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摘 要：评价一个美术作品质量好坏的一个重要的标准就是对于艺术形象主观处理的角度和水平，一个好的美术作品应该体现出非常强的趣味性，在造型上也要更加的雅观，色彩上也要更加的和谐，同时在审美感受上也要更加符合人们的心理需求。本文主要分析了美术作品中色彩的运用，以供参考和借鉴。
关键词：美术作品;色彩;运用
美术作品当中展现色彩的形式是多种多样的，在水彩画当中尤其如此，如果人们的思维一旦被打来，就会有越来越多的艺术家将自己对色彩独到的见解应用在自己的作品当中，同时其还具备了非常强的区域性特征，之所以会出现这样的现象是因为不同的民族有不同的文化和历史，所以在不同的美术作品当中对色彩的应用方式也不尽相同。
1 以墨掩色，以墨色为丹青
在大多数人的印象中，中国画就是用水墨画的画，没有绚丽的色彩。然而当我们回过头审视中国画的发展史时却发现，色彩的衰落只是中晚唐以后的事，此前中国画家们是十分讲究色彩的。远在新石器时代的彩陶上，纹样的色彩组合已经十分复杂;汉代壁画里有朱、黄、青、白、黑等色，缤纷灿烂;长沙出土的马王堆西汉帛画和同时期的漆画已是多色并置，五彩纷呈，形成中国绘画突出的重彩风格。魏晋南北朝时期的工笔画是一个被注入了文人素质，并受到佛教美术影响的新的绘画样式。在这种样式中色彩的表现被进一步强化，着色技法也更趋复杂。特别是在一些宗教绘画中，浓重艳丽色彩的运用使画面具有很强的视觉冲击力，从而营造出一种浓厚的宗教气氛。
在对绘画作品进行设色的时候其实就是对原有的颜色采取平涂的方式，同时在创作的过程中不会使用大面积的体积渲染，这样的观念在我国的绘画尤其是水墨画的创作当中是根深蒂固的，所以在绘画中色彩的表现受到了非常大的局限，画家通常都将自己创作的核心放在了明暗和造型上的转变，在当今的很多水彩作品当中越来越多的展现着画家自身的风格和个性，他们希望自己的作品能够和传统的写实有一些不一样的地方，寻找创作之中更多的可能性，画家们在创作的过程中也不仅仅只是将视野停留在对自然山水的表达或者是自我情感的表达，他们在实际的创作中是要和其他的艺术家产生一定的区别，这样才能更好的彰显自己作品中独到的韵味。
通过线条和色彩的搭配能够使得整个作品更加的和谐，同时在特点上也更加的鲜明，在绘画创作的过程中画家们并不只是展现我们在字面上所理解的真实，这也就从另一个侧面证明任何一项创作活动实际上都不是对自然和景物的照搬照抄或者是拿来主义，在绘画作品当中，色彩是一个相对而言更加具有主观性的元素，它所呈现给人们的外在感受其实都是作者内在情感和内心感受最真实的表达，色彩是能够让绘画给人更多更丰富视觉感受的一个要素。在水彩画当中体现的更加的明显，整个作品的张力也就得到了非常显著的提升，在这样的情况下，我们也就需要对其进行合理的运用。画家在创作的过程中必须要细心的观察事物，同时还要在观察的过程中不断的积累，这也十分有利于画家自身个性和色彩表现和应用技术水平和思想觉悟的提升，这样也就更有利于画家在自己的作品当中充分的展现出自己的个性，此外这种模式和原有的套用模式也产生了非常大的差别，因为它更加的真实和鲜活，在长期的积累当中也形成了自己的艺术语言，使得作品本身更有生命力和感染力。
水彩自身是带有速写性和便携性的，这也是其他种类的绘画在自身的特点方面所不具备的。水彩画的创作中如果画家在经过了长期的训练之后其感知的能力也有了非常显著的提升，这样也就使得绘画作品能够更好的体现出自己独到的优势。一些画家在长期的创作和写生的过程中就形成了比较活泼明兰的色彩感知，同时作品的氛围也需要通过色彩来展现，在这样的情况下绘画作品也比较容易形成不同的风格，所以画家在创作的过程中一方面要有非常强的观察力和感知能力，同时绘画也是一个主观性较强的创作活动，在创作的过程中需要有较强的处理能力，绘画的色彩要富于变化，同时画面的明度也一定要符合绘画创作的最终意图，冷色和暖色之间应该形成相互辉映的状态，使得色彩本身能够更加的和谐，实际上，色彩是否符合人的审美需求也是相对而言的，其实只要色彩搭配合理，所有的颜色都会让人觉得赏心悦目，因此，颜色没有好看与难看的分别，只有协调不协调的分别。
