论文部分内容阅读
【摘要】古典主义时期的艺术,突出发展的是美术和音乐,但美术的发展要早于音乐,特别使得建筑、绘画、雕塑发展达到了一个新阶段,各种风格不断涌现出来,到欧洲资本主义产生时期,美术具有了时代的特点,形式和内容高度统一,这也使古典音乐受其影响,在这个基础之上,古典音乐的发展可以说达到了一个黄金时期,像贝多芬、莫扎特等著名作曲家的出现,促进了古典音乐的发展进程。到了19世纪新古典音乐的发展以大大超过了这一时期美术的发展,不管怎样,在那个革命、上升的时代,古典艺术以其辉煌灿烂的一页,影响了当代艺术的发展。
【关键词】古典主义 音乐 美术 艺术家 发展
【中图分类号】J110.94 【文献标识码】A 【文章编号】1009-9646(2009)01(a)-0160-02
诚然,划分艺术发展阶段,并不能像划分土地界限一样毫厘不差,她不在一时乍然而起,也不会在一时突然消失,写这篇论文的缘起,不过是我对于古典主义时期三位大师海顿、莫扎特、贝多芬所创造的音乐史上的神奇的崇拜,激发了我对同一时期的美术发展也作了专门了解。但我之“漫谈”与大多数厚积薄发的漫谈相去甚远,无力作深入阐释,所以只能做粗浅的漫漫之谈。
历史之球转到18世纪时,艺术发展得极尽浮华之能势,美术上的罗可可风格使得建筑、绘画、雕塑等都被装饰得“完美”之极,在欣赏这一时段的作品时,我们仿佛进入了一个光彩的、无暇疵的、超脱现实的天堂。而音乐虽无罗可可阶段之说,但笔者认为在其巴洛克发展的后期也带上了罗可可的色彩了,表现得最突出的当然非歌剧莫属(因其在18世纪音乐发展中的重要地位——器乐等公开音乐会只能插在歌剧演出休息的旬斋月期间举行)。演员们炫技性的唱法、随意变调加入经过句、装饰句和华彩乐段,以及浮夸的服装、舞台和剧情都无不体现着罗可可的特点,艺术仿佛一辆变形的列车,脱离了生活的轨道,虽有猎奇的乘客——教会与宫廷的王公贵族们,但大多数的群众还是不欣赏它的,艺术似乎呼唤着新的时代的到来。
封建主义的衰落、资本主义以及资产阶级的上升、新旧势力的碰撞,作为古典主义时期引领者的大百科全书派诞生了,他们提倡形式与内容高度统一的“真善美”的艺术原则和自然均衡的艺术创作,18世纪上半叶赫尔加拉诺姆废墟等一系列考古发掘研究,引发了人们对于古代的狂热,古希腊时提出的正确的比例、简洁朴实、统一和谐,再一次被艺术家尤其是美术家们作为艺术创作的准则。而音乐也在厌倦了浮华的表演之后萌发了回归老一辈的纯朴的要求。热情的卢梭甚至以作曲家的身份于1752年撰写了《乡村占卜师》来身体力行。由于适应了时代的发展,百科全书派所倡导的这种明晰、清雅的艺术自然地取代了巴洛克时期夸张充满激情的艺术创造和罗可可娇柔甜美的装饰风味。当然这种取代过程并非一蹴而就的,而是经历了必然的初期、高潮、衰落的过程,而在进入我们熟知的莫扎特、贝多芬、大卫、安格尔的高潮前,不妨先看看初期的“铺垫”艺术家们是如何一步一个脚窝地实现这种转变的。
美术方面由于处于上升阶段的资产阶级注重的是具体实际,他们对待艺术就力求真实。
不论是历史画、肖像画,亦或是建筑雕塑,艺术家们去掉鲜艳的画面色彩,美仑美奂的建筑上的装饰,力求回到古希腊古罗马的严肃庄重而自由的艺术形式,而另一方面由于18世纪中叶以后兴起的感伤主义的影响,有些作品也带上了感伤的色彩,这在英法似乎表现的较为强烈。如果说庚斯勃罗的《安德鲁斯先生和他的太太》还难逃罗可可的圈囿的话,他的《画家的女儿追扑蝴蝶》和《谢里丹夫人像》也向意大利古典主义靠拢了,画中人物面庞、眼神、树木、裙褛都散发着淡淡的忧愁,而乔舒西·雷诺兹(1723-1792)已经先进得可以,一幅《罗琳·霍化德小姐》居然构画了一种近乎英雄主义的大背景,而其表现小姑娘与蔷薇的朴实无华笔触又使我们为古典主义的魅力所吸引,当然,画面的略现伤感仍不容忽视,仿佛这一时期的作品都被悄悄地蒙上了一层淡淡的忧伤。