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这期的主角一共是三个人：一位是日本电子音乐创作方面的领军人物Ryoji Ikeda，另外两位则分别为来自澳大利亚的声音艺术家Lawrence English以及素有“Sampler Master”之称的David Shea (及其于两年前在SUb Rosa所发表的那张惊天巨作“The Book of Scenes”以及他那张早已绝版灭迹的经典巨著“The Tower of Mlrrors” (镜之塔))。
1、Ryoj5 0keda一一呵000 Fragments
１966年出生的Ryoji Iked。(池田亮司)是一位倍受国际实验音乐界／声音艺术圈所瞩目的艺术家，他通常从细微处人手研究超声波学、频率学和声音本身的基本特性。自1995年开始，池田亮司就积极投身于尝试各种形式的创作以及表演，其中包括音乐会、装置、唱片、综合声音等。他将声音视为一种“感觉”而非物理现象来研究，并试图展现出这种感觉与人类感知之间的一种连带关系，在其进行创作的过程当中，音乐、时间和空间被重新以数学(数字特效处置)的方法塑造与表现出来。
作为日本电子音乐界和数码多媒体创作领域的领军人物之一，池田亮司由于在现场表现、声音装置和唱片发行等方面的出色表现和贡献被评论界视为当今最前卫和最具革新精神的艺术家之一，尤其是在视觉和音效创作的领域之内，池田壳司更是一位广受好评、屈指可数、异常优秀的一位声音艺术奇葩。在多数的情形之下，他一般都是采用一种类似于“数字弥漫”式的影音功效，并通过数字信息技术来对现实世界进行改写与重塑，这种多媒体艺术创作的观念与手法不仅为作品本身营造出了真实感观体验与虚拟艺术景观之间的一脉相互交替的互换氛围，而且其作品中所营造出来的一股前所未有的视听震撼则更是让听者陷入到了一个完全忘我的境地之中，从此乐此不疲、浸在其中。
作为“聋型”(Dumb Type)的成员之一——Dumb Type是一群由京都市立艺术大学毕业的创作者(包括戏剧、电影、音乐、美术、设计、建筑等跨领域成员)于1984年所促成的一个多媒体声音实验艺术组合——池田亮司在1995年发行了一张冲击日本当代乐坛以及国际声音艺术圈的重磅专辑《1000 Fragments》(千个碎片)，这张唱片可以说是池田亮司将过去的十年噪音史／现代音乐声响艺术作了一个阶段性的总结，其中，几部独有匠心、颇具创意的作品至今都还令我念念不忘，如“ChanneIX”里声响拼贴的肆意活用，“5Zones”中的Electronic Drone特殊声效，还有那久久回荡在耳畔、充斥着诸多电子低音效果的“Luxus”，这也是《1000 Fragment》当中笔者最为喜欢的一个作品，那意境……怎么说呢，就仿佛世上所有的声音都在宇宙苍穹的半空中似隐似现地飘着似的，或者说，好像所有的声音都是从天空里悠悠地传出来的……“感觉”这个东西有时真的无法言喻，你自己亲自去侧耳倾听一下就知道了。
池田亮司的出现，对于80年代刚刚启蒙的后工业音乐／噪音／声音艺术谱系奠定了一个牢固的基础和明确的阶段，进而使得声音艺术至此以后有了一个更加崭新、清晰、丰富而又多元化的传承与开展。打这开始，更多的乐手和创作者们开始跃跃欲试，采用先进的仪器和设备，使用不同的手法及方式，以感应器和影像来传达其别具一格的先锋观念和艺术创意，并且，艺术家们也更加着重地突出了在声响本身上的淋漓表现，像现如今我们接触到的很多声音艺术作品，就都融合进了诸如自然声响、电子声响、人声、自制乐器、由电子器材产生的噪音、感知不到(知觉范围以外)的声响，甚至还包括由物理现象所产生出来的噪音声响，这些，都毫无疑问地成为了我们一次次奇异而又美妙的听觉经验。总之，声音艺术这东西真的是让人倍感神奇又妙哉——妙你可言。
《1000 Fragments》仿佛一架人间大炮，把池田一下子射向了国际乐坛的声音艺术界，从此一发不可收拾。现如今，他依旧红得发紫，并且还有继续红得一塌糊涂的趋势。有人打趣说“他红得简直都有些烧屁股了。”呵呵，细想想这话也在理。
2、Ryoji Ikeda——0℃
