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编者按：
围村盆菜，为香港名菜，分别要经过煎、炸、烧、煮、焖、卤，之后再层层装盆而成，内有乾坤，混合各种菜色，却又不失其真味。这一次由中央美术学院毕业的艺术家杨松、杨鑫、郭天意、薛若哲、胡伟、罗苇、马漓澧、陈俏汐、张潇月、姚然组成的晒冷小组以“围村盆菜”为名的展览，是该小组成立后的第一次展览，对于这次展览，策展人蔡飞感慨：“毕业一年以来大家都有不少新的作品，之所以做这样一个展览，也是希望能给这些年轻人一个展示作品的机会，这就好比是一个平台。围村盆菜里面可谓五花八门，跟这次展览也是相互呼应，什么样类型的作品都有，同时也是贴近于平常我们艺术家的生活，亲近、随意。”
其中，参展的十位艺术家之间也是各不相同——杨松以土为元素对生死所进行的思考，杨鑫用精巧的微观世界来与观众进行交流，郭天意在反复的涂抹与修改中追求绘画中的痕迹，薛若哲用虚拟的方式让人去思索这个世界的荒诞，胡伟的梯子在互动中以艺术之名戏耍了观众，罗苇让自己的作品与周围环境进行平静的对话，马漓澧以“另一个宇宙”来阐释她对于人与人之间关系的思考，陈俏汐用简化后的轮廓来表达亲人间那种熟悉而又陌生的印象，张潇月在思考生命起源与归宿中阐述万物间阴阳相克、此消彼长的规律，姚然放大了经常被我们所忽略的日常之物。但他们却能如此随意而且毫无紧张感的组合在一起，并且以一种友人间聚会的方式来展示他们的创作，这诚然是让参观者从中体会到温馨之感。
杨松：我对土这个材料很感兴趣，土很接地气，什么生命最后都将变成土，这就如同是一个反复循环的过程。其实，所有能够看到的东西都将走向消亡，我们的生命是借来的，早晚要还回去，化成土壤，再借给其他的生命。我很喜欢这一视觉的效果，它慢慢剥离，有一种时间的感觉存在。我并不在意我的作品能够保持多久，我希望它是一个自然的生命。即便是石雕，它早晚也会没掉，只是这个时间太长了，人们察觉不出它的毁灭。就像庄子说，你可能没法理解一棵树的生命，因为它比你活得长。我就是想把这个视角转换一下，通过这种快慢的颠倒让人去感受这种消亡的过程。其实所有的生命都是这样，只是一个时间的问题。
杨鑫：我的创作都是根据当下的心理感受，基于对现实的认识来进行。我的作品偏于实验性，实际上，我的创作灵感来源于生物上的一些东西，比如生物的卵，或者是生物所留下的一些迹象。其实，我并不是去画下它本身，而是从中提取了一些形象，给人以某种暗示，这也是我对于一些材料所进行的尝试和实验。并且，在我的作品中也有着一种微观世界的感觉，这样的展示方式也是希望观者能够凑近，去尝试发现其中的那些细节性的东西，我会去注意观者观看时的感受，以此来调整我的作品的展示方式，比如把某些灯光调得有些闪烁性，在这种变化中给人以动感。
郭天意：我原来可能更注重于传统绘画，从去年开始也在尝试着对素描等传统语言进行拓展，这次展览的作品也是一样，这是我去年作画拍下的视频，我也是希望能通过这种动态的方式来改变手工独幅绘画的那种静态的观看方式。以后的创作有一部分会是纸本的绘画，还有一部分会是视频，也是希望观众能从静态和动态两个角度去观看一件作品，这两种方式之间的关系，之间的共性，都留给观众去解读。我很在意作画的过程，曾经创作一件作品时在一张纸上前后涂改了两千七百多次，很有意思的是，在这种长期的控制下，最后会得到一个痕迹，一个偶然性的结果。我以后的创作，也将去思考能否只剩下痕迹，将具象的东西以抽象的方式表达出来，从而突破绘画初始的设定。
薛若哲：我一直在思考虚拟与真实之间的关系，虚拟与真实放在一起会产生什么样的荒诞感，其实这个世界就是很荒诞的，有些看起来合理的东西其实都很奇怪。我在前段时间去了趟英国，在此期间，也在思考旅行与荒诞间的关系，我就想可以把世界上著名的旅游点都放在一起，于是之后我就自己设计了一个城市，自己设计了一个地铁系统，做了很多看起来很真的照片，但其实它们都是虚假的，这也是对旅游业和消费主义的一种反思吧。像《模拟人生》这件作品，我用油画来表现机械制成的3D效果，给人一种冷冰冰的感觉，看似真实，实际上很荒诞，油画本身是一种带有温度的媒介，我迫使这种媒介去表现与它本身差别很大的事情，这就形成一种反差。
