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林海勇个人简历：
1964年生于浙江舟山，宁波城市职业技术学院副教授
毕业于浙江美术学院
中国油画家学会会员
浙江美术家协会会员
浙江省油画家协会会员
宁波美术家协会理事
第一次见到林海勇，是在一个颇具特色的咖啡小店，他在那里举办了一场小型的画展。同行的朋友告诉我，林海勇是她的色彩启蒙老师，他的《春暖花开》系列，正是斑斓的色彩，在画布上的交错相织，看似简单，却又纷繁复杂。
林海勇的风格，一直在变，在上美术学院之前，他已经开始了油画艺术的创作，当时学习苏联和印象派的较多；逐渐，林海勇的风格从自然唯美到具象人物，再到现代艺术，看似不同的风格全由其一人创作，对此，林海勇认为——所有的艺术家在不同的时期都有变化。众所周知的毕加索、培根、梵高……变化没有关系，有关系的是变化是否遵循着艺术家一贯的发展脉络，这个很重要，否则就会出现断层，对于艺术家是至关重要的，当然也有人对此不以为然。画风就是艺术家的个人语言，这是很难的事，林海勇坚信，时间会带着他走进变化和不同的风格。
林海勇对于绘画，有着固执地热爱，他最舒服的事情，就是安静地呆在自己的画室里，而他的兴趣爱好，也是在画室里发生或者和画室有关系的事。然而，就是这样一位爱画、惜画的油画艺术创作者，有着另外一份荣耀——为人师表。作为一名现代美术教育的从事者，林海勇认为艺术没法教的，更不能用条条框框，最好的教学是教师用自己的创造和思维影响学生，技术可以慢慢的引导，最根本的核心就是要充分的激发和尊重学生的创造性思维。
这是一位对艺术高度敏锐性的创作者，对于生活的人与物也同样的敏感，他不喜欢亮，喜欢怪怪的天气，那样才让他感到真实。可就是这样一位画家，一直热衷于他的绘画事业，用他的笔墨，在画布上描绘出一幅幅“春暖花开”的绚烂。
记者：您是如何看待当代油画艺术与传统油画艺术的联系与区别？
林海勇：当代艺术表达的是艺术家个体对于所发生的思考和批判，在材料和语言的应用上比较开放，束缚比较少，只要能表达艺术家情绪和思考的在形式语言上就可以是什么，当代艺术只提供艺术家个人的感受，而传统艺术更多的是负责准确，像苏联的艺术和印象派早起的作品。
记者：2010年11月，您曾在宁波美术馆举办了一场“说与人道”的展览，是您风格的又一次转变，此次展览又有什么独特的意义所在？
林海勇：“说与人道”一改以往的风格，那次展出的二十来件作品中，大多是肖像。一般来说，从抽象到具象是一个不小的转折，但对于我来说，这一形式的转换可能并不重要。也许这二十多年来我一直坚持的艺术精神和自身的气质并没有改变，也就是说“敏感”和“直觉”。也许仍然是这些绘画的主要特质。这二十件作品包括油画，素描和雕塑，全部以无题命名；并且所有作品的焦点都是肖像，或者说“人”。与我们通常所理解的肖像不同，这些绘画中的人物都是不可辨认的；人物形象一律孤立在未加处理的亚麻布上，营造出极强的“无名感”或“匿名感”， 但这种“不可辨认性”又似乎不是简单的模糊，而是一种二元叠加式的相互解构。细心的观众不难发现，这些作品都有两个对立的元素构成——画面深层的严格的人物结构和画面表层的微量表现主义的语言。从隐喻的角度看，这两种元素构成了一个二维平面中的多重维度。首先是时间性，在创作过程中人物结构在先，表层的表现主义语言随后对人物结构进行重新解释，但这一重新解释又没有完全覆盖深层的人物结构，两者似乎一直在抗争与协商，因此，它体现了一种“过程”或者“时间性”；第二是这两种元素处在两个象征平面上，如果我们把深层结构看作是象征着“客观”，理性对“人”的界定或者我们常识中“人”的形象的话，那么表层的重新解释应被视为是“情绪”和个人的存在主义经验对前者质疑和颠覆这样一种象征。也就是说，我在同一个绘画空间中营造了两个象征空间，并且分别用两种语言在其中创造各自的叙事。这种分裂式的叙事不应被看作仅仅是方法论的尝试，在我看来，它包含着某种哲学意义上的意义——对人类认知系统的怀疑，对既成体系的怀疑以及对艺术表现自身的怀疑。