池田亮司的作品代表着一种全新的电子声音艺术，其作品形态从总体上看，应为视觉艺术、现代音乐、声音艺术、工业音乐、噪音艺术、电子音乐、数码／数字声音装置的跨界整合，尤其是在DVD影像的视觉／视频作品里面，池田亮司一般都是以黑底配搭上亮黑色的字体呈现出一幅幅抽象的视听画面一一这当然非常不容易阅读，但这也是在表现他自己的艺术概念。普遍来说，噪音／声音艺术创作者偏爱使用黑色、银色、白色等五彩度的颜色，在这种看似没有情绪、如同电子音波一样的色调里展现着一种极限、极微、同时也几近“禅”的概念——在无色之中你会看到更多的色彩，在极微与极限(Minimal)的周旋之间不经意地刺激着你那无限度的想像空间，怪不得《The Wire》杂志形容池田亮司是“联系正弦波简约音乐和现代Techno音乐的一座重要桥梁。”
在《0℃》中，池田亮司运用上了他所有复杂、多样的声音创作概念手段，将严密紧凑的节奏、静电里的恍惚微波以及致命的白色噪音串联起来，让听者大呼过瘾。除了这些以外，池田亮司在本专辑里还运用上了正弦波和“电子短时脉：中波形干扰式”的声音，从而使得电子音乐领域一个全新的极简主义世界自此应运而生，拔地而起。当然从另一个方面我们也不难看出，池田亮司对于技术上的因子十分迷恋，可他又非常地追求诗意的展示方式，本来，技术上的细节对于很多乐手来说都是十分难以控制和头疼的一个弊病与关槛，可是池田亮司在细节上的高度控制却已经达到了一个令人艳羡无比的极致高峰，理性的程序设置和诗意效果的相得益彰，使他彻底克服了技术上的鸿沟进而变得更加自如。总而言之言而总之，池田亮司的作品一贯干净、简洁、大气、有力度，既有骇人听闻的强烈冲击效果声能，又绝不拖泥带水，这便是他一贯的特色及法宝。
3、Ryoji Ikeda——+／-
《1000 Fragments》让池田亮司一炮走红，但《+／-》却令他本人彻底红透了全球的声音艺术界，至今，人们也都一致认为，《+／-》是他最好的一张专辑。造成如此公认认知度的原因很简单——他要通过《+／-》做一个历史性的批判——针对现代音乐的某种律法已经走到死胡同的批判。有乐评直言指出：“池田亮司极尽彻底之能事地讲究律法和规则，不过这反倒是让音乐回归到了最原始的基本理论之处，所以《+／-》这张专辑从另一个角度来看，倒是呈现出了一种能被接受的、传统的、优美的音乐，而且由于池田亮司的创作观念是要批判，所以《+／-》更加清晰地反映出了一丝不被时代所束缚的新鲜感。”
《+／-》同样是一张在电脑中严密筛选出有规律的音调加以精心编排，而后制造出极端理性的电子音响声波，这些声音整齐、优美、铿锵、激进、固执、彻底，就像一位乐评人所言即是——“听着听着就仿佛可以清晰地看到计算公式一般。”的确，如果你曾经有过观看《+／-》里部分视频片段的亲身经验， 那我相信对于这句精辟独到的评论，你也许会有着更加深刻的理解，没错，这些作品集合了动态影像和电子声音等多种新媒体的创作手段，将数字信息作为创作主题和作品主体，并借助数字信息技术以晦涩抽象的表现方式来对客观现实世界进行重新的演绎与理解，每一部作品也都在试图探究着人类对现实中无处不在、但却无影无形的数字信息的感知潜能与认知极限；同时，这些也恰恰正是笔者在前面所提到的“数字弥漫”，即通过数字信息处理技术，来对世界本体进行改写与重塑的多媒体艺术创作手法／手段，以及人们在这类艺术作品所营造出的真实与虚拟交替的艺术景观中的感观与体验。《+／-》将电脑制作和数字技术运用到了极致，这些作品以独一无二的视角向人们展现了多媒体艺术在未来的发展环境和文化语境。更重要的是，它通过运用数字信息处理技术向人们展示出了一种该技术对现实世界里各种抽象元素的表现方式，因此在这些作品中我们可以清楚地感知到，人类所处的这个世界竟然是可以通过数字信息的方式来进行编译、理解和掌控的。
4、Ryoji Ikeda——Matrtx
池田亮司的艺术探索形式是多种多样的，这主要体现在他和Carsten Nicolai的合作项目Cyclo上。同时还有他与两位舞蹈家William Forsythe和Frankfurt Baloett、艺术家Hiroshi Sugimoto、建筑师Toyo-ito以及艺术组合Dumb TYpe等其他艺术家的各种合作中。