胡伟：如果要问到作为学绘画出身的我为什么没有继续绘画这一工作方式。首先，我认为自己这一阶段所考虑的问题如果想通过绘画解决的话会有一定的局限性。绘画是一种艺术风格过于强烈的手段，用它来讨论艺术本身只会使创作变得冗长。其次，我对绘画没有期望，它对我而言不过就是一块布，一坨颜色，我不会像大多数人那样把它高大化，对它有恋恋不舍的幻想。这次展览的两件作品，我更多的是把注意力放在了艺术本身上。其中，在《以艺术之名》（梯子）这件作品中体验是非常重要的环节，当观众把自己置身于高处，带着与以往不同的心情去读艺术家的这一段文字时，我不知道他们对我信任多少。艺术是危险的，娱乐的，而这段文字却是从艺术家日常工作笔记与不同人的谈话中斟酌而出的。事实上，不是艺术家有意再跟观众开玩笑，而是艺术本身戏耍了观众。
罗苇：我喜欢用不同的东西去组成我的作品，我希望我的作品能有一种自由、随机的状态，这次展览我也是按照现场的情况去做了一件作品。我并不去想自己的作品会做到怎样的程度，但我会始终让自己的内心保持一种平静的状态，让我的作品与周围的环境进行平静的对话。以前我会做一些关于人与人之间关系的作品，但我现在更多会去在意我的作品同周围环境的关系，让我的作品去参与和介入其他人的作品中。我们晒冷小组原本就是一个很随意、很自由的组合，我们会做很多种尝试，去打破原有的规则，不做预设，而让它们自然地发生，只要我们都能觉得很满足，那就够了，而不是一定要去得到什么。
马漓澧：我比较关注人的内心世界，现在科技发达，人和人的联系或亲密度从表面上看似有所提升，物理距离拉近了，但内心的距离却是越来越远，所以人活在这个时空中就会感觉到另外一个人就是另外一个宇宙。而且，人经常会奔向不同的目标，一个接着一个，每一个目标仿佛就是另外一个世界，而在这个过程中会有很多很多渺茫感，也是希望那些内心之中有压抑感和孤独感的人看到我的作品后能产生共鸣和感到安慰。这回的作品也是比以前的更为复杂，触角伸得更深，不单单是爱情，也包括友情等一些人与人间的关系。我很在意这个，我接下来也会继续去探讨这种关系。
陈俏汐：人之间原本是亲密的关系，但由于时间、距离等因素，渐渐会有疏离之感。我的作品形象的原型是我的家人，由于我长期在外，当我回到家乡时，虽然都是亲人，但会有一种疏离感，另外也包括一些成长中的问题，我没法与他们述说。他们与我的关系是紧密的，但我又是我，我不能全部的跟他们去交流。等等因素使得他们在我的脑海中形成一种落差，当我们去回顾以往时，所留下的是一个浅浅的轮廓，一个模糊的印象，这也是一种无奈和被动的阶段。我的关注点在人的关系上，以及人的肌理和皮肤等因素。而且，我画画时喜欢将东西简化，对符号性的东西感兴趣，以后也将会继续做这方面的探索。
张潇月：我在创作时会把出发点和结束点都看到一个点上，我觉得，在借助上帝与扮演上帝之间，造物的起源与归宿，像一个周而复始的圆，其中阴阳相克，此消彼长。在《尘dust》这一系列作品中，我所要说的就是“水满则溢，月盈则亏”这样一个道理。我平时做材料的东西要多一些，虽然是雕塑专业，但也会去研究木版画。我会以一个雕塑的角度去看版画，不在意所刻的内容，更在乎时间所带来的雕塑感和空间感。现在我不排斥任何材料，都在尝试，我没有把某些技术单纯当作技术，而是在不断地摸索和进行中都将其运用起来，只要是符合自己气质的东西都可运用，目的在于说事，而不是在用什么。其实，正如我的老师所告诉我的，在做东西的时候是看不见自己的。
姚然：我不是哲学家，原本也许只想贴近每一个局部更多更清楚地获得对象的准确信息，然而，当放大完成之后，原本的精致就不见了，那些流畅光滑的线条变得不再匀称，那些沉稳和谐的形色也变得不再矜持，仿佛到处潜藏着万象世界散落在这里的奇妙故事，让人在它面前侧耳聆听、静观惊奇。我选择画钱币并不是考究货币价值的观念，而是在它本身狭小的面积上看到更多的丰富内容，从中尝试一种新的绘画体验以及变换以往的绘画观看方式。在这上面，不但容纳了天地之间的无限生动与玄机，更是凝集了严谨而又多元的设计谋略、优质高端的材料性能与防伪技术、复杂而又精确的印刷与成型工艺……