而在古典主义初期的音乐,似乎在形成着许多形式的雏形,由于社会的突变,作曲家们似乎想通过“纯音乐”的思维方式、运用“纯器乐”的写作手法具体地表达出“人”的复杂的内心世界以及对现实社会生活的哲理性思考。奏鸣曲式的呈示——展开——再现,以及主部副部主题的对比不能不说是18世纪风起云涌的社会变革的反映,他们的一大批作品虽仍是二部曲式,但结构上以初具奏鸣曲式的特征,而交响曲这一极具感情杀伤力的形式,以开始由最初的歌剧序曲性质发展到有了自己独立主题,在作为其重要奠基人G·B·萨马丁尼的作品已出现了4个乐章的结构。由于曼海姆乐派的音乐家们的努力,到1750年乐队编制已初具近代交响乐队之雏形了。在歌剧创作方面,B·佩戈莱西仿佛先知一般于1733年就创作了《管家女仆》,这部歌剧结构简洁、音乐手法精练,富有活力,轻快诙谐,简单的剧情及舞台形式还有略有改变的表演,具有古典主义的味道。当然别忘了前问提及的伟大的思想家卢梭的《乡村占卜师》。最值得一提的当然是格鲁克的歌剧改革了,处于对歌剧的酷爱,他毕生致力于这项伟大的之中,而歌剧中炫技性的脱离剧情的咏叹调首当其冲成为他攻击的靶子。在几经尝试后,1762年他与卡尔萨比吉的合作的《奥菲欧与优丽狄茜》,发出有力一炮,(有趣的是还是小孩的天才的莫扎特恰好于此时开始他的欧洲“非常之旅”)。格鲁克曾说过“我力求限制音乐,使音乐回归到它们的真正功能,我主要的工作应该是致力寻求一种美好的朴实感”。这不是油然而生,而是通过他对观众的细致观察后才得出的。他发现了简洁和朴实的重要,当然也就乘上了古典主义的战舰。罗曼?罗兰曾说“格鲁克的革命不仅是格鲁克一个人的天才的事业,而是一世纪思想的发展的事业,百科全书派在20年中间一直在准备宣布和期待着这种革命”,我想古典主义时期的每位艺术家都在进行着这一世纪思想的事业。
历史的车轮飞转,18世纪后期,革命的岩浆正在社会之中持续生温,敏感的艺术家们再一次成为了革命的开路先锋。首先冲入历史镜头的是雅克·路易·大卫。他的《荷拉斯兄弟的宣誓》(1784-1785)被誉为新古典主义的宣言,这一题材的选用既能表现古希腊的市民英雄主义精神,当然更是对即将到来的法国大革命的宣传,‘吾宁战死沙场’之豪情从画面上迸发出来。男人们的坚强执著与女人们娇弱烦乱被动的强烈对比和“生命”与“噩运”的主题对比是多么地类似,在这一点上美术与音乐似乎不谋而合了,而大革命后创作的《马拉之死》更是典型的新古典主义画法与现实题材的完美结合,革命的“圣像”,若配以贝多芬的《第九交响曲》与之钟馨合鸣就再完美不过了。
虽然大卫颇具权威性,影响很大,但他的同代人仍保持个性,就像有人喜食荔枝,而有人颇不以为奇一样,这在每个时代都是难以避免的。那些人在创作题材和用色上率先地步入了浪漫主义,这似乎令学习音乐的人极为迷惑,古典主义之后才是浪漫主义呀,怎么会在这时就能冒出浪漫主义？在这一点上,美术似乎比音乐先行了一步,18世纪中叶——19世纪初叶古典主义是与浪漫主义并存的,只不过到最后浪漫主义美术同浪漫主义音乐一样超越了古典主义,成为艺坛主流。
美术还不能以此收尾,有一位重要人物还未登场,安格尔——大卫的得意弟子,接过了师傅的枪炮成为了古典主义美术的颠峰。他狂热崇拜拉斐尔,他的《瓦平松的浴女》、《大宫女》、《特提斯乞求朱庇特》等足以让古希腊古罗马汗颜,这取决于他的人物状态——裸体或半裸,以及造型布局上黄金分割的视觉法则,而更高明的是他有意拉长了脊柱,给人一种难以名状的完美之感,特提斯与朱庇特的形体与神态的戏剧般地对比仿佛正在演出一幕严肃喜歌剧。
