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【摘要】：20世纪是一个变化最多最快的时代，社会发展迅猛，导致人们思想上的变化和生活方式的变化，使20世纪的艺术产生极大的碰撞，与以往相比呈现出截然不同的趋势。然而20世纪的艺术大师面对如此局面又是如何相继做出反应的，他们又为艺术发展增添了怎样精彩的一笔呢？下面我将以设计的视角谈论自己对艺术大师和作品的感想以及带给我的启发性问题。
【关键词】：20世纪艺术;艺术鉴赏;创新;设计视角
一、什么是艺术？
我们经常去观看一些和艺术相关的展览，从中提高自己的艺术审美意识，拓宽自己的眼界。我们时常把艺术挂在嘴边，那么到底什么是艺术呢？所谓艺术概念又是指什么呢？通过信息收集我得到了以下观点和认知。
（一）艺术家眼中的艺术
1.毕加索：艺术是个谎言，但却是一个说真话的谎言。
2.唐维德.贾德：过去几年中最好的新作品有一半以上既不是绘画也不是雕塑。
3.俄罗斯画家雅福棱斯基说：艺术是对神的怀旧。
......
（二）群众眼中的艺术
1.藝术，是人对自我的认知。
2.艺术是个人化的对世界的理解和表达。
3.我认为艺术就是“表达”这个动词的名词形式。
4.跟问什么是美一样的美学问题，美学，多厚的一本书？想三句话就明白？艺术是生命留下来的东西，多少年后，人们还记得他，知道他曾来过！
......
（三）我眼中的艺术
我认为我心目中的艺术就是对历史的真实记录，是对历史的改革，它改变当下现状，突破创新，引领社会思潮步上崭新的台阶。它会随着社会的发展不断探索并完善，当达到一个极致时，就是它面临突破的时刻。人们能够根据艺术发现历史的真相，通過欣赏艺术阅读历史，艺术覆盖面越广，它对生活影响就越大，20世纪的艺术就是最好的证明，它时时刻刻影响着我们的生活，生活中处处有它。
二、如何欣赏艺术
欣赏艺术主要分为两部分，第一种是对常用艺术鉴赏基本方法的总结，第二种是以设计的视角欣赏艺术。
（一）常用鉴赏艺术基本方法
1.首先整体感受艺术作品的意境，可以选择远观加近看相互结合，尝试不同角度，这个随自己的喜好;然后分析判断作品的绘画技巧，观察所描绘对象的形体结构、色调细微的变化，是否能带给你一种特殊的意境，物体造型的完整程度是否能够让你理解物体的整体结构;理解美术作品表达的意义和获得审美感受，联想一下艺术家作画要表达的情感，猜测他当时究竟在想什么更方便懂得理解这幅作品，还可以仔细了解艺术家的身世，也许会更懂得他的情绪是由何而来;也可以从历史方面深挖艺术家作品背后的小故事，有些画作从表面看也许本身并没什么特别，但是背后却有一些有趣的小故事;从形式上欣赏艺术作品，是否能够引起你内心的共鸣。
2.规范式美术鉴赏
（1）感悟式鉴赏：主要从观看者自身经验出发，放空思维，充满想象力的去欣赏艺术作品，这种方法比较主观化。
（2）社会学鉴赏：社会背景对艺术家创作的目的和情感有着深刻的影响，美术文化有着特定的社会阶层和生活的烙印，要从此方面探索和追问才能够对作品有一定的把握。
（3）比较式鉴赏：可以通过横比发现同样内容的作品，发现不同形式的表现，发现艺术家不同的特点;通过纵比，可以发现不同时代的作品，体现了不同的审美追求。
（4）形式鉴赏：这种方法偏重对作品形式、艺术语言的感知和体验，强调形式的掌握，能够直接体现与众不同，吸引观赏者。
（二）以设计的视角欣赏艺术作品
人们经常把设计与艺术相提并论，两者之间有何区别呢？我个人认为设计与艺术最大的区别在于艺术作品是自由的，是艺术家以自我思想为中心表达自己内心情感而创作的，反映的是作者的内心。设计作品是设计师为他人提供服务，不仅表达自己的想法，更为雇主服务，得到他人的认可。