2 水彩在色彩表达上应注重和周围的颜色的和谐性
从大体色调，冷暖体着手，多运用有倾向的灰色。保持感受到的第一印象，画家有什么样的感受.必然会直接体现在创作的色彩中，如萨金特的水彩画色彩用笔豪放，透着自由洒脱、流动的光感，色彩单纯而响亮，大笔触精练而肯定，直接快速的体现了对象的色彩感觉。在强调主体感情表达的今天，水彩画家色彩个性的逐步觉醒是必然的趋势，色彩的个性代表了画家的用色喜好和习惯，当然这也和艺术品位分不开。对于色彩的运用时如果仅以固定的色彩程式加以套用，那么创作的作品一定僵化没有感情，更何谈打动观者，这点上我们可以借鉴印象派对动态色彩感觉，走出室内画室，接受大自然最直接的刺激。
如在梵高作品中大块平整的颜色对比是显而易见的，有些作品与现代装饰画十分近似，如他的代表作品《向日葵》、《夜咖啡馆》。在装饰色彩中，色块的并置是一个基本法则，也是一个非常重要的表现方法。梵高的色彩不是背向自然靠纯粹的想象画出来的，而是面对自然写生调动他想要的色彩，用夸张、简化、抽象等方法，将自然中的色彩抽取出来，并在画面中分配着色彩，找到色块并置所产生的对比与和谐的最佳效果，给色彩的审美价值提升到从未有过的高度。
中国传统绘画对色彩的认识、研究与运用随着历史的发展，在不断地传承中积累了丰富的经验，形成了一整套的审美规范和理论体系，但由于长期以来人们对文人画理论过分狭隘和片面的理解，以及对中国历史、中国传统文化、中国画审美原則的认识不全面，往往将“水墨”与色彩割裂开来，无视“墨”是作为中国绘画色彩构成体系中的一种特殊的“色彩”而存在的事实。今天，当我们重新审视中国画色彩语言时，应该从历史的、文化的、哲学的角度，更全面认知中国画色彩语言。明确中国画色彩语言的审美原则和审美心理。这对于运用中国画的色彩语言推动中国画发展具有十分重大的意义。
结束语
色彩在绘画作品当中是一个十分重要而且也不能被人忽视的一个环节，绘画作品在其创作的过程中要表达出其固有的内含和深意就需要色彩的参与，绘画创作和写生的环境和要求都是不同的，所以它们对色彩的展现形式也就有很大的差别，所以在创作的过程中，选择合适的表现形式去表现出作品的中心思想和核心价值也就成了十分重要的一个环节。
参考文献
[1]美术作品[J].文艺评论，2005（6）.
[2]美术作品欣赏[J].社会工作，2005（3）.
关键词：美术作品;色彩;运用
美术作品当中展现色彩的形式是多种多样的，在水彩画当中尤其如此，如果人们的思维一旦被打来，就会有越来越多的艺术家将自己对色彩独到的见解应用在自己的作品当中，同时其还具备了非常强的区域性特征，之所以会出现这样的现象是因为不同的民族有不同的文化和历史，所以在不同的美术作品当中对色彩的应用方式也不尽相同。
1 以墨掩色，以墨色为丹青
在大多数人的印象中，中国画就是用水墨画的画，没有绚丽的色彩。然而当我们回过头审视中国画的发展史时却发现，色彩的衰落只是中晚唐以后的事，此前中国画家们是十分讲究色彩的。远在新石器时代的彩陶上，纹样的色彩组合已经十分复杂;汉代壁画里有朱、黄、青、白、黑等色，缤纷灿烂;长沙出土的马王堆西汉帛画和同时期的漆画已是多色并置，五彩纷呈，形成中国绘画突出的重彩风格。魏晋南北朝时期的工笔画是一个被注入了文人素质，并受到佛教美术影响的新的绘画样式。在这种样式中色彩的表现被进一步强化，着色技法也更趋复杂。特别是在一些宗教绘画中，浓重艳丽色彩的运用使画面具有很强的视觉冲击力，从而营造出一种浓厚的宗教气氛。
在对绘画作品进行设色的时候其实就是对原有的颜色采取平涂的方式，同时在创作的过程中不会使用大面积的体积渲染，这样的观念在我国的绘画尤其是水墨画的创作当中是根深蒂固的，所以在绘画中色彩的表现受到了非常大的局限，画家通常都将自己创作的核心放在了明暗和造型上的转变，在当今的很多水彩作品当中越来越多的展现着画家自身的风格和个性，他们希望自己的作品能够和传统的写实有一些不一样的地方，寻找创作之中更多的可能性，画家们在创作的过程中也不仅仅只是将视野停留在对自然山水的表达或者是自我情感的表达，他们在实际的创作中是要和其他的艺术家产生一定的区别，这样才能更好的彰显自己作品中独到的韵味。
