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上海当代艺术博物馆，法国瑞士籍摄影师埃莱娜比奈首次在中国举办了个展。展览以百余幅胶片作品回顾了其三十年来通过相机镜头与经典建筑进行的独特对话，而其中以苏州园林为主题的全新创作也是第一次对公众亮相。
埃莱娜比奈1959年出生于瑞士索雷尼奥，成长于意大利罗马。她曾就读于欧洲设计学院的摄影专业，毕业后在瑞士日内瓦大剧院短暂任职摄影师。八十年代中期她与时任伦敦建筑联盟学院教师的丈夫白瑞华移居伦敦，并逐渐将兴趣转移至建筑摄影。比奈在当地很快结识了包括扎哈哈迪德在内的一批新锐建筑师，在伦敦建筑联盟学院主席阿尔文波亚斯基与其他同僚的鼓励和引荐下，前往柏林拍摄了首个项目，并在之后逐步成为当代最受追捧的建筑摄影师之一。
埃莱娜比奈是当代建筑摄影领域为数不多的坚持使用胶片创作的摄影师，她的摄影多以欧洲现代主义与后现代主义建筑为主题，近期也开始关注自然景观与亚洲古代建筑。建筑师丹尼尔里伯斯金在形容她的作品时曾说道，“比奈拍摄的每一张照片都揭示了建筑的成就、力道、情感与脆弱”。几乎在首次拍摄约翰·海杜克的柏林公寓楼项目（1987年）的同时，比奈就奠定并延续了独树一帜的个人风格一一冷静、结构明确，又充分调动观赏者对空间的亲密想象。她曾表示，“作为一个摄影师，第一要义就是要学会排除”。她的摄影极少囊括建筑物的全景，往往通过非常规的构图聚焦于建筑骨架，以局部的结构和肌理折射出广义的建筑理念，使人联想到卢西安赫尔维、雷内布里、朱迪斯特纳等人以抽象视角见长的摄影风格。
本次展览历数了比奈曾经拍摄过的约翰海杜克、丹尼尔利伯斯金、西古德莱韦伦茨、季米特里斯皮吉奥尼斯、路德维希里奥、勒柯布西耶、彼得卒姆托与扎哈哈迪德等著名建筑师的经典作品。通过强调建筑师与建筑师之间，又或是建筑师与某个自然景观之间的呼应，比奈将不同系列的作品分成三两一组，形成主题各异的“对话”：比奈在拍摄印度斋普尔的简塔曼塔天文台与法国勒柯布西耶设计的圣玛丽修道院时，都将镜头对准建筑材质表面的强烈光影对比，诘问神性与科学极限的一线之隔;而另一处，扎哈哈迪德设计的那些不断延展的建筑曲线与一望无际的阿塔卡玛沙漠和瑞士山景遥相呼应，平静之中暗涌着地貌形成的强大力量。光的形状：摄影和抽象艺术百年
英国泰特现代美术馆曾于2018年策划并举办过一场“光的形状：摄影和抽象艺术百年”，梳理了1910年以来以摄影为主线的抽象艺术。
摄影师阿尔兰文登柯伯恩（ Alvin Langdon Coburn）创作于1916年的“漩涡照片”被公认为是第一张抽象摄影。出于对写实风景的失望和对未来派、立体派思潮的崇尚，柯伯恩在自己的相机镜头前加装了三组拼成一圈的长方形玻璃，透过那个万花筒般的结构，他的摄影作品里呈现了漩涡主义绘画中明晰、交错的线条。
与此同时，大西洋另一侧的纽约，阿尔弗雷德斯蒂格里茨（ Alfred Stieglitz）在1905年开办了“摄影分离派小画廊”，与爱德华斯泰肯（ Edward Steichen）二人一起确立了崭新视角：将摄影、古典艺术和现代艺术作为同等分量的实践一同展示。
在展览中，1960年MoMA举办的名为“抽象的感知”的摄影展亦成为重点。当时的那场展览肯定并梳理了摄影在抽象领域做出的探索，并奠定了一些关键艺术家的地位，其中代表人物便是曼雷（ Man Ray）。深受达达派和超现实主义绘画影响的曼雷，具有强烈的反传统意识，他宁可去创造充满幻境的世界，也不会拘泥于对客观对象的简单重复。其名句“与其拍摄一个东西，不如拍摄一个意念;与其拍摄一个意念，不如拍摄一个幻梦”，似乎也证明了他不断挑战并扩张摄影本质的坚定信念。
伴随着媒介的多样化，摄影的边界也逐渐变得模糊起来。展览还展出了大量以“光学效果”为探索方向的作品，比如贝拉 科拉罗娃（ Bela Kolarova）。此外，约翰希利亚德（John Hilliard）对“真实”和“现实”关系的拷问实验、芭芭拉卡斯滕（ BarbaraKasten）对三维与二维形体之间相互影响的关注等等，也成为展览中的亮点。
展览最后呈现的是摄影艺术在数码技术浪潮中所呈现出的不同方向的拓展。如果说之前艺术家们的实践还算是媒介的交汇，那么许多新一代的年轻艺术家甚至已经开始表现出对摄影这一媒介都不那么在意的趋势。例如安东尼凯恩斯（ Antony Cairns）使用了45個Kindle阅读器，Kindle中的电子墨水（ E-ink）在此被永久固定，用以描画城市深夜中空无一人的建筑景观;来自日本的横田大辅（ Daisuke Yokota）通过不停地翻、扭曲来获得独特的影像效果。而在各种对比、并置的背后，恰恰揭示了策展人西蒙贝克（ Simon Baker）藏在其中的深意：艺术中不该有孤立的门类，对摄影的理解应该被放到整个艺术史中来考量。