这里将要向大家介绍的这张唱片《Matrix》，若要论其归属的话，应该算作是池田亮司于《音之美展 无响室》中的作品“Matrix”(母体)，具体说来就是：在一间四周用隔音墙围绕起来的无响室中放置一把椅子，并且每次只能有一位观众被允许进入，观众进来以后。解说员便轻轻地把门随手带上然后离开，于是，只身独处的观众只觉得整个空间静得不寻常，甚至简直能够听到自己的心跳，渐渐的，整个空间四周的光线逐步变暗，直至消失……这时，开始有声波出现在你的左右耳。伴随着高低频的缓缓出现，让你有如身在声波的漩涡当中，对于习惯听现代极限音乐或声音艺术作品的听众而言，《Matrix》一定会让你感觉到这绝对是一场奇妙的听觉盛宴，因为在隔音效果一流的无响室空间中感觉声波的魔力，毕竟是一次非常难得的宝贵经验，换句话曰，如果你想度过一个超强震荡／振荡的低频回魂夜，那不妨选择《Matrix》来斗胆一试。除了上述提到的这四张唱片之外，池田亮司其余的一些代表作品还包括：
A、《dataplex》：他本人的第七张专辑，发表于2005年，唱片面世后广受好评，同时《datapoex》也被誉为是“datamatics的系列之一” (datamatics是艺术家本人最近正在进行的一个长期性创作项目。在该项目中，池田亮司运用上了动态影像、雕塑、声音和新媒体等多种创作手段，不禁令人耳目一新。
B、《Mort Aux Vaches》：这可是这位声音艺术界红得一塌糊涂的大牌骄子在荷兰VPRO电台的现场录音，有乐迷对该张唱片给出了一段这般颇值玩味的评价：“一段由水到冰、再由冰到水的过程。一切皆为循环，人生就是一场循环。在这不知何时何地结束的循环中，我们顺其自然，为所当为，或许才是最真切的方便之门。”同其余所有Mort Aux Vaches的唱片一样，池田大明星的这张CD也照旧是隶属于“杀死条子”系列中的一张佼佼代表之作，可惜令人感到非常遗憾的是，该专辑目前早已绝版；
C、《C41》：池田亮司的DVD影像作品，也是他“datamatics”系列中的一部代表作品。据相关资料报道说，池田亮司广受赞誉的影像装置作品包括：data，tron[prototype](2007)、data，film nº；1-a。(2007)、data.spetra(2005)、spectra[for terminal 5.jfk](2004)、spectrall(2002]和db(2002)，这些影像装置作品皆代表着池田本人那再典型不过的一种极简主义美学理念的延续和体现。就这张2004年的作品《C41》而论，虽然它并未突破《+／-》这张纯粹的经典，但它画面感的意境和音乐性的加强，也着实为我们带来了一定意义上的小小意外惊喜，从中我们也不难看到池田亮司的潜新尝试与极简神髓。至于其内里的影像部分，怎么说呢……一开始特“数字”，画面具象，声音多变，可到了后来就完全地错位和抽离了，文艺片中那种特有的“病毒数码版的路子”开始呈现；
D、《datamatics版本1.0》：池田最新的一部“声音+影像”视觉作品，该视频曾于2007年9月下旬在北京进行过公开试演。同《C41》相比起来，《datamatics版本1.0》显得更加得抽象和迷离，它属于那种宇宙范畴内的声场作品，若是非要让我用文字进行表述的话，那我只能这样班门弄斧了：纯粹的黑被点线面分解／分割成无数的、无穷的颗粒，然后颗粒也开始发生分解和裂变，一直循环反复，直到分解和裂变成极限意义上的精神核……随后，若干个精神核又开始在黑暗中被吸噬进了一个巨大的黑洞里，而后随着耀眼的烟花一齐射向太空，最后又如同弹球一般从太空中纷纷撒落下来，直至演变为一场浩瀚鼎盛的玻璃球大瀑布。
5、LaWrence English——Transit
Lawrence English是上世纪九十年代中期迅猛掘起的一位来自澳大利亚的乐评人、声音艺术家、实地采样和田野录音乐手，同时他也是唱片厂牌兼艺术组织ROOM40的创办达人。除去这些，Lawrence在音乐评论、装置艺术、平面设计、电影／剧场配乐、视觉艺术以及音乐节策划和艺术策展等多个领域，也皆有着自己卓越的贡献。