通过线条和色彩的搭配能够使得整个作品更加的和谐，同时在特点上也更加的鲜明，在绘画创作的过程中画家们并不只是展现我们在字面上所理解的真实，这也就从另一个侧面证明任何一项创作活动实际上都不是对自然和景物的照搬照抄或者是拿来主义，在绘画作品当中，色彩是一个相对而言更加具有主观性的元素，它所呈现给人们的外在感受其实都是作者内在情感和内心感受最真实的表达，色彩是能够让绘画给人更多更丰富视觉感受的一个要素。在水彩画当中体现的更加的明显，整个作品的张力也就得到了非常显著的提升，在这样的情况下，我们也就需要对其进行合理的运用。画家在创作的过程中必须要细心的观察事物，同时还要在观察的过程中不断的积累，这也十分有利于画家自身个性和色彩表现和应用技术水平和思想觉悟的提升，这样也就更有利于画家在自己的作品当中充分的展现出自己的个性，此外这种模式和原有的套用模式也产生了非常大的差别，因为它更加的真实和鲜活，在长期的积累当中也形成了自己的艺术语言，使得作品本身更有生命力和感染力。
水彩自身是带有速写性和便携性的，这也是其他种类的绘画在自身的特点方面所不具备的。水彩画的创作中如果画家在经过了长期的训练之后其感知的能力也有了非常显著的提升，这样也就使得绘画作品能够更好的体现出自己独到的优势。一些画家在长期的创作和写生的过程中就形成了比较活泼明兰的色彩感知，同时作品的氛围也需要通过色彩来展现，在这样的情况下绘画作品也比较容易形成不同的风格，所以画家在创作的过程中一方面要有非常强的观察力和感知能力，同时绘画也是一个主观性较强的创作活动，在创作的过程中需要有较强的处理能力，绘画的色彩要富于变化，同时画面的明度也一定要符合绘画创作的最终意图，冷色和暖色之间应该形成相互辉映的状态，使得色彩本身能够更加的和谐，实际上，色彩是否符合人的审美需求也是相对而言的，其实只要色彩搭配合理，所有的颜色都会让人觉得赏心悦目，因此，颜色没有好看与难看的分别，只有协调不协调的分别。
2 水彩在色彩表达上应注重和周围的颜色的和谐性
从大体色调，冷暖体着手，多运用有倾向的灰色。保持感受到的第一印象，画家有什么样的感受.必然会直接体现在创作的色彩中，如萨金特的水彩画色彩用笔豪放，透着自由洒脱、流动的光感，色彩单纯而响亮，大笔触精练而肯定，直接快速的体现了对象的色彩感觉。在强调主体感情表达的今天，水彩画家色彩个性的逐步觉醒是必然的趋势，色彩的个性代表了画家的用色喜好和习惯，当然这也和艺术品位分不开。对于色彩的运用时如果仅以固定的色彩程式加以套用，那么创作的作品一定僵化没有感情，更何谈打动观者，这点上我们可以借鉴印象派对动态色彩感觉，走出室内画室，接受大自然最直接的刺激。
如在梵高作品中大块平整的颜色对比是显而易见的，有些作品与现代装饰画十分近似，如他的代表作品《向日葵》、《夜咖啡馆》。在装饰色彩中，色块的并置是一个基本法则，也是一个非常重要的表现方法。梵高的色彩不是背向自然靠纯粹的想象画出来的，而是面对自然写生调动他想要的色彩，用夸张、简化、抽象等方法，将自然中的色彩抽取出来，并在画面中分配着色彩，找到色块并置所产生的对比与和谐的最佳效果，给色彩的审美价值提升到从未有过的高度。
中国传统绘画对色彩的认识、研究与运用随着历史的发展，在不断地传承中积累了丰富的经验，形成了一整套的审美规范和理论体系，但由于长期以来人们对文人画理论过分狭隘和片面的理解，以及对中国历史、中国传统文化、中国画审美原則的认识不全面，往往将“水墨”与色彩割裂开来，无视“墨”是作为中国绘画色彩构成体系中的一种特殊的“色彩”而存在的事实。今天，当我们重新审视中国画色彩语言时，应该从历史的、文化的、哲学的角度，更全面认知中国画色彩语言。明确中国画色彩语言的审美原则和审美心理。这对于运用中国画的色彩语言推动中国画发展具有十分重大的意义。
结束语
色彩在绘画作品当中是一个十分重要而且也不能被人忽视的一个环节，绘画作品在其创作的过程中要表达出其固有的内含和深意就需要色彩的参与，绘画创作和写生的环境和要求都是不同的，所以它们对色彩的展现形式也就有很大的差别，所以在创作的过程中，选择合适的表现形式去表现出作品的中心思想和核心价值也就成了十分重要的一个环节。
参考文献
[1]美术作品[J].文艺评论，2005（6）.
[2]美术作品欣赏[J].社会工作，2005（3）.