记者：您的众多人物作品中，为什么将具象化的人物做模糊化处理？
林海勇：“人”是本次展览的主要线索，我用分裂的语言在两个象征空间里努力地塑造着“人”这样一个形象。它们为我们带来的是诸多重要的问题，“人是什么”以及与之相关的一系列自现代主义以来一直被追问着的问题。福柯在提出“人的消失”时，曾经把人比作是画在海滩上的一个“形象”，即将被潮水抹去。福柯在此讨论的是由启蒙时代构建起来的关于“人”的话语即将消失。从知识论的角度看，“人”就是话语，也就是说“人”可以被等同于所有对“人”的解释和建构，除此之外我们不知道“人”是什么。我们不妨把这种对“人”的解释和建构比作是写在羊皮纸上的话语，可以被擦掉了重写。也许我们也可以把这些画布看作是羊皮纸，在此，重要的不是画，而是擦掉，因为消解才能在有关“人”的话语的重负中创造出新的空间。我用“远即真像”这样一个想法来描述他的近期作品，把它放在此文的语境里解释，远 应该被理解为“距离”，更精确地说，应该是脱离对人的既存解释和建构的必要距离，而“真像”就是在话语真理以外的真实。这让我想起拉康提出的认知的“镜象阶段”——当一个幼儿第一次意识到镜子中的自我形象是空的时候，用做出一系列姿势来认识镜子中反射出来的运动和自己身体的关系，“自我”就是在这样一个阶段中，以推翻以往“自我”过程中一步一步确立的。也许，我们刚才提到的画面表层的微量表象主义语言就是这样一种“一系列的绘画姿势”，用来确定“镜子”中形象与人类的关系。其实，近百年来我们对自身（人）的认知一直处在这样一个“镜象阶段”，一直处于这样一个推翻“旧自我”的过程之中。这就是我的肖像或者说反肖像给我们带来的启示。
记者：您的众多灵感来源于何处？哪位艺术前辈对您的影响比较深刻？
林海勇：对于现实的思考，材料永远来自现实，但是一定是另外一种逻辑秩序和表达，黄宾虹晚年的东西是好的。
记者：您接下来的创作计划如何？
林海勇：今年要完成几张大幅的创作，继续（春暖花开）系列的创作，时间允许的话在汇港美术馆做一个个展。
1964年生于浙江舟山，宁波城市职业技术学院副教授
毕业于浙江美术学院
中国油画家学会会员
浙江美术家协会会员
浙江省油画家协会会员
宁波美术家协会理事
第一次见到林海勇，是在一个颇具特色的咖啡小店，他在那里举办了一场小型的画展。同行的朋友告诉我，林海勇是她的色彩启蒙老师，他的《春暖花开》系列，正是斑斓的色彩，在画布上的交错相织，看似简单，却又纷繁复杂。
林海勇的风格，一直在变，在上美术学院之前，他已经开始了油画艺术的创作，当时学习苏联和印象派的较多；逐渐，林海勇的风格从自然唯美到具象人物，再到现代艺术，看似不同的风格全由其一人创作，对此，林海勇认为——所有的艺术家在不同的时期都有变化。众所周知的毕加索、培根、梵高……变化没有关系，有关系的是变化是否遵循着艺术家一贯的发展脉络，这个很重要，否则就会出现断层，对于艺术家是至关重要的，当然也有人对此不以为然。画风就是艺术家的个人语言，这是很难的事，林海勇坚信，时间会带着他走进变化和不同的风格。
林海勇对于绘画，有着固执地热爱，他最舒服的事情，就是安静地呆在自己的画室里，而他的兴趣爱好，也是在画室里发生或者和画室有关系的事。然而，就是这样一位爱画、惜画的油画艺术创作者，有着另外一份荣耀——为人师表。作为一名现代美术教育的从事者，林海勇认为艺术没法教的，更不能用条条框框，最好的教学是教师用自己的创造和思维影响学生，技术可以慢慢的引导，最根本的核心就是要充分的激发和尊重学生的创造性思维。
这是一位对艺术高度敏锐性的创作者，对于生活的人与物也同样的敏感，他不喜欢亮，喜欢怪怪的天气，那样才让他感到真实。可就是这样一位画家，一直热衷于他的绘画事业，用他的笔墨，在画布上描绘出一幅幅“春暖花开”的绚烂。
记者：您是如何看待当代油画艺术与传统油画艺术的联系与区别？