1.分析点、线、面元素在艺术中的运用
点线面是平面空间构成的基本元素，点成线，线成面，这是它们之间的关系。
（1）立体主义：毕加索与勃拉克
立体主义是20世纪第一个新艺术运动，毕加索与勃拉克就是立体主义的共同发起者。
毕加索在1907年时创作了一幅油画《亚威农少女》，这幅画被学者们认为是立体主义的开端。画中的场景取自巴塞罗那的一家妓院，整幅画都是用面元素与巧妙的线元素构成的，画中女性的身体就是由许多小平面组成的，它们是根据不同的方向观察得到然后重新组合起来，画面中扭曲的人形几乎是扁平的，通过不同的几何体相互穿插与分割，将所有的物体与背景统一在一个抽象的环境里。人物中通过用白色的线条加以弱化边缘，用重色线条区分背景与人物，导致看起来画面没有前后，没有光影，这是一种全新的画面空间，这也是立体主义的绘画特征体现。
乔治·勃拉克的典型立体主义作品《埃斯塔克的房屋》，这幅画是在立体主义第一阶段塞尚时期作出来的。画面中抛弃透视的方法，运用色块造型，画面被切割，就好似一堆堆硬块组装起来的画面，构成了新的画面。
（2）蒙德里安和风格派
风格派的目的是创造出一种普遍的形式语言，认为只有抽象的形式才能够揭示事物普遍的内在规律性。
蒙德里安的抽象作品大多数都是单纯的块面构成，尤其是后期走入成熟阶段。作品《构成10黑与白》，画面中全是用水平线与十字形占满空间，表现的是他对大海的感受，线条的布局形成了一种振荡的视觉效果，给人以波光粼粼的感觉，又好似海水在阳光下闪烁。
2.分析表现技法在艺术中的运用
（1）渐变技法在艺术中的表现
保罗·克利，20世纪变化最多、最难以理解才华洋溢的艺术家之一，他的作品深受小朋友的欢迎。克利试图用线和色彩表达一种视觉上的复调音乐，出生于音乐教师家庭受此影响，使他的绘画具有音乐灵动的韵律感与强烈的节奏感，他的作品油画《帕纳斯山》就充分展示了克利的追求和探索。画中构图寥寥几笔，几条直线勾勒出画面的主题的轮廓，虽然运用了点彩派的技法，但是被分解打散的色块就是一个个小块面，像马赛克一般，然后重新被排列组合。底色是由绿色、蓝色和紫色点彩成的大色块，加上密集的小色块能够增强色彩的光感。整个画面的色彩对比丰富，从左下到右上逐渐地升级，由深到浅，由明到暗逐渐排列，以这种对比和渐变的技法，创造出闪烁的光感和扑朔迷离的视幻效果。 （2）重复技法在艺术中的表现
把日常生活中的对象作为艺术表现，沃霍尔就是如此做的，他的作品《坎贝尔汤罐头》是他的成名之作，画面中整齐划一的图形，冷漠呆板的重复，在当时带来了强烈的视觉冲击。他以机械式的重复手段和毫无个性的日常图像对抗抽象表现主义的原创性与激情，这种连续的、重复的图像从此成为他的个人风格代表。
（3）拼贴技法在艺术中的表现
拼贴技法不仅为艺术创作提供了新的表现手段，更是作为一种绘画观念的突破，完全打破了绘画材料的同一性、封闭性、的传统。它的影响甚广，达达主义、超现实主义乃至波普艺术都曾利用拼贴来扩展自己的艺术表现语言。
布拉克的《单簧管》，画面上只有几种简单的元素：一大一小矩形黑色块，一片发黄的旧报纸和一条长的象征着单簧管的木纹纸和淡淡的绘画线条。这些元素十分巧妙地组合成了一幅清新、雅致的作品，含有简洁典雅的艺术效果，使画面看上去简约不简单，层次丰富。
3.综合材料在艺术中的运用
众所周知，设计强调的就是新颖、创新，新材料、新构思、新搭配。艺术的发展讲究自由创作，也在不断打破传统突破界限，发挥自由创造的极致，20世纪时期综合材料在艺术作品中的应用不少见，比如水粉剪纸、报纸、卡片、木刻、丝网印刷以及各种材料混搭等。
（1）剪纸在艺术作品中的表现