Lawrence从小就十分喜爱古典音乐，11岁开始接触流行音乐，之后，他在一个音乐风格主要受Einsturzende Neubauten以及Skinny Puppy影响的工业乐团中担任鼓手和吉他演奏之职。从这时开始，Lawrence开始接触工业噪音和实验电子音乐，并相继为很多澳洲和海外的乐团／音乐人制作混音。Scanner、DJ Olive、Christ Watson、David Toop、John Cage、Luc Ferrari等等很多先锋音乐家们的作品，也都不同程度地对Lawrence本人起到了良好的神秘功效。现如今，Lawrence的主要工作就是经常携带着一个耳机式的麦克风四处游走，收集素材，随后经过处理将之演变成为他作品的一部分。他利用这些声音素材重现声音环境，或者再创一个新的声音环境，以供听者想象，这张名为“Transit”的唱片发迹于2003年，同时它也是最为人熟知的一张关于Lawrence的专辑之一。在这其中，DJ Olive、Robin Rimbaud、Heinz Riegler、Philip Samartzis等人纷纷贡献出了各自的声音样本，以供Lawrence来进行采集和整理，结果，通过这张内省的《Transit》，Lawrence 红透了澳洲，通吃了全球。纽约的《Dusted Magazine》对《Transit》曾经给出过一句这样的评语：“即使最平凡的声音／音源素材落到Lawrence的手上，它也依然能够被他调变出富于变化和出人意表的声音。”
和绝大多数先锋实验音乐不同的是，《Transit》所彰显出来的是一幅安静祥和的高贵典雅图。平心而论，这是一张透露着布里斯本浪漫氛围的极简主义音景唱片，大都会的繁荣时尚、优雅闲适的欧洲生活气息、四季如春的明朗气候、细致入微的音景变化、Amblent氛围的巧妙引入、窗外温暖阳光的静悄投射……这不是声音艺术的深度迷醉和舒适松弛，而是醇浓咖啡的弥久留香以及绿意盎然的美丽音境。
6、LaWrence English——Ghost Towns
在过去的10余年间，Lawrence English的声音作品已经在全球的多个地区进行了长足跋涉的蔓延和传播，其音乐风格涵盖和横跨当代多个实验音乐的乐种，从实验音景到自由即兴的节拍作品，以及再到后来的受具象音乐影响的一些先锋创作皆包括在内，并且，美国周刊《Signal To Noise》还曾对Lawrence English的作品作出过一句“优秀的现代具象音乐”的高度评价。
Lawrence English擅长折衷性的声音创作，其作品往往带有深刻的探索主题——这尤为可见其最著名的一部以布里斯本自由殖民者为研究主题的声音／视觉环境作品《Ghost Towns》。确切地讲，《Ghost Towns》是一部由Lawrence English创作于2003年下半年的三屏幕视觉装置——一部具有着深刻的人文性、热切关注澳大利亚殖民地问题的多媒体艺术作品，它由政府艺术资助机构ArtsQueensland委任、以昆士兰城郊的“自由殖民者”为其主要议题的创作方向、最终由LawrenceEnglish联同布里斯本多媒体艺术家Alexandra Oillespie，分别于新西兰、日本、澳大利亚三地取景制作完成。为此，Lawrence English在昆士兰城郊区内采集到了大量的音源，包括动物的哭泣、昆虫的嗡嗡声、城市的噪音、猛烈的敲击等等。另外，《Ghost Towns》内里的配乐还特别地强调了那些孤立的、在这个偏僻的国度存在但听不到的自由殖民者的声音，并提供给听者更多专属于自己的想像空间。前几年，Lawrence English在谈到《Ghost Towns》时曾经表示说，它的确用一种特殊的方法重整了我对周围世界的感观，无论从生理上还是在心理上，总之，它启发我重新思考我与那些居住在城市外围的人们之间的对比。
尽管一直活跃于布里斯本的声音艺术／实验音乐圈，但是Lawrence English的唱片出版数量却并不算多：2001年个人名义的首张专辑、以3寸CD形式发表的17分钟作品《Map51F9》，是一张为曾工作过的Inala Art画廊创作的“实地采样”作品——以“Map51 F9”作为线路图，沿途采集声音样本所进行的一次实验创作；自己化名为。bject、为雕刻装置艺术作品所创作的配乐“Pandemic”，于比利时著名作坊Sub Rosa的子厂牌Quatermass旗下发表，从总体上看，这是一张融合进了纽约Hip Hop、牙买加跳舞音乐与抽象电子音乐的、一次对节奏与空间结构进行全新探索的实验性尝试，因此说，对跳舞音乐和原生态民族／民间音乐感兴趣的朋友，请千万不要错过这张难寻的 “Pandemic”。
7、David Shea——The Book of Scenes