林海勇：当代艺术表达的是艺术家个体对于所发生的思考和批判，在材料和语言的应用上比较开放，束缚比较少，只要能表达艺术家情绪和思考的在形式语言上就可以是什么，当代艺术只提供艺术家个人的感受，而传统艺术更多的是负责准确，像苏联的艺术和印象派早起的作品。
记者：2010年11月，您曾在宁波美术馆举办了一场“说与人道”的展览，是您风格的又一次转变，此次展览又有什么独特的意义所在？
林海勇：“说与人道”一改以往的风格，那次展出的二十来件作品中，大多是肖像。一般来说，从抽象到具象是一个不小的转折，但对于我来说，这一形式的转换可能并不重要。也许这二十多年来我一直坚持的艺术精神和自身的气质并没有改变，也就是说“敏感”和“直觉”。也许仍然是这些绘画的主要特质。这二十件作品包括油画，素描和雕塑，全部以无题命名；并且所有作品的焦点都是肖像，或者说“人”。与我们通常所理解的肖像不同，这些绘画中的人物都是不可辨认的；人物形象一律孤立在未加处理的亚麻布上，营造出极强的“无名感”或“匿名感”， 但这种“不可辨认性”又似乎不是简单的模糊，而是一种二元叠加式的相互解构。细心的观众不难发现，这些作品都有两个对立的元素构成——画面深层的严格的人物结构和画面表层的微量表现主义的语言。从隐喻的角度看，这两种元素构成了一个二维平面中的多重维度。首先是时间性，在创作过程中人物结构在先，表层的表现主义语言随后对人物结构进行重新解释，但这一重新解释又没有完全覆盖深层的人物结构，两者似乎一直在抗争与协商，因此，它体现了一种“过程”或者“时间性”；第二是这两种元素处在两个象征平面上，如果我们把深层结构看作是象征着“客观”，理性对“人”的界定或者我们常识中“人”的形象的话，那么表层的重新解释应被视为是“情绪”和个人的存在主义经验对前者质疑和颠覆这样一种象征。也就是说，我在同一个绘画空间中营造了两个象征空间，并且分别用两种语言在其中创造各自的叙事。这种分裂式的叙事不应被看作仅仅是方法论的尝试，在我看来，它包含着某种哲学意义上的意义——对人类认知系统的怀疑，对既成体系的怀疑以及对艺术表现自身的怀疑。
记者：您的众多人物作品中，为什么将具象化的人物做模糊化处理？
林海勇：“人”是本次展览的主要线索，我用分裂的语言在两个象征空间里努力地塑造着“人”这样一个形象。它们为我们带来的是诸多重要的问题，“人是什么”以及与之相关的一系列自现代主义以来一直被追问着的问题。福柯在提出“人的消失”时，曾经把人比作是画在海滩上的一个“形象”，即将被潮水抹去。福柯在此讨论的是由启蒙时代构建起来的关于“人”的话语即将消失。从知识论的角度看，“人”就是话语，也就是说“人”可以被等同于所有对“人”的解释和建构，除此之外我们不知道“人”是什么。我们不妨把这种对“人”的解释和建构比作是写在羊皮纸上的话语，可以被擦掉了重写。也许我们也可以把这些画布看作是羊皮纸，在此，重要的不是画，而是擦掉，因为消解才能在有关“人”的话语的重负中创造出新的空间。我用“远即真像”这样一个想法来描述他的近期作品，把它放在此文的语境里解释，远 应该被理解为“距离”，更精确地说，应该是脱离对人的既存解释和建构的必要距离，而“真像”就是在话语真理以外的真实。这让我想起拉康提出的认知的“镜象阶段”——当一个幼儿第一次意识到镜子中的自我形象是空的时候，用做出一系列姿势来认识镜子中反射出来的运动和自己身体的关系，“自我”就是在这样一个阶段中，以推翻以往“自我”过程中一步一步确立的。也许，我们刚才提到的画面表层的微量表象主义语言就是这样一种“一系列的绘画姿势”，用来确定“镜子”中形象与人类的关系。其实，近百年来我们对自身（人）的认知一直处在这样一个“镜象阶段”，一直处于这样一个推翻“旧自我”的过程之中。这就是我的肖像或者说反肖像给我们带来的启示。
记者：您的众多灵感来源于何处？哪位艺术前辈对您的影响比较深刻？
林海勇：对于现实的思考，材料永远来自现实，但是一定是另外一种逻辑秩序和表达，黄宾虹晚年的东西是好的。
记者：您接下来的创作计划如何？
林海勇：今年要完成几张大幅的创作，继续（春暖花开）系列的创作，时间允许的话在汇港美术馆做一个个展。