马蒂斯，野兽派代表人，喜欢用浓烈的色彩来表现欢乐，后来由于手患关节炎不能再作画，他就制作剪纸来表达物体的精华特质，而剪纸成为他早期那种简化和浓缩方法的最高表现形式。作品《渦轮》是由几块颜色鲜艳的色块剪纸拼贴在一起构成一个漩涡状，剪纸块是大小不一的几何体，画面简洁。近处观察，画面中运动从涡轮中心开始，螺旋般向外扩散，由于空白间隙大小不同让运动速度看起来时快时慢，不整齐的集合体边缘属于锯齿部分。画中色彩的运用极其巧妙，黄色向内凹，绿色向外突触，这两种颜色相互重叠，违背了一般的规律，体现了马蒂斯对色彩的驾驭。
（2）丝网印刷在艺术作品中的表现
最有代表性的艺术家当属安迪·沃霍尔，他的代表作品《绿色可口可乐》、《玛丽莲·梦露双联画》、《玛丽莲·梦露的唇》
这些代表作属于他后期成熟作品，《绿色可口可乐》丝毫不带情感的图像犹如机器生产线上的标准化产品，生硬而呆板，单调并乏味。《玛丽莲·梦露双联画》创作于玛丽莲梦露自杀后，采用蚀刻技巧把这位影星以他特有的波普方式呈现在观众面前。虽然使用了不同的色彩，但造型重复成排印在一起，只有细微的差别，我们不得不追随重复的线条去注意扭曲的形象。这两幅画使用了两种不同色系，前者色彩响亮鲜明，后者色彩灰暗，局部模糊不清，它代表了梦露生前的光鲜和死后的暗伤。
三、为什么20世纪的艺术变化如此多又快
20世纪科技带给人天翻地覆的转变，加快了城市的生活节奏，人们的思想和生活方式的转变促使人们的时间感和距离感也都处于变化中，他们身处运动中，运动也变得越来越快。于是人们开始尝试第一次打破傳统，艺术家们开始意识到他们的艺术创作是可以随身所欲的，这种态度恰恰就是艺术的开始。
或许以前也出现过相似的转变，但是我认为20世纪的艺术家更具目的性，因为他们是有意识地在挑选某种变化并把这种变化发挥到极致，作为他们艺术的创作原则。他们还会常聚在一起交流或发起展览，谈论他们创作原理和根据，他们不同的性格，不同的审美，不同的技巧，然后发展出某种新的绘画方向，成立某种新的画派，各种画派思想的相互碰撞，于是他们又成了一个新的运动。当他们发现这个画派不再适合他的艺术方向于是又开始转投另一种画派或运动，他们就是这样大胆的继承传统与创新，从其他运动中汲取营养衍生出另一种运动。就是在这样的大环境下不断完善，形成了一个层出不穷、令人目眩的20世纪艺术。
四、总结
20世纪见证了艺术与社会的巨大变革，艺术创新离不开社会发展和变革，因此创新是个关键点。创新它不仅仅适用于单纯的某一方面，应该准确的说它适合全方位，首先理论创新是社会发展和变革的先导，它推动了科技创新、文学创新，设计与艺术自然也属于这个范畴......唯有创新才会有所突破，变得与众不同，才会使作品脱颖而出，才会从海量作品中成为那耀眼的一颗星，成为大家心目中的“毕加索”。
参考文献：
[1]常宁生.现代艺术大师论艺术.中国人民大学出版社，2003
[2]刘悦迪.艺术终结之后.南京出版社，2006
[3]周宏智.西方现代艺术史.中国建筑工业出版社，2010
[4]（英）罗斯玛丽·兰伯特.剑桥艺术史20世纪艺术.钱乘旦译，凤凰出版传媒集团译林出版社，2009
【关键词】：20世纪艺术;艺术鉴赏;创新;设计视角
一、什么是艺术？
我们经常去观看一些和艺术相关的展览，从中提高自己的艺术审美意识，拓宽自己的眼界。我们时常把艺术挂在嘴边，那么到底什么是艺术呢？所谓艺术概念又是指什么呢？通过信息收集我得到了以下观点和认知。
（一）艺术家眼中的艺术
1.毕加索：艺术是个谎言，但却是一个说真话的谎言。
2.唐维德.贾德：过去几年中最好的新作品有一半以上既不是绘画也不是雕塑。
3.俄罗斯画家雅福棱斯基说：艺术是对神的怀旧。
......