高科技的神奇功能和人类直觉的步步延伸——这两种貌似对立的东西，却都在David Shea的采样音乐里面合二为一地得到了一次极致的超然发挥，David Shea曾经说过一句颇为理性的话：“声音在音乐中发生一次，是即兴；但若发生两次，就变成了结构。”为此，他还进一步解释到：“在我演出的过程当中，你不可能预感到下一步将会出现什么样的声音。”嘿嘿，说真的，我估计连他老人家自己也不敢／不能预感，不过他和我们一样，正在独自面对、领悟、参与和创造着这个无限的世界。反过来看，这个无限的世界也共鸣出了一座无限的宇宙思维空间。这，就是声音的魅力，声音的背影原来是如此之迷人。
《The Book of Scenes》是现身于两年前的一张唱片，采样、拼贴、调变、叠加、偶发、感觉、结构、解构、颠覆、重组……毫无疑问，David shea又一次把和谐的社会演变为了一个无序的空间。当然对他而言，无序就是和谐。不过最重要的问题在于：如何确保声音信号在采集和加工过程中的完整性，如何产生和改变声音的层次和音色，如何大胆方便地进行拼接……这才是采样音乐的根本凝聚之所在。说到底，“采样音乐”到底还是个比较模糊的概念，因为以采样为主要声音来源，然后再加以变形、拼合的音乐种类实在是太多太多，譬如，我们既可以成为将他人的声音素材蜕换作全新派未来主义舞曲的采花狂人，又可以幻化作一位迷恋着声音图书馆的掠夺者，还可以摇身一变成为一具禅意无穷的具象音乐的复古仙。这一切，皆有赖于乐手本人的先进设备和自身大脑的纯科技智商含量——当然，如若再把“感觉”这个蹊跷无比、玄而又玄的幽深境界发挥到极致的话，那么，让音乐回归至声音的潮流就不再只是一个无敌的甜蜜美梦了。
从David Shea不断在唱片封套中深深表示致敬的名单来看，音乐前辈(学院派／独立流行／先锋乐人)、电影人(先锋实验派导演和卡通大腕)占据了绝大多数的位置，的确，这也正如一位乐评人所说的那样，“David Shea的作品就像是老鼠军团从电影院里偷回来的胶片的仓库”，哈哈，那些大段的古典与现代、以及那通篇的实验和即兴，统统被我们这位伟大的“Sampler Master”给老老实实地耍了个遍，浩瀚的世界、碎片的记忆、断裂的感觉、崩塌的命运、混沌的社会、多重的标准、随性的即兴……等等等等，这一切均被David Shea的魔掌和天资纷纷进行了再生般的排列、叠加和重复，并以无数个碎片的形式存入了他的每一首作品之中。最后的最后，他又带着人性和自然，拨云见日，层层闯关，最终，从软件和硬件的夹击中跳了出来，用他自己的话说，那就是“流行而极端实验。”
8、Davld Shea——The Towef of Mirrors
“假做真时真亦假，无为有处有还无。”让人意想不到的是，在《The Tower of Mirrors(镜之塔)》里面居然出现了这样的句子，于是David Shea说道：“他向一面镜中看去，他进入了那个世界……”
在采样音乐创作和表演的过程当中，大多数的声音素材一般都是来源于我们日常生活的实地录音，如自然环境声响(水声)、人们的谈话声等等；当然也有经过前期采集、后期经过加工混音处置的声音片段，像真乐器的演奏、收音机的信号调频、合成器、自制发声仪器、音频信号发声器、效果器等等各类仪器的各种声响，甚至在David Shea那浩瀚无数的声音世界里，我们竟然还能发现上世纪40至60年代欧美电影和香港电影里面既精彩又经典的配乐、对白乃至音效，甚至的甚至，我们还可以捕捉到猫和老鼠在电视里拼命追杀的丝丝痕迹，当然，还有更多更多千万种音乐的毛发与骨血，正像这里正在谈及的这张《镜之塔》一样，David Shea让鸟鸣、流水、童音、观音菩萨的诵经和中国民乐的片段在爵士乐、弦乐和卡通音乐的天堂边缘来回地缭绕梦游，从而使得西方极乐世界里那空灵美妙的佛域境地立即成为了我们耳中喧宾夺主的一个“靓点”。
由24个音乐片段所组成的《镜之塔》被David Shea别有用心地使用上了具有明确指向的隐喻、象征和暗示手法，其终极目的无非是用来构成《西游补》一书中孙悟空在千镜之塔上看到自己的未来、漫游幻像和最终梦醒的故事。在《镜之塔》里，David Shea凌波微步，罗袜生尘，把混沌抽象、充满零乱气息的作品融炼成了一幕幕玄妙的意境，在这些开放式的音乐结构中，声音与声音之间的紧密逻辑完全由感觉全部武装代替，而爵士、卡通、民族、舞曲、古典、钢琴、电影配乐以及人声之间的乾坤大挪移则一股脑儿地从听觉上开始麻醉和迷惑我们的灵魂。