奥地利的维也纳作为世界音乐之都令世人向往,任何乐队都以在金色大厅演出为荣,而任何观众也都以在此欣赏为幸,维也纳的漫长而辉煌的音乐传统文化是原因之一。著名的维也纳古典主义音乐是指18世纪下半叶至19世纪20年代在维也纳形成的以J·海顿、W·莫扎特和L·贝多芬为代表的作曲家所创作的音乐。作为新兴资产阶级意识形态的代表人物,他们的作品带有鲜明的人道主义和明朗奋进的乐观主义精神。他们的作品既有明晰而严密的形式,又有充实而深刻的内涵,达到了欧洲古典主义的顶峰。早期海顿由于生活优越创作了一些浮华的宫廷音乐来迎合品位,而他的中后期作品则在德国狂飙运动的影响下,更多地表现人类的朴实明朗的感情和乐观的信念。比如两次英国之行创作的12首《伦敦交响曲》,他的“交响曲之父”、“弦乐四重奏之父”的美誉巩固了他在音乐史上的地位。而莫扎特,笔者一直认为是神非人,他短暂的35年似乎只是为音乐而生,将其理想化地在为人类创作了巨量的音乐后,翩然而逝。虽然生命短暂生活清苦,但天使般地乐观精神、出于对自由的向往,1781年,他摆脱主教成为第一位自由作曲家,出于对祖国命运的关心,又于1784年加入“共济会”。在创作方面,他强调“诗歌绝对服从音乐”,这似乎有悖于格鲁克的主张,但我想二者性质是相通的:通过符合人物的音乐来表现戏剧的真实。莫扎特既是一位进行革命的音乐家,也是一位音乐革命家,对其极为崇拜的贝多芬,更是一位时刻战斗着的音乐家。他的作品完全可以看作是一部革命历程表,九部交响曲、《热情》与《黎明》内充满了积极向上的乐观主义精神,表现了从斗争到胜利、从黑暗到光明的苦难的资产阶级的上升,而其高低音区对置、爆炸性重音、不同力度对比的运用开启了浪漫主义之门。
古典主义的音乐,朋友般地开启了浪漫主义音乐之门,而古典主义的美术似乎是与浪漫主义美术竞争后江郎才尽,被滚滚的浪漫主义之流而淹没。这一时期的美术似乎不如音乐那样辉煌灿烂,也不及古希腊古罗马时期的源源流长。但笔者认为在这个革命的时代,他仍然是自己时代的骄傲,同古典主义音乐一样,是艺术史上璀璨明珠。新古典主义时期的音乐家、美术家们都紧握着手中的战斗之笔。捍卫着这个革命的、上升的时代。
【关键词】古典主义 音乐 美术 艺术家 发展
【中图分类号】J110.94 【文献标识码】A 【文章编号】1009-9646(2009)01(a)-0160-02
诚然,划分艺术发展阶段,并不能像划分土地界限一样毫厘不差,她不在一时乍然而起,也不会在一时突然消失,写这篇论文的缘起,不过是我对于古典主义时期三位大师海顿、莫扎特、贝多芬所创造的音乐史上的神奇的崇拜,激发了我对同一时期的美术发展也作了专门了解。但我之“漫谈”与大多数厚积薄发的漫谈相去甚远,无力作深入阐释,所以只能做粗浅的漫漫之谈。
历史之球转到18世纪时,艺术发展得极尽浮华之能势,美术上的罗可可风格使得建筑、绘画、雕塑等都被装饰得“完美”之极,在欣赏这一时段的作品时,我们仿佛进入了一个光彩的、无暇疵的、超脱现实的天堂。而音乐虽无罗可可阶段之说,但笔者认为在其巴洛克发展的后期也带上了罗可可的色彩了,表现得最突出的当然非歌剧莫属(因其在18世纪音乐发展中的重要地位——器乐等公开音乐会只能插在歌剧演出休息的旬斋月期间举行)。演员们炫技性的唱法、随意变调加入经过句、装饰句和华彩乐段,以及浮夸的服装、舞台和剧情都无不体现着罗可可的特点,艺术仿佛一辆变形的列车,脱离了生活的轨道,虽有猎奇的乘客——教会与宫廷的王公贵族们,但大多数的群众还是不欣赏它的,艺术似乎呼唤着新的时代的到来。
