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约翰内斯·维米尔是巴洛克时期的荷兰画家,1632年出生于荷兰代尔夫特小镇的一个中产阶级家庭。他的作品多以描绘风俗市井生活为主,画中女性角色颇多。她们或神态端庄、或柔和、或清丽,关于这些模特儿的身份并无记载。维米尔遗留的作品不多,有关他的生平也很有限。另外,加之他对光线的理解和描绘是精湛和超前的,因而有人说,他在绘画技巧上所提供的新东西“比许多同时代的画家加在一起所提供的还要多” 。维米尔一生中几乎没有离开过自己的家乡,甚至没有去过阿姆斯特丹,他一生都在按自己的方式绘画。子女众多,生活窘迫,使得他有时不得不用油画去抵偿债务。即使这样,他生前自己出卖的画作也只是个别,其余大部分留给了妻子。他一生都在为自己作画。
十七世纪的代尔夫特,宁静而温柔的小镇,精致小巧的运河,维米尔这个孤独而沉静的画家掩映在巴洛克建筑、水道迂回的宛如威尼斯一般的乡间小屋中,描绘出《代尔夫特一景》,他所蕴涵的情愫永远定格在画布里,这种安稳的深沉也永远定格在驻足留恋它的人《追忆似水年华》的作者普鲁斯特心中。1921年普鲁斯特去看维米尔的画展,那是他最后一次出家门,之后便足不出户。他把那次经历写进了《追忆似水年华》——“最后,他来到维米尔的画前,他记得这幅画比他熟知的其他画更有光彩、更不一般,然而,由于评论家的文章,他第一次注意到一些穿蓝衣服的小人物,沙子是玫瑰红的,最后是一小块黄色墙面的珍贵材料……在天国的磅秤上,一端的磅秤盛着他自己的一生,另一端则装着被画成如此优美的黄色的墙面。”
通过对维米尔作品的研究和比较,艺术史家们发现他在描摹光线时,对几何原则把握得相当完美,点、线、面的刻画极为真实和精准。绘画大师将几何原则渗透进自己的画布,画出的人物和道具结构精妙、形体真实、情感丰富。空间的描绘并不是传统的手法,而是用结构性的线条勾画的,被描绘人物置身在画中的房屋内,却看不出房间本身被任何线条所限制和禁锢,完全是几何现实型的三维立体空间,光线自然地倾泻在人物的脸颊、墙壁、地图、窗帘、椅子上、水罐、面包上,他的画透露出一种柔和的理性之光,这种光既细腻又温和,维米尔画中的人物或景物轻盈地飘浮在温和的光线当中,几乎溶化在其中,这里没有痛苦、没有泪水、没有悲剧,只有一种淡淡的忧郁弥漫在画的肌理当中,楚楚有致,这种安稳的忧郁是祈愿。
维米尔对几何原则的运用应当是隐性的。在艺术绘画创作中,通常几何原则不是最重要的,往往绘画更偏重心灵、想象、创作、意识。一副画究竟是否严格地符合一定的比例和构型,不是评价其好坏的重要标准。那么,在实际的绘画过程中,画者是否会考虑到这种几何原则,答案是一定的。除了一些特殊题材,个别的抽象和意象等的绘画不会过多地运用到几何的思维,一般的绘画都会潜藏着严密的几何构型。维米尔就是这样的一位大师。他忠实地刻画了光线,刻画了摆在房间里每个物体的真实形态,最关键的是,经过点、线、面的细致分析,我们不难发现他的画拥有严格的几何构型和数学原则。以《音乐课》为例,维米尔将一面镜子放在古钢琴的正上方,镜子的黑色下框与琴盖的黑边重叠。他认为透过古钢琴与年轻女人之上长方形的几何形状,这样创作上的连结可以创造出垂直的视觉延伸,并且借由镜中的反射,维米尔加强了画中女人的构图与躯干的重要性。他所表达出镜中景象的细腻是相当卓越的,他是将景象放置到镜子中,而不是只是在表面上画上因为镜子倾斜角度所造成的扭曲的小的反射。他仔细地记录了桌子和地板的远景和从窗户洒下的光线自然地投射在女人身上的景象。左墙上横向的一条平行线与从天花板到地板的垂直线相交,椅子和大提琴也有一条短线,其他所有的线都垂直相交,把我们的视线系统地,像路标一样从一个物体吸引到另一个物体上。