围村盆菜，为香港名菜，分别要经过煎、炸、烧、煮、焖、卤，之后再层层装盆而成，内有乾坤，混合各种菜色，却又不失其真味。这一次由中央美术学院毕业的艺术家杨松、杨鑫、郭天意、薛若哲、胡伟、罗苇、马漓澧、陈俏汐、张潇月、姚然组成的晒冷小组以“围村盆菜”为名的展览，是该小组成立后的第一次展览，对于这次展览，策展人蔡飞感慨：“毕业一年以来大家都有不少新的作品，之所以做这样一个展览，也是希望能给这些年轻人一个展示作品的机会，这就好比是一个平台。围村盆菜里面可谓五花八门，跟这次展览也是相互呼应，什么样类型的作品都有，同时也是贴近于平常我们艺术家的生活，亲近、随意。”
其中，参展的十位艺术家之间也是各不相同——杨松以土为元素对生死所进行的思考，杨鑫用精巧的微观世界来与观众进行交流，郭天意在反复的涂抹与修改中追求绘画中的痕迹，薛若哲用虚拟的方式让人去思索这个世界的荒诞，胡伟的梯子在互动中以艺术之名戏耍了观众，罗苇让自己的作品与周围环境进行平静的对话，马漓澧以“另一个宇宙”来阐释她对于人与人之间关系的思考，陈俏汐用简化后的轮廓来表达亲人间那种熟悉而又陌生的印象，张潇月在思考生命起源与归宿中阐述万物间阴阳相克、此消彼长的规律，姚然放大了经常被我们所忽略的日常之物。但他们却能如此随意而且毫无紧张感的组合在一起，并且以一种友人间聚会的方式来展示他们的创作，这诚然是让参观者从中体会到温馨之感。
杨松：我对土这个材料很感兴趣，土很接地气，什么生命最后都将变成土，这就如同是一个反复循环的过程。其实，所有能够看到的东西都将走向消亡，我们的生命是借来的，早晚要还回去，化成土壤，再借给其他的生命。我很喜欢这一视觉的效果，它慢慢剥离，有一种时间的感觉存在。我并不在意我的作品能够保持多久，我希望它是一个自然的生命。即便是石雕，它早晚也会没掉，只是这个时间太长了，人们察觉不出它的毁灭。就像庄子说，你可能没法理解一棵树的生命，因为它比你活得长。我就是想把这个视角转换一下，通过这种快慢的颠倒让人去感受这种消亡的过程。其实所有的生命都是这样，只是一个时间的问题。
杨鑫：我的创作都是根据当下的心理感受，基于对现实的认识来进行。我的作品偏于实验性，实际上，我的创作灵感来源于生物上的一些东西，比如生物的卵，或者是生物所留下的一些迹象。其实，我并不是去画下它本身，而是从中提取了一些形象，给人以某种暗示，这也是我对于一些材料所进行的尝试和实验。并且，在我的作品中也有着一种微观世界的感觉，这样的展示方式也是希望观者能够凑近，去尝试发现其中的那些细节性的东西，我会去注意观者观看时的感受，以此来调整我的作品的展示方式，比如把某些灯光调得有些闪烁性，在这种变化中给人以动感。
郭天意：我原来可能更注重于传统绘画，从去年开始也在尝试着对素描等传统语言进行拓展，这次展览的作品也是一样，这是我去年作画拍下的视频，我也是希望能通过这种动态的方式来改变手工独幅绘画的那种静态的观看方式。以后的创作有一部分会是纸本的绘画，还有一部分会是视频，也是希望观众能从静态和动态两个角度去观看一件作品，这两种方式之间的关系，之间的共性，都留给观众去解读。我很在意作画的过程，曾经创作一件作品时在一张纸上前后涂改了两千七百多次，很有意思的是，在这种长期的控制下，最后会得到一个痕迹，一个偶然性的结果。我以后的创作，也将去思考能否只剩下痕迹，将具象的东西以抽象的方式表达出来，从而突破绘画初始的设定。
薛若哲：我一直在思考虚拟与真实之间的关系，虚拟与真实放在一起会产生什么样的荒诞感，其实这个世界就是很荒诞的，有些看起来合理的东西其实都很奇怪。我在前段时间去了趟英国，在此期间，也在思考旅行与荒诞间的关系，我就想可以把世界上著名的旅游点都放在一起，于是之后我就自己设计了一个城市，自己设计了一个地铁系统，做了很多看起来很真的照片，但其实它们都是虚假的，这也是对旅游业和消费主义的一种反思吧。像《模拟人生》这件作品，我用油画来表现机械制成的3D效果，给人一种冷冰冰的感觉，看似真实，实际上很荒诞，油画本身是一种带有温度的媒介，我迫使这种媒介去表现与它本身差别很大的事情，这就形成一种反差。