封建主义的衰落、资本主义以及资产阶级的上升、新旧势力的碰撞,作为古典主义时期引领者的大百科全书派诞生了,他们提倡形式与内容高度统一的“真善美”的艺术原则和自然均衡的艺术创作,18世纪上半叶赫尔加拉诺姆废墟等一系列考古发掘研究,引发了人们对于古代的狂热,古希腊时提出的正确的比例、简洁朴实、统一和谐,再一次被艺术家尤其是美术家们作为艺术创作的准则。而音乐也在厌倦了浮华的表演之后萌发了回归老一辈的纯朴的要求。热情的卢梭甚至以作曲家的身份于1752年撰写了《乡村占卜师》来身体力行。由于适应了时代的发展,百科全书派所倡导的这种明晰、清雅的艺术自然地取代了巴洛克时期夸张充满激情的艺术创造和罗可可娇柔甜美的装饰风味。当然这种取代过程并非一蹴而就的,而是经历了必然的初期、高潮、衰落的过程,而在进入我们熟知的莫扎特、贝多芬、大卫、安格尔的高潮前,不妨先看看初期的“铺垫”艺术家们是如何一步一个脚窝地实现这种转变的。
美术方面由于处于上升阶段的资产阶级注重的是具体实际,他们对待艺术就力求真实。
不论是历史画、肖像画,亦或是建筑雕塑,艺术家们去掉鲜艳的画面色彩,美仑美奂的建筑上的装饰,力求回到古希腊古罗马的严肃庄重而自由的艺术形式,而另一方面由于18世纪中叶以后兴起的感伤主义的影响,有些作品也带上了感伤的色彩,这在英法似乎表现的较为强烈。如果说庚斯勃罗的《安德鲁斯先生和他的太太》还难逃罗可可的圈囿的话,他的《画家的女儿追扑蝴蝶》和《谢里丹夫人像》也向意大利古典主义靠拢了,画中人物面庞、眼神、树木、裙褛都散发着淡淡的忧愁,而乔舒西·雷诺兹(1723-1792)已经先进得可以,一幅《罗琳·霍化德小姐》居然构画了一种近乎英雄主义的大背景,而其表现小姑娘与蔷薇的朴实无华笔触又使我们为古典主义的魅力所吸引,当然,画面的略现伤感仍不容忽视,仿佛这一时期的作品都被悄悄地蒙上了一层淡淡的忧伤。而在古典主义初期的音乐,似乎在形成着许多形式的雏形,由于社会的突变,作曲家们似乎想通过“纯音乐”的思维方式、运用“纯器乐”的写作手法具体地表达出“人”的复杂的内心世界以及对现实社会生活的哲理性思考。奏鸣曲式的呈示——展开——再现,以及主部副部主题的对比不能不说是18世纪风起云涌的社会变革的反映,他们的一大批作品虽仍是二部曲式,但结构上以初具奏鸣曲式的特征,而交响曲这一极具感情杀伤力的形式,以开始由最初的歌剧序曲性质发展到有了自己独立主题,在作为其重要奠基人G·B·萨马丁尼的作品已出现了4个乐章的结构。由于曼海姆乐派的音乐家们的努力,到1750年乐队编制已初具近代交响乐队之雏形了。在歌剧创作方面,B·佩戈莱西仿佛先知一般于1733年就创作了《管家女仆》,这部歌剧结构简洁、音乐手法精练,富有活力,轻快诙谐,简单的剧情及舞台形式还有略有改变的表演,具有古典主义的味道。当然别忘了前问提及的伟大的思想家卢梭的《乡村占卜师》。最值得一提的当然是格鲁克的歌剧改革了,处于对歌剧的酷爱,他毕生致力于这项伟大的之中,而歌剧中炫技性的脱离剧情的咏叹调首当其冲成为他攻击的靶子。在几经尝试后,1762年他与卡尔萨比吉的合作的《奥菲欧与优丽狄茜》,发出有力一炮,(有趣的是还是小孩的天才的莫扎特恰好于此时开始他的欧洲“非常之旅”)。格鲁克曾说过“我力求限制音乐,使音乐回归到它们的真正功能,我主要的工作应该是致力寻求一种美好的朴实感”。这不是油然而生,而是通过他对观众的细致观察后才得出的。他发现了简洁和朴实的重要,当然也就乘上了古典主义的战舰。罗曼?罗兰曾说“格鲁克的革命不仅是格鲁克一个人的天才的事业,而是一世纪思想的发展的事业,百科全书派在20年中间一直在准备宣布和期待着这种革命”,我想古典主义时期的每位艺术家都在进行着这一世纪思想的事业。
