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我曾读到一篇有关“帕瓦罗蒂不识谱”的文章，读后颇感惊奇，总觉得在帕瓦罗蒂辉煌的音乐成就面前再去追究他不识谱的事实，给人小题大做之嫌。后来又有人以帕瓦罗蒂不识谱为由对中国音乐教育中的乐谱教学提出质疑。我甚至还看到过两位资深音乐家在《人民日报》上发表的有关乐谱教学问题的文章，观点对立至极，使由来已久的乐谱教学问题再度升级。那么，究竟应该怎样看待普通音乐教育中的乐谱教学问题呢？我想就此谈谈个人看法。
确实，长期以来，人们一直认为，学习音乐必须首先识读乐谱，不识读乐谱就无法进入音乐殿堂。因此，从某种程度上说，学习乐谱几乎等同于学习音乐。人们之所以这样认为也是有一定道理的,一个人如果不能用谱，就只能将自己创作的音乐作品通过现场演（唱）奏传递给极有限的人群，也正因为有了乐谱，作曲才真正成为一门专业，成为一个独立的受人尊敬的领域。一个人如果不能用谱，要想进行音乐表演，就只能靠死记硬背，难免挂一漏万，造成有像“茉莉花”这样的流变甚多的乐曲现象。正因为有了乐谱，进行音乐表演实践就必须有充分的乐谱解读技能，把乐谱转化成可听的音乐音响，便于人们进行体验，表演也因而获得更加专业化的发展。直到20世纪初，人类进行音乐审美活动还主要靠现场聆听演（唱）奏，离开了现场演（唱）奏的聆听，人们就无法享受音乐的美，从而大大制约了音乐的传播，无法跨越有限的时空，最终制约音乐艺术自身的发展，使得音乐成为少数人才能从事的行业，也使得音乐成为只有少数人才能听懂的艺术。这样，音乐似乎确实太“专业”了。如果有了乐谱且具备一定的解谱技能，更多的人将不必通过直接体验音乐也能获得对音乐的一定的体验。总之，乐谱神奇，其历史之功，功不可没。
不管哪种记谱体系，它的本质都是一种符号体系，是学习音乐的基本工具。作为符号，它的基本特性是既有约定俗成性，更有任意性，它不是也永远不可能是音乐本身。它们的关系至多类似于“存在者”与“存在物”的关系而已。就功能而言，乐谱有两个基本功能，即把作曲家的音乐保留下来，以便重复演出；为音乐表演者如何表演那些曲子提供指导。然而，对于广泛的音乐实践领域，特别是音乐欣赏和一般的音乐参与，一点儿也不靠记谱技能（美国雷默语）。可见，对于绝大多数在他们的有生之年将永远不会以谱子作为欣赏音乐的方式的人来说，在学校里花许多时间和精力学习乐谱更是不可取的。特别是在当代，音乐传承方式由“口传心授”、“乐谱传递”发展为“电子音响直接呈现”。通过现代化的手段，作曲家可以不用乐谱就能将自己的作品记录、传递、呈现给接受者；表演家也可以直接对音乐进行二度创作且不影响它的进一步传播；最大受益的是人民群众，他们从此可以更“随心所欲”地进行音乐欣赏。至此，音乐由“神坛”走向“大众”，乐谱也因为有了更好的途径能实现音乐而失去了它最初的效能。可见，学习乐谱也不能完全等同于学习音乐。
乐谱是工具，音乐是本质。那么，音乐为何物呢？这个问题很复杂，但至少认为它是声音的艺术、时间的艺术，听觉体验是学习音乐最重要的基础。正如舒曼所云：“音乐教育，听觉才是最重要的事情。”新颁布的《音乐新课程标准》明确指出：“发展学生的音乐听觉应贯穿于整个教学的全部过程。”但是，音乐教学毕竟不能等同于独自音乐鉴赏享受，它需要交流，特别是师生之间、生生之间需要对通过音乐鉴赏得来的独自体验进行交流。这是人类确证自己本质力量的基本方式。只要进行交流，就需要以交际工具作为辅助手段，如语言的、乐谱的。因此，乐谱虽然不等于音乐，音乐固然要重视听觉体验，但不代表乐谱就彻底无用了。乐谱教学与学习音乐必须恰当地统一起来。因为乐谱的历史之功虽遭受现代化手段的冲击，但是在相当长的历史时期内，特别是我国的现阶段，乐谱不可能完全被取代，它将继续发挥它应有的作用。那么，如何处理好识谱与强调音乐听觉体验的矛盾呢？《音乐新课程标准》指出：“识谱要与演唱、演奏、创造、鉴赏等教学内容密切结合，要以生动的音乐为载体，在学生感性积累和认知的基础上进行，可以通过学生熟悉的歌曲或乐曲识读乐谱，也可以借助乐器演奏来学习。”这分别从识谱教学的途径、原则、方法等方面为我们提供了充分而有益的指导，对于从事基础教育的音乐教师来说更是难能可贵。
至于简谱与五线谱，其本身是具有不同历史、不同生活方式、不同文化的人们的自由选择，并没有本质区别。既然是工具，在教学中只要顺手就行。以我所从教的职业中专为例，生源本身很复杂，农村的、县区的、城市的都有，虽比例上有差别，但因为学生素质相对较差，而且初中学习音乐的课程和进度又不同，所以相比普通高中来说，音乐课难上许多。识谱教学成为音乐课较重要的内容之一，不仅如此，学生学习简谱也相对容易，适用性更强，教学效果更佳。