胡伟：如果要问到作为学绘画出身的我为什么没有继续绘画这一工作方式。首先，我认为自己这一阶段所考虑的问题如果想通过绘画解决的话会有一定的局限性。绘画是一种艺术风格过于强烈的手段，用它来讨论艺术本身只会使创作变得冗长。其次，我对绘画没有期望，它对我而言不过就是一块布，一坨颜色，我不会像大多数人那样把它高大化，对它有恋恋不舍的幻想。这次展览的两件作品，我更多的是把注意力放在了艺术本身上。其中，在《以艺术之名》（梯子）这件作品中体验是非常重要的环节，当观众把自己置身于高处，带着与以往不同的心情去读艺术家的这一段文字时，我不知道他们对我信任多少。艺术是危险的，娱乐的，而这段文字却是从艺术家日常工作笔记与不同人的谈话中斟酌而出的。事实上，不是艺术家有意再跟观众开玩笑，而是艺术本身戏耍了观众。
罗苇：我喜欢用不同的东西去组成我的作品，我希望我的作品能有一种自由、随机的状态，这次展览我也是按照现场的情况去做了一件作品。我并不去想自己的作品会做到怎样的程度，但我会始终让自己的内心保持一种平静的状态，让我的作品与周围的环境进行平静的对话。以前我会做一些关于人与人之间关系的作品，但我现在更多会去在意我的作品同周围环境的关系，让我的作品去参与和介入其他人的作品中。我们晒冷小组原本就是一个很随意、很自由的组合，我们会做很多种尝试，去打破原有的规则，不做预设，而让它们自然地发生，只要我们都能觉得很满足，那就够了，而不是一定要去得到什么。
马漓澧：我比较关注人的内心世界，现在科技发达，人和人的联系或亲密度从表面上看似有所提升，物理距离拉近了，但内心的距离却是越来越远，所以人活在这个时空中就会感觉到另外一个人就是另外一个宇宙。而且，人经常会奔向不同的目标，一个接着一个，每一个目标仿佛就是另外一个世界，而在这个过程中会有很多很多渺茫感，也是希望那些内心之中有压抑感和孤独感的人看到我的作品后能产生共鸣和感到安慰。这回的作品也是比以前的更为复杂，触角伸得更深，不单单是爱情，也包括友情等一些人与人间的关系。我很在意这个，我接下来也会继续去探讨这种关系。
陈俏汐：人之间原本是亲密的关系，但由于时间、距离等因素，渐渐会有疏离之感。我的作品形象的原型是我的家人，由于我长期在外，当我回到家乡时，虽然都是亲人，但会有一种疏离感，另外也包括一些成长中的问题，我没法与他们述说。他们与我的关系是紧密的，但我又是我，我不能全部的跟他们去交流。等等因素使得他们在我的脑海中形成一种落差，当我们去回顾以往时，所留下的是一个浅浅的轮廓，一个模糊的印象，这也是一种无奈和被动的阶段。我的关注点在人的关系上，以及人的肌理和皮肤等因素。而且，我画画时喜欢将东西简化，对符号性的东西感兴趣，以后也将会继续做这方面的探索。
张潇月：我在创作时会把出发点和结束点都看到一个点上，我觉得，在借助上帝与扮演上帝之间，造物的起源与归宿，像一个周而复始的圆，其中阴阳相克，此消彼长。在《尘dust》这一系列作品中，我所要说的就是“水满则溢，月盈则亏”这样一个道理。我平时做材料的东西要多一些，虽然是雕塑专业，但也会去研究木版画。我会以一个雕塑的角度去看版画，不在意所刻的内容，更在乎时间所带来的雕塑感和空间感。现在我不排斥任何材料，都在尝试，我没有把某些技术单纯当作技术，而是在不断地摸索和进行中都将其运用起来，只要是符合自己气质的东西都可运用，目的在于说事，而不是在用什么。其实，正如我的老师所告诉我的，在做东西的时候是看不见自己的。
姚然：我不是哲学家，原本也许只想贴近每一个局部更多更清楚地获得对象的准确信息，然而，当放大完成之后，原本的精致就不见了，那些流畅光滑的线条变得不再匀称，那些沉稳和谐的形色也变得不再矜持，仿佛到处潜藏着万象世界散落在这里的奇妙故事，让人在它面前侧耳聆听、静观惊奇。我选择画钱币并不是考究货币价值的观念，而是在它本身狭小的面积上看到更多的丰富内容，从中尝试一种新的绘画体验以及变换以往的绘画观看方式。在这上面，不但容纳了天地之间的无限生动与玄机，更是凝集了严谨而又多元的设计谋略、优质高端的材料性能与防伪技术、复杂而又精确的印刷与成型工艺……