（二）群众眼中的艺术
1.藝术，是人对自我的认知。
2.艺术是个人化的对世界的理解和表达。
3.我认为艺术就是“表达”这个动词的名词形式。
4.跟问什么是美一样的美学问题，美学，多厚的一本书？想三句话就明白？艺术是生命留下来的东西，多少年后，人们还记得他，知道他曾来过！
......
（三）我眼中的艺术
我认为我心目中的艺术就是对历史的真实记录，是对历史的改革，它改变当下现状，突破创新，引领社会思潮步上崭新的台阶。它会随着社会的发展不断探索并完善，当达到一个极致时，就是它面临突破的时刻。人们能够根据艺术发现历史的真相，通過欣赏艺术阅读历史，艺术覆盖面越广，它对生活影响就越大，20世纪的艺术就是最好的证明，它时时刻刻影响着我们的生活，生活中处处有它。
二、如何欣赏艺术
欣赏艺术主要分为两部分，第一种是对常用艺术鉴赏基本方法的总结，第二种是以设计的视角欣赏艺术。
（一）常用鉴赏艺术基本方法
1.首先整体感受艺术作品的意境，可以选择远观加近看相互结合，尝试不同角度，这个随自己的喜好;然后分析判断作品的绘画技巧，观察所描绘对象的形体结构、色调细微的变化，是否能带给你一种特殊的意境，物体造型的完整程度是否能够让你理解物体的整体结构;理解美术作品表达的意义和获得审美感受，联想一下艺术家作画要表达的情感，猜测他当时究竟在想什么更方便懂得理解这幅作品，还可以仔细了解艺术家的身世，也许会更懂得他的情绪是由何而来;也可以从历史方面深挖艺术家作品背后的小故事，有些画作从表面看也许本身并没什么特别，但是背后却有一些有趣的小故事;从形式上欣赏艺术作品，是否能够引起你内心的共鸣。
2.规范式美术鉴赏
（1）感悟式鉴赏：主要从观看者自身经验出发，放空思维，充满想象力的去欣赏艺术作品，这种方法比较主观化。
（2）社会学鉴赏：社会背景对艺术家创作的目的和情感有着深刻的影响，美术文化有着特定的社会阶层和生活的烙印，要从此方面探索和追问才能够对作品有一定的把握。
（3）比较式鉴赏：可以通过横比发现同样内容的作品，发现不同形式的表现，发现艺术家不同的特点;通过纵比，可以发现不同时代的作品，体现了不同的审美追求。
（4）形式鉴赏：这种方法偏重对作品形式、艺术语言的感知和体验，强调形式的掌握，能够直接体现与众不同，吸引观赏者。
（二）以设计的视角欣赏艺术作品
人们经常把设计与艺术相提并论，两者之间有何区别呢？我个人认为设计与艺术最大的区别在于艺术作品是自由的，是艺术家以自我思想为中心表达自己内心情感而创作的，反映的是作者的内心。设计作品是设计师为他人提供服务，不仅表达自己的想法，更为雇主服务，得到他人的认可。
1.分析点、线、面元素在艺术中的运用
点线面是平面空间构成的基本元素，点成线，线成面，这是它们之间的关系。
（1）立体主义：毕加索与勃拉克
立体主义是20世纪第一个新艺术运动，毕加索与勃拉克就是立体主义的共同发起者。