总之，乐谱，有时因你而精彩，有时因你而烦恼。如何给你以恰当的地位，发挥好你的功用，还需要热爱音乐的人们不断努力。
确实，长期以来，人们一直认为，学习音乐必须首先识读乐谱，不识读乐谱就无法进入音乐殿堂。因此，从某种程度上说，学习乐谱几乎等同于学习音乐。人们之所以这样认为也是有一定道理的,一个人如果不能用谱，就只能将自己创作的音乐作品通过现场演（唱）奏传递给极有限的人群，也正因为有了乐谱，作曲才真正成为一门专业，成为一个独立的受人尊敬的领域。一个人如果不能用谱，要想进行音乐表演，就只能靠死记硬背，难免挂一漏万，造成有像“茉莉花”这样的流变甚多的乐曲现象。正因为有了乐谱，进行音乐表演实践就必须有充分的乐谱解读技能，把乐谱转化成可听的音乐音响，便于人们进行体验，表演也因而获得更加专业化的发展。直到20世纪初，人类进行音乐审美活动还主要靠现场聆听演（唱）奏，离开了现场演（唱）奏的聆听，人们就无法享受音乐的美，从而大大制约了音乐的传播，无法跨越有限的时空，最终制约音乐艺术自身的发展，使得音乐成为少数人才能从事的行业，也使得音乐成为只有少数人才能听懂的艺术。这样，音乐似乎确实太“专业”了。如果有了乐谱且具备一定的解谱技能，更多的人将不必通过直接体验音乐也能获得对音乐的一定的体验。总之，乐谱神奇，其历史之功，功不可没。
不管哪种记谱体系，它的本质都是一种符号体系，是学习音乐的基本工具。作为符号，它的基本特性是既有约定俗成性，更有任意性，它不是也永远不可能是音乐本身。它们的关系至多类似于“存在者”与“存在物”的关系而已。就功能而言，乐谱有两个基本功能，即把作曲家的音乐保留下来，以便重复演出；为音乐表演者如何表演那些曲子提供指导。然而，对于广泛的音乐实践领域，特别是音乐欣赏和一般的音乐参与，一点儿也不靠记谱技能（美国雷默语）。可见，对于绝大多数在他们的有生之年将永远不会以谱子作为欣赏音乐的方式的人来说，在学校里花许多时间和精力学习乐谱更是不可取的。特别是在当代，音乐传承方式由“口传心授”、“乐谱传递”发展为“电子音响直接呈现”。通过现代化的手段，作曲家可以不用乐谱就能将自己的作品记录、传递、呈现给接受者；表演家也可以直接对音乐进行二度创作且不影响它的进一步传播；最大受益的是人民群众，他们从此可以更“随心所欲”地进行音乐欣赏。至此，音乐由“神坛”走向“大众”，乐谱也因为有了更好的途径能实现音乐而失去了它最初的效能。可见，学习乐谱也不能完全等同于学习音乐。
乐谱是工具，音乐是本质。那么，音乐为何物呢？这个问题很复杂，但至少认为它是声音的艺术、时间的艺术，听觉体验是学习音乐最重要的基础。正如舒曼所云：“音乐教育，听觉才是最重要的事情。”新颁布的《音乐新课程标准》明确指出：“发展学生的音乐听觉应贯穿于整个教学的全部过程。”但是，音乐教学毕竟不能等同于独自音乐鉴赏享受，它需要交流，特别是师生之间、生生之间需要对通过音乐鉴赏得来的独自体验进行交流。这是人类确证自己本质力量的基本方式。只要进行交流，就需要以交际工具作为辅助手段，如语言的、乐谱的。因此，乐谱虽然不等于音乐，音乐固然要重视听觉体验，但不代表乐谱就彻底无用了。乐谱教学与学习音乐必须恰当地统一起来。因为乐谱的历史之功虽遭受现代化手段的冲击，但是在相当长的历史时期内，特别是我国的现阶段，乐谱不可能完全被取代，它将继续发挥它应有的作用。那么，如何处理好识谱与强调音乐听觉体验的矛盾呢？《音乐新课程标准》指出：“识谱要与演唱、演奏、创造、鉴赏等教学内容密切结合，要以生动的音乐为载体，在学生感性积累和认知的基础上进行，可以通过学生熟悉的歌曲或乐曲识读乐谱，也可以借助乐器演奏来学习。”这分别从识谱教学的途径、原则、方法等方面为我们提供了充分而有益的指导，对于从事基础教育的音乐教师来说更是难能可贵。
至于简谱与五线谱，其本身是具有不同历史、不同生活方式、不同文化的人们的自由选择，并没有本质区别。既然是工具，在教学中只要顺手就行。以我所从教的职业中专为例，生源本身很复杂，农村的、县区的、城市的都有，虽比例上有差别，但因为学生素质相对较差，而且初中学习音乐的课程和进度又不同，所以相比普通高中来说，音乐课难上许多。识谱教学成为音乐课较重要的内容之一，不仅如此，学生学习简谱也相对容易，适用性更强，教学效果更佳。
总之，乐谱，有时因你而精彩，有时因你而烦恼。如何给你以恰当的地位，发挥好你的功用，还需要热爱音乐的人们不断努力。