用几何学的眼光去看维米尔的画,那个世界是美轮美奂的。如果说用心灵去欣赏维米尔的画,我们会看到多种多样的世界。
维米尔的作品《站在窗前读信的女孩》、《持水罐的少妇》、《倒牛奶的女佣》、《小街》等构成了维米尔的核心作品,其概念的传播,是具体形式的时间性,我们可以从这些画不同年代的时间延续性中体验到永恒。同时,也可以体验到一位画家一生用心灵创作的情感。凡心灵依照理性的指导所理解之物,它都是依照同样的永恒性或必然性的形式去理解,因而它会感受到同样的确定性。所以无论它所得到的观念是将来之物,或过去之物,或现在之物的观念,心灵都是通过同样的必然性去理解的,因而它也得到同样的确定性。而且不论它所得到的观念是关于将来,过去或现在之物的观念,它们都会是同样的真。
理解维米尔的作品不论所得的观念是将来之物,过去之物或现在之物,画家,被画者还是观画者,心灵的感受都是同等的,人们对美的感受是相通的,不受到时间和空间的限制,维米尔的画恰好在永恒和无限的广延性中展示了人性的美和生活的美。例如,《戴珍珠耳环的少女》中,少女的惊鸿一瞥,心灵的感情欲言又止,那种眼神像是要诉说淡淡的哀愁,又宛若止水;少女嘴唇红润娇嫩,跃动着青春的羞涩和神秘的美;双唇微张,仍然是欲言又止,和眼神交相辉映,使眼珠的黑色更剔透,嘴唇的红色显得更犹豫。忧郁和犹豫的美从心灵安稳地迸发出来,她的眼神,另人心折,好像此去就不再归来。它即是过去、将来,亦或是现在。对于维米尔来说,也许是用过去的情感,画现在的画,预知未来的美。当然,这是一种综合性的时间、空间、情感的感知运用。另外,画中少女的那颗泪滴型珍珠,被缓缓地在深暗的背景中托出,珍珠在画中的寓意丰富而深邃,只能用心灵去感受,依然不受时空的束缚。少女眼神中的光芒和双唇,还有珍珠的光辉构成了一个稳固的三角形。画家刻画少女极为深情,极为细致,于是它所体现的美就凝固在了三百多年前,而那种心灵的升华却成为了永恒,使驻足观赏的人时常久久不能自拔。这幅画被誉为“北欧的蒙娜丽莎”。
艺术之所以美,不仅在于它承载了真实的物质世界,也不仅在于它蕴含了无限的精神思想,更为本质的是它体现了作为美所具有的共性,这些共性表现在几何学上是那些完美的空间结构和对物质世界的剖析;表现在人类情感上是永不褪色的思想和对精神世界的剖析。维米尔用现在难以置信的方法,将美永恒的定格下来,呈现在世人眼前。■
十七世纪的代尔夫特,宁静而温柔的小镇,精致小巧的运河,维米尔这个孤独而沉静的画家掩映在巴洛克建筑、水道迂回的宛如威尼斯一般的乡间小屋中,描绘出《代尔夫特一景》,他所蕴涵的情愫永远定格在画布里,这种安稳的深沉也永远定格在驻足留恋它的人《追忆似水年华》的作者普鲁斯特心中。1921年普鲁斯特去看维米尔的画展,那是他最后一次出家门,之后便足不出户。他把那次经历写进了《追忆似水年华》——“最后,他来到维米尔的画前,他记得这幅画比他熟知的其他画更有光彩、更不一般,然而,由于评论家的文章,他第一次注意到一些穿蓝衣服的小人物,沙子是玫瑰红的,最后是一小块黄色墙面的珍贵材料……在天国的磅秤上,一端的磅秤盛着他自己的一生,另一端则装着被画成如此优美的黄色的墙面。”
通过对维米尔作品的研究和比较,艺术史家们发现他在描摹光线时,对几何原则把握得相当完美,点、线、面的刻画极为真实和精准。绘画大师将几何原则渗透进自己的画布,画出的人物和道具结构精妙、形体真实、情感丰富。空间的描绘并不是传统的手法,而是用结构性的线条勾画的,被描绘人物置身在画中的房屋内,却看不出房间本身被任何线条所限制和禁锢,完全是几何现实型的三维立体空间,光线自然地倾泻在人物的脸颊、墙壁、地图、窗帘、椅子上、水罐、面包上,他的画透露出一种柔和的理性之光,这种光既细腻又温和,维米尔画中的人物或景物轻盈地飘浮在温和的光线当中,几乎溶化在其中,这里没有痛苦、没有泪水、没有悲剧,只有一种淡淡的忧郁弥漫在画的肌理当中,楚楚有致,这种安稳的忧郁是祈愿。