毕加索在1907年时创作了一幅油画《亚威农少女》，这幅画被学者们认为是立体主义的开端。画中的场景取自巴塞罗那的一家妓院，整幅画都是用面元素与巧妙的线元素构成的，画中女性的身体就是由许多小平面组成的，它们是根据不同的方向观察得到然后重新组合起来，画面中扭曲的人形几乎是扁平的，通过不同的几何体相互穿插与分割，将所有的物体与背景统一在一个抽象的环境里。人物中通过用白色的线条加以弱化边缘，用重色线条区分背景与人物，导致看起来画面没有前后，没有光影，这是一种全新的画面空间，这也是立体主义的绘画特征体现。
乔治·勃拉克的典型立体主义作品《埃斯塔克的房屋》，这幅画是在立体主义第一阶段塞尚时期作出来的。画面中抛弃透视的方法，运用色块造型，画面被切割，就好似一堆堆硬块组装起来的画面，构成了新的画面。
（2）蒙德里安和风格派
风格派的目的是创造出一种普遍的形式语言，认为只有抽象的形式才能够揭示事物普遍的内在规律性。
蒙德里安的抽象作品大多数都是单纯的块面构成，尤其是后期走入成熟阶段。作品《构成10黑与白》，画面中全是用水平线与十字形占满空间，表现的是他对大海的感受，线条的布局形成了一种振荡的视觉效果，给人以波光粼粼的感觉，又好似海水在阳光下闪烁。
2.分析表现技法在艺术中的运用
（1）渐变技法在艺术中的表现
保罗·克利，20世纪变化最多、最难以理解才华洋溢的艺术家之一，他的作品深受小朋友的欢迎。克利试图用线和色彩表达一种视觉上的复调音乐，出生于音乐教师家庭受此影响，使他的绘画具有音乐灵动的韵律感与强烈的节奏感，他的作品油画《帕纳斯山》就充分展示了克利的追求和探索。画中构图寥寥几笔，几条直线勾勒出画面的主题的轮廓，虽然运用了点彩派的技法，但是被分解打散的色块就是一个个小块面，像马赛克一般，然后重新被排列组合。底色是由绿色、蓝色和紫色点彩成的大色块，加上密集的小色块能够增强色彩的光感。整个画面的色彩对比丰富，从左下到右上逐渐地升级，由深到浅，由明到暗逐渐排列，以这种对比和渐变的技法，创造出闪烁的光感和扑朔迷离的视幻效果。 （2）重复技法在艺术中的表现
把日常生活中的对象作为艺术表现，沃霍尔就是如此做的，他的作品《坎贝尔汤罐头》是他的成名之作，画面中整齐划一的图形，冷漠呆板的重复，在当时带来了强烈的视觉冲击。他以机械式的重复手段和毫无个性的日常图像对抗抽象表现主义的原创性与激情，这种连续的、重复的图像从此成为他的个人风格代表。
（3）拼贴技法在艺术中的表现
拼贴技法不仅为艺术创作提供了新的表现手段，更是作为一种绘画观念的突破，完全打破了绘画材料的同一性、封闭性、的传统。它的影响甚广，达达主义、超现实主义乃至波普艺术都曾利用拼贴来扩展自己的艺术表现语言。
布拉克的《单簧管》，画面上只有几种简单的元素：一大一小矩形黑色块，一片发黄的旧报纸和一条长的象征着单簧管的木纹纸和淡淡的绘画线条。这些元素十分巧妙地组合成了一幅清新、雅致的作品，含有简洁典雅的艺术效果，使画面看上去简约不简单，层次丰富。
3.综合材料在艺术中的运用
众所周知，设计强调的就是新颖、创新，新材料、新构思、新搭配。艺术的发展讲究自由创作，也在不断打破传统突破界限，发挥自由创造的极致，20世纪时期综合材料在艺术作品中的应用不少见，比如水粉剪纸、报纸、卡片、木刻、丝网印刷以及各种材料混搭等。
（1）剪纸在艺术作品中的表现