历史的车轮飞转,18世纪后期,革命的岩浆正在社会之中持续生温,敏感的艺术家们再一次成为了革命的开路先锋。首先冲入历史镜头的是雅克·路易·大卫。他的《荷拉斯兄弟的宣誓》(1784-1785)被誉为新古典主义的宣言,这一题材的选用既能表现古希腊的市民英雄主义精神,当然更是对即将到来的法国大革命的宣传,‘吾宁战死沙场’之豪情从画面上迸发出来。男人们的坚强执著与女人们娇弱烦乱被动的强烈对比和“生命”与“噩运”的主题对比是多么地类似,在这一点上美术与音乐似乎不谋而合了,而大革命后创作的《马拉之死》更是典型的新古典主义画法与现实题材的完美结合,革命的“圣像”,若配以贝多芬的《第九交响曲》与之钟馨合鸣就再完美不过了。
虽然大卫颇具权威性,影响很大,但他的同代人仍保持个性,就像有人喜食荔枝,而有人颇不以为奇一样,这在每个时代都是难以避免的。那些人在创作题材和用色上率先地步入了浪漫主义,这似乎令学习音乐的人极为迷惑,古典主义之后才是浪漫主义呀,怎么会在这时就能冒出浪漫主义？在这一点上,美术似乎比音乐先行了一步,18世纪中叶——19世纪初叶古典主义是与浪漫主义并存的,只不过到最后浪漫主义美术同浪漫主义音乐一样超越了古典主义,成为艺坛主流。
美术还不能以此收尾,有一位重要人物还未登场,安格尔——大卫的得意弟子,接过了师傅的枪炮成为了古典主义美术的颠峰。他狂热崇拜拉斐尔,他的《瓦平松的浴女》、《大宫女》、《特提斯乞求朱庇特》等足以让古希腊古罗马汗颜,这取决于他的人物状态——裸体或半裸,以及造型布局上黄金分割的视觉法则,而更高明的是他有意拉长了脊柱,给人一种难以名状的完美之感,特提斯与朱庇特的形体与神态的戏剧般地对比仿佛正在演出一幕严肃喜歌剧。
奥地利的维也纳作为世界音乐之都令世人向往,任何乐队都以在金色大厅演出为荣,而任何观众也都以在此欣赏为幸,维也纳的漫长而辉煌的音乐传统文化是原因之一。著名的维也纳古典主义音乐是指18世纪下半叶至19世纪20年代在维也纳形成的以J·海顿、W·莫扎特和L·贝多芬为代表的作曲家所创作的音乐。作为新兴资产阶级意识形态的代表人物,他们的作品带有鲜明的人道主义和明朗奋进的乐观主义精神。他们的作品既有明晰而严密的形式,又有充实而深刻的内涵,达到了欧洲古典主义的顶峰。早期海顿由于生活优越创作了一些浮华的宫廷音乐来迎合品位,而他的中后期作品则在德国狂飙运动的影响下,更多地表现人类的朴实明朗的感情和乐观的信念。比如两次英国之行创作的12首《伦敦交响曲》,他的“交响曲之父”、“弦乐四重奏之父”的美誉巩固了他在音乐史上的地位。而莫扎特,笔者一直认为是神非人,他短暂的35年似乎只是为音乐而生,将其理想化地在为人类创作了巨量的音乐后,翩然而逝。虽然生命短暂生活清苦,但天使般地乐观精神、出于对自由的向往,1781年,他摆脱主教成为第一位自由作曲家,出于对祖国命运的关心,又于1784年加入“共济会”。在创作方面,他强调“诗歌绝对服从音乐”,这似乎有悖于格鲁克的主张,但我想二者性质是相通的:通过符合人物的音乐来表现戏剧的真实。莫扎特既是一位进行革命的音乐家,也是一位音乐革命家,对其极为崇拜的贝多芬,更是一位时刻战斗着的音乐家。他的作品完全可以看作是一部革命历程表,九部交响曲、《热情》与《黎明》内充满了积极向上的乐观主义精神,表现了从斗争到胜利、从黑暗到光明的苦难的资产阶级的上升,而其高低音区对置、爆炸性重音、不同力度对比的运用开启了浪漫主义之门。
古典主义的音乐,朋友般地开启了浪漫主义音乐之门,而古典主义的美术似乎是与浪漫主义美术竞争后江郎才尽,被滚滚的浪漫主义之流而淹没。这一时期的美术似乎不如音乐那样辉煌灿烂,也不及古希腊古罗马时期的源源流长。但笔者认为在这个革命的时代,他仍然是自己时代的骄傲,同古典主义音乐一样,是艺术史上璀璨明珠。新古典主义时期的音乐家、美术家们都紧握着手中的战斗之笔。捍卫着这个革命的、上升的时代。