维米尔对几何原则的运用应当是隐性的。在艺术绘画创作中,通常几何原则不是最重要的,往往绘画更偏重心灵、想象、创作、意识。一副画究竟是否严格地符合一定的比例和构型,不是评价其好坏的重要标准。那么,在实际的绘画过程中,画者是否会考虑到这种几何原则,答案是一定的。除了一些特殊题材,个别的抽象和意象等的绘画不会过多地运用到几何的思维,一般的绘画都会潜藏着严密的几何构型。维米尔就是这样的一位大师。他忠实地刻画了光线,刻画了摆在房间里每个物体的真实形态,最关键的是,经过点、线、面的细致分析,我们不难发现他的画拥有严格的几何构型和数学原则。以《音乐课》为例,维米尔将一面镜子放在古钢琴的正上方,镜子的黑色下框与琴盖的黑边重叠。他认为透过古钢琴与年轻女人之上长方形的几何形状,这样创作上的连结可以创造出垂直的视觉延伸,并且借由镜中的反射,维米尔加强了画中女人的构图与躯干的重要性。他所表达出镜中景象的细腻是相当卓越的,他是将景象放置到镜子中,而不是只是在表面上画上因为镜子倾斜角度所造成的扭曲的小的反射。他仔细地记录了桌子和地板的远景和从窗户洒下的光线自然地投射在女人身上的景象。左墙上横向的一条平行线与从天花板到地板的垂直线相交,椅子和大提琴也有一条短线,其他所有的线都垂直相交,把我们的视线系统地,像路标一样从一个物体吸引到另一个物体上。
用几何学的眼光去看维米尔的画,那个世界是美轮美奂的。如果说用心灵去欣赏维米尔的画,我们会看到多种多样的世界。
维米尔的作品《站在窗前读信的女孩》、《持水罐的少妇》、《倒牛奶的女佣》、《小街》等构成了维米尔的核心作品,其概念的传播,是具体形式的时间性,我们可以从这些画不同年代的时间延续性中体验到永恒。同时,也可以体验到一位画家一生用心灵创作的情感。凡心灵依照理性的指导所理解之物,它都是依照同样的永恒性或必然性的形式去理解,因而它会感受到同样的确定性。所以无论它所得到的观念是将来之物,或过去之物,或现在之物的观念,心灵都是通过同样的必然性去理解的,因而它也得到同样的确定性。而且不论它所得到的观念是关于将来,过去或现在之物的观念,它们都会是同样的真。
理解维米尔的作品不论所得的观念是将来之物,过去之物或现在之物,画家,被画者还是观画者,心灵的感受都是同等的,人们对美的感受是相通的,不受到时间和空间的限制,维米尔的画恰好在永恒和无限的广延性中展示了人性的美和生活的美。例如,《戴珍珠耳环的少女》中,少女的惊鸿一瞥,心灵的感情欲言又止,那种眼神像是要诉说淡淡的哀愁,又宛若止水;少女嘴唇红润娇嫩,跃动着青春的羞涩和神秘的美;双唇微张,仍然是欲言又止,和眼神交相辉映,使眼珠的黑色更剔透,嘴唇的红色显得更犹豫。忧郁和犹豫的美从心灵安稳地迸发出来,她的眼神,另人心折,好像此去就不再归来。它即是过去、将来,亦或是现在。对于维米尔来说,也许是用过去的情感,画现在的画,预知未来的美。当然,这是一种综合性的时间、空间、情感的感知运用。另外,画中少女的那颗泪滴型珍珠,被缓缓地在深暗的背景中托出,珍珠在画中的寓意丰富而深邃,只能用心灵去感受,依然不受时空的束缚。少女眼神中的光芒和双唇,还有珍珠的光辉构成了一个稳固的三角形。画家刻画少女极为深情,极为细致,于是它所体现的美就凝固在了三百多年前,而那种心灵的升华却成为了永恒,使驻足观赏的人时常久久不能自拔。这幅画被誉为“北欧的蒙娜丽莎”。
艺术之所以美,不仅在于它承载了真实的物质世界,也不仅在于它蕴含了无限的精神思想,更为本质的是它体现了作为美所具有的共性,这些共性表现在几何学上是那些完美的空间结构和对物质世界的剖析;表现在人类情感上是永不褪色的思想和对精神世界的剖析。维米尔用现在难以置信的方法,将美永恒的定格下来,呈现在世人眼前。■