左目东方，右眼西方；左耳是虚幻幽静的青青世界与世外桃源，右扇则为沸腾欢闹的“电爵”交响和极乐舞池。鸟叫、虫呜、孩童的笑声、儿时的玩伴、童年的梦香；清凉明澈的涓涓水流，恍如隔世的遥远迷幻；观音菩萨的诵经念咒与仙乐飘飘，欲走还休的牵肠断魂兼留连忘返，生生世世的缠绵入骨及相守等待，拨云见日的晴空万里和佛光普照……《镜之塔》不仅使我们回到了童年的往昔，而且还让我们从此拥有了一个属于自己内心深处的终极完美世界，这，就是传说中的天堂和神话里的纯真——此意绵绵无绝期，此情深深无者及。《Tower of Mirrors》专辑中的音乐灵感均来自于David Shea对东方佛教和道教思想的领悟。在东方哲学与西方文化充分结合的创作过程当中，他的作品也顺势开始出现了许多颇具中华民族文化传统和现代气息的素材。据称，该专辑目前已经绝版，由此，我们便可以更加清晰地认识到它的弥足之程了。
1、Ryoj5 0keda一一呵000 Fragments
１966年出生的Ryoji Iked。(池田亮司)是一位倍受国际实验音乐界／声音艺术圈所瞩目的艺术家，他通常从细微处人手研究超声波学、频率学和声音本身的基本特性。自1995年开始，池田亮司就积极投身于尝试各种形式的创作以及表演，其中包括音乐会、装置、唱片、综合声音等。他将声音视为一种“感觉”而非物理现象来研究，并试图展现出这种感觉与人类感知之间的一种连带关系，在其进行创作的过程当中，音乐、时间和空间被重新以数学(数字特效处置)的方法塑造与表现出来。
作为日本电子音乐界和数码多媒体创作领域的领军人物之一，池田亮司由于在现场表现、声音装置和唱片发行等方面的出色表现和贡献被评论界视为当今最前卫和最具革新精神的艺术家之一，尤其是在视觉和音效创作的领域之内，池田壳司更是一位广受好评、屈指可数、异常优秀的一位声音艺术奇葩。在多数的情形之下，他一般都是采用一种类似于“数字弥漫”式的影音功效，并通过数字信息技术来对现实世界进行改写与重塑，这种多媒体艺术创作的观念与手法不仅为作品本身营造出了真实感观体验与虚拟艺术景观之间的一脉相互交替的互换氛围，而且其作品中所营造出来的一股前所未有的视听震撼则更是让听者陷入到了一个完全忘我的境地之中，从此乐此不疲、浸在其中。
作为“聋型”(Dumb Type)的成员之一——Dumb Type是一群由京都市立艺术大学毕业的创作者(包括戏剧、电影、音乐、美术、设计、建筑等跨领域成员)于1984年所促成的一个多媒体声音实验艺术组合——池田亮司在1995年发行了一张冲击日本当代乐坛以及国际声音艺术圈的重磅专辑《1000 Fragments》(千个碎片)，这张唱片可以说是池田亮司将过去的十年噪音史／现代音乐声响艺术作了一个阶段性的总结，其中，几部独有匠心、颇具创意的作品至今都还令我念念不忘，如“ChanneIX”里声响拼贴的肆意活用，“5Zones”中的Electronic Drone特殊声效，还有那久久回荡在耳畔、充斥着诸多电子低音效果的“Luxus”，这也是《1000 Fragment》当中笔者最为喜欢的一个作品，那意境……怎么说呢，就仿佛世上所有的声音都在宇宙苍穹的半空中似隐似现地飘着似的，或者说，好像所有的声音都是从天空里悠悠地传出来的……“感觉”这个东西有时真的无法言喻，你自己亲自去侧耳倾听一下就知道了。
池田亮司的出现，对于80年代刚刚启蒙的后工业音乐／噪音／声音艺术谱系奠定了一个牢固的基础和明确的阶段，进而使得声音艺术至此以后有了一个更加崭新、清晰、丰富而又多元化的传承与开展。打这开始，更多的乐手和创作者们开始跃跃欲试，采用先进的仪器和设备，使用不同的手法及方式，以感应器和影像来传达其别具一格的先锋观念和艺术创意，并且，艺术家们也更加着重地突出了在声响本身上的淋漓表现，像现如今我们接触到的很多声音艺术作品，就都融合进了诸如自然声响、电子声响、人声、自制乐器、由电子器材产生的噪音、感知不到(知觉范围以外)的声响，甚至还包括由物理现象所产生出来的噪音声响，这些，都毫无疑问地成为了我们一次次奇异而又美妙的听觉经验。总之，声音艺术这东西真的是让人倍感神奇又妙哉——妙你可言。
《1000 Fragments》仿佛一架人间大炮，把池田一下子射向了国际乐坛的声音艺术界，从此一发不可收拾。现如今，他依旧红得发紫，并且还有继续红得一塌糊涂的趋势。有人打趣说“他红得简直都有些烧屁股了。”呵呵，细想想这话也在理。