马蒂斯，野兽派代表人，喜欢用浓烈的色彩来表现欢乐，后来由于手患关节炎不能再作画，他就制作剪纸来表达物体的精华特质，而剪纸成为他早期那种简化和浓缩方法的最高表现形式。作品《渦轮》是由几块颜色鲜艳的色块剪纸拼贴在一起构成一个漩涡状，剪纸块是大小不一的几何体，画面简洁。近处观察，画面中运动从涡轮中心开始，螺旋般向外扩散，由于空白间隙大小不同让运动速度看起来时快时慢，不整齐的集合体边缘属于锯齿部分。画中色彩的运用极其巧妙，黄色向内凹，绿色向外突触，这两种颜色相互重叠，违背了一般的规律，体现了马蒂斯对色彩的驾驭。
（2）丝网印刷在艺术作品中的表现
最有代表性的艺术家当属安迪·沃霍尔，他的代表作品《绿色可口可乐》、《玛丽莲·梦露双联画》、《玛丽莲·梦露的唇》
这些代表作属于他后期成熟作品，《绿色可口可乐》丝毫不带情感的图像犹如机器生产线上的标准化产品，生硬而呆板，单调并乏味。《玛丽莲·梦露双联画》创作于玛丽莲梦露自杀后，采用蚀刻技巧把这位影星以他特有的波普方式呈现在观众面前。虽然使用了不同的色彩，但造型重复成排印在一起，只有细微的差别，我们不得不追随重复的线条去注意扭曲的形象。这两幅画使用了两种不同色系，前者色彩响亮鲜明，后者色彩灰暗，局部模糊不清，它代表了梦露生前的光鲜和死后的暗伤。
三、为什么20世纪的艺术变化如此多又快
20世纪科技带给人天翻地覆的转变，加快了城市的生活节奏，人们的思想和生活方式的转变促使人们的时间感和距离感也都处于变化中，他们身处运动中，运动也变得越来越快。于是人们开始尝试第一次打破傳统，艺术家们开始意识到他们的艺术创作是可以随身所欲的，这种态度恰恰就是艺术的开始。
或许以前也出现过相似的转变，但是我认为20世纪的艺术家更具目的性，因为他们是有意识地在挑选某种变化并把这种变化发挥到极致，作为他们艺术的创作原则。他们还会常聚在一起交流或发起展览，谈论他们创作原理和根据，他们不同的性格，不同的审美，不同的技巧，然后发展出某种新的绘画方向，成立某种新的画派，各种画派思想的相互碰撞，于是他们又成了一个新的运动。当他们发现这个画派不再适合他的艺术方向于是又开始转投另一种画派或运动，他们就是这样大胆的继承传统与创新，从其他运动中汲取营养衍生出另一种运动。就是在这样的大环境下不断完善，形成了一个层出不穷、令人目眩的20世纪艺术。
四、总结
20世纪见证了艺术与社会的巨大变革，艺术创新离不开社会发展和变革，因此创新是个关键点。创新它不仅仅适用于单纯的某一方面，应该准确的说它适合全方位，首先理论创新是社会发展和变革的先导，它推动了科技创新、文学创新，设计与艺术自然也属于这个范畴......唯有创新才会有所突破，变得与众不同，才会使作品脱颖而出，才会从海量作品中成为那耀眼的一颗星，成为大家心目中的“毕加索”。
参考文献：
[1]常宁生.现代艺术大师论艺术.中国人民大学出版社，2003
[2]刘悦迪.艺术终结之后.南京出版社，2006
[3]周宏智.西方现代艺术史.中国建筑工业出版社，2010
[4]（英）罗斯玛丽·兰伯特.剑桥艺术史20世纪艺术.钱乘旦译，凤凰出版传媒集团译林出版社，2009