不过越是在这种状态下，创作者越不能迷失在只顾着叠加技术的层面。艺术发展到今天，现代的构成学和色彩学都深入的为用光提供了宝贵的理论支撑。在未来的发展里我们反而更应该回归到对艺术的思考，加强美学的意识，投入到对生活的观察和体验中去。我们应该认真的体会感受当代人的生活状态，吸纳古今中外视觉艺术的作品，从而形成自己独有的美学观，探索出属于这个时代的艺术语言，这才是创作者们应该追寻的道路。我相信在这个时代的文化环境里，灯光也会留下属于这个时代的印记。
关键词：空气透视法;伦勃朗光;印象主义
在不同的历史时期里，根据艺术的发展，演出形式的不断演变，舞台灯光在上千年的戏剧历史舞台上也不断的发展。在戏剧产生后很长的一段时间里，人们对灯光的理解仅仅是将表演场地照亮即可。从古希腊、古罗马，再到中世纪，无论是露天剧场，还是教堂和宫廷的演出，都是白天借助于太阳光，夜晚则借助于油灯或者火把来进行照明。可以说最早期的舞台演出，灯光只拥有让人看清事物这种简单的媒介价值，完全没有艺术价值可言的。
从文艺复兴开始，艺术家逐渐意识到照明的光对演出效果的重要作用，开始从过去的不加控制的随意照亮慢慢转向将照亮的范围集中到演出的区域，突出表演对象。再后来还出现了从舞台不同位置布置光源的思考与实践，同时有意识的运用不同颜色的光来照明。
进入了巴洛克时期，艺术的风格从文艺复兴时期的静态、理性、重秩序演变成为动态、感性和有节奏。演出从可控光的初始阶段逐渐开始朝着创造自然幻觉的方向发展。如何显示剧情时间的变化，创造演出环境的空间，成为艺术家们越来越重视的问题。虽然这些也能够通过布景和演员传递给观众，但是对于整体的艺术表现而言，光已经成为不可缺的一个重要组成了。
到了印象派的出现，艺术家们进入了真正大胆抒发自己主观艺术情感的时期，尤其在光和色彩上有着前所未有的大胆运用，整个艺术体系在这个阶段发生了翻天覆地的变化。自此之后的舞台灯光也从求真的写实艺术转向进入了用光和色去表现抒发创作者的主观思想和情感的时代。
我们从历史的进程可以看出，灯光从原始的照亮功能到有意识的模仿自然，再到舞台美术主张创作者的内在情感表达或者体现自己的某种观念，从求真再现的功能到抒发思想和情感，如今演变成为当代舞台表现重要的组成部分，审美的意义和美学价值也实现了飞速的发展。这些跟绘画艺术的发展可以说是紧密相连的。
在绘画不同的发展阶段，艺术家们始终都没有离开对光的探索。早在文艺复兴时期达芬奇就提出了著名的空气透视法。空气透视法里阐述了“在阳光中空气对视觉产生的阻隔作用下，一定距离后物体偏蓝，越远则越偏色越重;受到比较明亮的背景环绕的那些按物体显得较小，而与黑暗背景相接的明亮物体则显得较大;眼睛如果不移动，单靠线的透视，很难知道一件物体和另一件物体之间的距离，除非依靠光与色彩。”。虽然达芬奇所提出的这些理论看似简单，但是直到今天，这些知识都是当代视觉艺术范畴中不可缺少的基本理论。
因为文艺复兴时期绘画是讲究素描的，所以那时的画家对素描“形“的准确追求看得高于一切。但是到了巴洛克时期一些艺术家开始在自己的作品里大量的运用光色的元素。比如鲁本斯便是吸收了提香的暖色调，在他的画作里有强烈浪漫的光色用法，使他的绘画风格与文艺复兴时期的艺术有了明显的时代性区别。后来伦勃朗在他的作品里创造了独特的布光方法，被后世称为伦勃朗光。他的油画采用“光暗”处理法，即采用黑褐色或浅橄榄棕色为背景，将光线概括为一束束电筒光似的集中线，着重表现在画的主要部分。这种视觉效果，就好像画中人物是站在黑色舞台上，一束强光打在他的脸上。伦勃朗对光的使用令人感受深刻，他独到地运用明和暗，灵活地处理复杂画面中的明暗光线，用光线强化画中的主要部分，让暗部去弱化和消融次要的事物。他这种精妙的明暗处理构成了他的画风中强烈的戏剧性色彩。一直到现代戏剧及人像摄影中伦勃朗光都是常用的布光法。
不过在印象主义诞生以前，画家们关注的是素描、色彩、构图这些造型的整体，着重观察和表现形体，认为色彩是物体固有色的明暗关系，认知停止在天水为蓝，草木为绿的概念。而印象派的出现把一切自然中的事物都还原为光和色，利用光的变化的微妙状态表达自己的情感。印象派的画家抛弃了从前发展中变化微小的褐色调子，追求光在物体上的变化，阴影下的微妙色彩体现。他们把光当作唯一真实的对象，并强调要根据画家自己的眼睛的观察以及直观感受，再结合自己的视觉主观性，在自己的眼中自动调色，增减明度，否定固有色，从而表现自己情感，以色彩分析和内心的真诚来构建对艺术表达的态度。
我们从发展历程不难看出，绘画与灯光两者包含着千丝万缕的联系，绘画的每一步跨越式的发展，总会对同期的舞台光的艺术产生重要的影响。对于一副绘画作品来说无论是图形还是线条，抛开了光便不存在了。而对于舞台的表演，失去了光的表达，也仿佛缺少了灵魂。光线时时刻刻都在影响着艺术家的色彩感受。光在绘画和舞台中都有着共同的作用。
在空间的艺术氛围中，光的不同色调和冷暖给人的不同情绪，都可以为观众营造出更为和谐身临其境的感受。在时间空间的转换里如果不借助灯光的色彩明亮度变化，只靠演员的演绎是很难让观众体会到变化的。而角色内心的压抑、緊张、兴奋等情绪通过灯光的运用设计将变得更贴切和强化观众的理解。这一系列的发展都离不开绘画领域的创作者在不同时期对艺术的感悟和探索，他们潜移默化的影响着灯光在舞台演出中的发展和呈现，使得灯光变得更具有美学的价值和意义。
当今伴随科技的发展，灯光设备在技术上已经可以极大程度满足创作者的需求了。当代的舞台艺术和绘画艺术在表现形式和创作者的情感表达上也都有着更加紧密的关系了。不过越是在这种状态下，创作者越不能迷失在只顾着叠加技术的层面。艺术发展到今天，现代的构成学和色彩学都深入的为用光提供了宝贵的理论支撑。在未来的发展里我们反而更应该回归到对艺术的思考，加强美学的意识，投入到对生活的观察和体验中去。我们应该认真的体会感受当代人的生活状态，吸纳古今中外视觉艺术的作品，从而形成自己独有的美学观，探索出属于这个时代的艺术语言，这才是创作者们应该追寻的道路。我相信在这个时代的文化环境里，灯光也会留下属于这个时代的印记。