2、Ryoji Ikeda——0℃
池田亮司的作品代表着一种全新的电子声音艺术，其作品形态从总体上看，应为视觉艺术、现代音乐、声音艺术、工业音乐、噪音艺术、电子音乐、数码／数字声音装置的跨界整合，尤其是在DVD影像的视觉／视频作品里面，池田亮司一般都是以黑底配搭上亮黑色的字体呈现出一幅幅抽象的视听画面一一这当然非常不容易阅读，但这也是在表现他自己的艺术概念。普遍来说，噪音／声音艺术创作者偏爱使用黑色、银色、白色等五彩度的颜色，在这种看似没有情绪、如同电子音波一样的色调里展现着一种极限、极微、同时也几近“禅”的概念——在无色之中你会看到更多的色彩，在极微与极限(Minimal)的周旋之间不经意地刺激着你那无限度的想像空间，怪不得《The Wire》杂志形容池田亮司是“联系正弦波简约音乐和现代Techno音乐的一座重要桥梁。”
在《0℃》中，池田亮司运用上了他所有复杂、多样的声音创作概念手段，将严密紧凑的节奏、静电里的恍惚微波以及致命的白色噪音串联起来，让听者大呼过瘾。除了这些以外，池田亮司在本专辑里还运用上了正弦波和“电子短时脉：中波形干扰式”的声音，从而使得电子音乐领域一个全新的极简主义世界自此应运而生，拔地而起。当然从另一个方面我们也不难看出，池田亮司对于技术上的因子十分迷恋，可他又非常地追求诗意的展示方式，本来，技术上的细节对于很多乐手来说都是十分难以控制和头疼的一个弊病与关槛，可是池田亮司在细节上的高度控制却已经达到了一个令人艳羡无比的极致高峰，理性的程序设置和诗意效果的相得益彰，使他彻底克服了技术上的鸿沟进而变得更加自如。总而言之言而总之，池田亮司的作品一贯干净、简洁、大气、有力度，既有骇人听闻的强烈冲击效果声能，又绝不拖泥带水，这便是他一贯的特色及法宝。
3、Ryoji Ikeda——+／-
《1000 Fragments》让池田亮司一炮走红，但《+／-》却令他本人彻底红透了全球的声音艺术界，至今，人们也都一致认为，《+／-》是他最好的一张专辑。造成如此公认认知度的原因很简单——他要通过《+／-》做一个历史性的批判——针对现代音乐的某种律法已经走到死胡同的批判。有乐评直言指出：“池田亮司极尽彻底之能事地讲究律法和规则，不过这反倒是让音乐回归到了最原始的基本理论之处，所以《+／-》这张专辑从另一个角度来看，倒是呈现出了一种能被接受的、传统的、优美的音乐，而且由于池田亮司的创作观念是要批判，所以《+／-》更加清晰地反映出了一丝不被时代所束缚的新鲜感。”
《+／-》同样是一张在电脑中严密筛选出有规律的音调加以精心编排，而后制造出极端理性的电子音响声波，这些声音整齐、优美、铿锵、激进、固执、彻底，就像一位乐评人所言即是——“听着听着就仿佛可以清晰地看到计算公式一般。”的确，如果你曾经有过观看《+／-》里部分视频片段的亲身经验， 那我相信对于这句精辟独到的评论，你也许会有着更加深刻的理解，没错，这些作品集合了动态影像和电子声音等多种新媒体的创作手段，将数字信息作为创作主题和作品主体，并借助数字信息技术以晦涩抽象的表现方式来对客观现实世界进行重新的演绎与理解，每一部作品也都在试图探究着人类对现实中无处不在、但却无影无形的数字信息的感知潜能与认知极限；同时，这些也恰恰正是笔者在前面所提到的“数字弥漫”，即通过数字信息处理技术，来对世界本体进行改写与重塑的多媒体艺术创作手法／手段，以及人们在这类艺术作品所营造出的真实与虚拟交替的艺术景观中的感观与体验。《+／-》将电脑制作和数字技术运用到了极致，这些作品以独一无二的视角向人们展现了多媒体艺术在未来的发展环境和文化语境。更重要的是，它通过运用数字信息处理技术向人们展示出了一种该技术对现实世界里各种抽象元素的表现方式，因此在这些作品中我们可以清楚地感知到，人类所处的这个世界竟然是可以通过数字信息的方式来进行编译、理解和掌控的。
4、Ryoji Ikeda——Matrtx
池田亮司的艺术探索形式是多种多样的，这主要体现在他和Carsten Nicolai的合作项目Cyclo上。同时还有他与两位舞蹈家William Forsythe和Frankfurt Baloett、艺术家Hiroshi Sugimoto、建筑师Toyo-ito以及艺术组合Dumb TYpe等其他艺术家的各种合作中。