埃莱娜比奈1959年出生于瑞士索雷尼奥，成长于意大利罗马。她曾就读于欧洲设计学院的摄影专业，毕业后在瑞士日内瓦大剧院短暂任职摄影师。八十年代中期她与时任伦敦建筑联盟学院教师的丈夫白瑞华移居伦敦，并逐渐将兴趣转移至建筑摄影。比奈在当地很快结识了包括扎哈哈迪德在内的一批新锐建筑师，在伦敦建筑联盟学院主席阿尔文波亚斯基与其他同僚的鼓励和引荐下，前往柏林拍摄了首个项目，并在之后逐步成为当代最受追捧的建筑摄影师之一。
埃莱娜比奈是当代建筑摄影领域为数不多的坚持使用胶片创作的摄影师，她的摄影多以欧洲现代主义与后现代主义建筑为主题，近期也开始关注自然景观与亚洲古代建筑。建筑师丹尼尔里伯斯金在形容她的作品时曾说道，“比奈拍摄的每一张照片都揭示了建筑的成就、力道、情感与脆弱”。几乎在首次拍摄约翰·海杜克的柏林公寓楼项目（1987年）的同时，比奈就奠定并延续了独树一帜的个人风格一一冷静、结构明确，又充分调动观赏者对空间的亲密想象。她曾表示，“作为一个摄影师，第一要义就是要学会排除”。她的摄影极少囊括建筑物的全景，往往通过非常规的构图聚焦于建筑骨架，以局部的结构和肌理折射出广义的建筑理念，使人联想到卢西安赫尔维、雷内布里、朱迪斯特纳等人以抽象视角见长的摄影风格。
本次展览历数了比奈曾经拍摄过的约翰海杜克、丹尼尔利伯斯金、西古德莱韦伦茨、季米特里斯皮吉奥尼斯、路德维希里奥、勒柯布西耶、彼得卒姆托与扎哈哈迪德等著名建筑师的经典作品。通过强调建筑师与建筑师之间，又或是建筑师与某个自然景观之间的呼应，比奈将不同系列的作品分成三两一组，形成主题各异的“对话”：比奈在拍摄印度斋普尔的简塔曼塔天文台与法国勒柯布西耶设计的圣玛丽修道院时，都将镜头对准建筑材质表面的强烈光影对比，诘问神性与科学极限的一线之隔;而另一处，扎哈哈迪德设计的那些不断延展的建筑曲线与一望无际的阿塔卡玛沙漠和瑞士山景遥相呼应，平静之中暗涌着地貌形成的强大力量。光的形状：摄影和抽象艺术百年
英国泰特现代美术馆曾于2018年策划并举办过一场“光的形状：摄影和抽象艺术百年”，梳理了1910年以来以摄影为主线的抽象艺术。
摄影师阿尔兰文登柯伯恩（ Alvin Langdon Coburn）创作于1916年的“漩涡照片”被公认为是第一张抽象摄影。出于对写实风景的失望和对未来派、立体派思潮的崇尚，柯伯恩在自己的相机镜头前加装了三组拼成一圈的长方形玻璃，透过那个万花筒般的结构，他的摄影作品里呈现了漩涡主义绘画中明晰、交错的线条。
与此同时，大西洋另一侧的纽约，阿尔弗雷德斯蒂格里茨（ Alfred Stieglitz）在1905年开办了“摄影分离派小画廊”，与爱德华斯泰肯（ Edward Steichen）二人一起确立了崭新视角：将摄影、古典艺术和现代艺术作为同等分量的实践一同展示。
在展览中，1960年MoMA举办的名为“抽象的感知”的摄影展亦成为重点。当时的那场展览肯定并梳理了摄影在抽象领域做出的探索，并奠定了一些关键艺术家的地位，其中代表人物便是曼雷（ Man Ray）。深受达达派和超现实主义绘画影响的曼雷，具有强烈的反传统意识，他宁可去创造充满幻境的世界，也不会拘泥于对客观对象的简单重复。其名句“与其拍摄一个东西，不如拍摄一个意念;与其拍摄一个意念，不如拍摄一个幻梦”，似乎也证明了他不断挑战并扩张摄影本质的坚定信念。
伴随着媒介的多样化，摄影的边界也逐渐变得模糊起来。展览还展出了大量以“光学效果”为探索方向的作品，比如贝拉 科拉罗娃（ Bela Kolarova）。此外，约翰希利亚德（John Hilliard）对“真实”和“现实”关系的拷问实验、芭芭拉卡斯滕（ BarbaraKasten）对三维与二维形体之间相互影响的关注等等，也成为展览中的亮点。
展览最后呈现的是摄影艺术在数码技术浪潮中所呈现出的不同方向的拓展。如果说之前艺术家们的实践还算是媒介的交汇，那么许多新一代的年轻艺术家甚至已经开始表现出对摄影这一媒介都不那么在意的趋势。例如安东尼凯恩斯（ Antony Cairns）使用了45個Kindle阅读器，Kindle中的电子墨水（ E-ink）在此被永久固定，用以描画城市深夜中空无一人的建筑景观;来自日本的横田大辅（ Daisuke Yokota）通过不停地翻、扭曲来获得独特的影像效果。而在各种对比、并置的背后，恰恰揭示了策展人西蒙贝克（ Simon Baker）藏在其中的深意：艺术中不该有孤立的门类，对摄影的理解应该被放到整个艺术史中来考量。