这里将要向大家介绍的这张唱片《Matrix》，若要论其归属的话，应该算作是池田亮司于《音之美展 无响室》中的作品“Matrix”(母体)，具体说来就是：在一间四周用隔音墙围绕起来的无响室中放置一把椅子，并且每次只能有一位观众被允许进入，观众进来以后。解说员便轻轻地把门随手带上然后离开，于是，只身独处的观众只觉得整个空间静得不寻常，甚至简直能够听到自己的心跳，渐渐的，整个空间四周的光线逐步变暗，直至消失……这时，开始有声波出现在你的左右耳。伴随着高低频的缓缓出现，让你有如身在声波的漩涡当中，对于习惯听现代极限音乐或声音艺术作品的听众而言，《Matrix》一定会让你感觉到这绝对是一场奇妙的听觉盛宴，因为在隔音效果一流的无响室空间中感觉声波的魔力，毕竟是一次非常难得的宝贵经验，换句话曰，如果你想度过一个超强震荡／振荡的低频回魂夜，那不妨选择《Matrix》来斗胆一试。除了上述提到的这四张唱片之外，池田亮司其余的一些代表作品还包括：
A、《dataplex》：他本人的第七张专辑，发表于2005年，唱片面世后广受好评，同时《datapoex》也被誉为是“datamatics的系列之一” (datamatics是艺术家本人最近正在进行的一个长期性创作项目。在该项目中，池田亮司运用上了动态影像、雕塑、声音和新媒体等多种创作手段，不禁令人耳目一新。
B、《Mort Aux Vaches》：这可是这位声音艺术界红得一塌糊涂的大牌骄子在荷兰VPRO电台的现场录音，有乐迷对该张唱片给出了一段这般颇值玩味的评价：“一段由水到冰、再由冰到水的过程。一切皆为循环，人生就是一场循环。在这不知何时何地结束的循环中，我们顺其自然，为所当为，或许才是最真切的方便之门。”同其余所有Mort Aux Vaches的唱片一样，池田大明星的这张CD也照旧是隶属于“杀死条子”系列中的一张佼佼代表之作，可惜令人感到非常遗憾的是，该专辑目前早已绝版；
C、《C41》：池田亮司的DVD影像作品，也是他“datamatics”系列中的一部代表作品。据相关资料报道说，池田亮司广受赞誉的影像装置作品包括：data，tron[prototype](2007)、data，film nº；1-a。(2007)、data.spetra(2005)、spectra[for terminal 5.jfk](2004)、spectrall(2002]和db(2002)，这些影像装置作品皆代表着池田本人那再典型不过的一种极简主义美学理念的延续和体现。就这张2004年的作品《C41》而论，虽然它并未突破《+／-》这张纯粹的经典，但它画面感的意境和音乐性的加强，也着实为我们带来了一定意义上的小小意外惊喜，从中我们也不难看到池田亮司的潜新尝试与极简神髓。至于其内里的影像部分，怎么说呢……一开始特“数字”，画面具象，声音多变，可到了后来就完全地错位和抽离了，文艺片中那种特有的“病毒数码版的路子”开始呈现；
D、《datamatics版本1.0》：池田最新的一部“声音+影像”视觉作品，该视频曾于2007年9月下旬在北京进行过公开试演。同《C41》相比起来，《datamatics版本1.0》显得更加得抽象和迷离，它属于那种宇宙范畴内的声场作品，若是非要让我用文字进行表述的话，那我只能这样班门弄斧了：纯粹的黑被点线面分解／分割成无数的、无穷的颗粒，然后颗粒也开始发生分解和裂变，一直循环反复，直到分解和裂变成极限意义上的精神核……随后，若干个精神核又开始在黑暗中被吸噬进了一个巨大的黑洞里，而后随着耀眼的烟花一齐射向太空，最后又如同弹球一般从太空中纷纷撒落下来，直至演变为一场浩瀚鼎盛的玻璃球大瀑布。
5、LaWrence English——Transit
Lawrence English是上世纪九十年代中期迅猛掘起的一位来自澳大利亚的乐评人、声音艺术家、实地采样和田野录音乐手，同时他也是唱片厂牌兼艺术组织ROOM40的创办达人。除去这些，Lawrence在音乐评论、装置艺术、平面设计、电影／剧场配乐、视觉艺术以及音乐节策划和艺术策展等多个领域，也皆有着自己卓越的贡献。
Lawrence从小就十分喜爱古典音乐，11岁开始接触流行音乐，之后，他在一个音乐风格主要受Einsturzende Neubauten以及Skinny Puppy影响的工业乐团中担任鼓手和吉他演奏之职。从这时开始，Lawrence开始接触工业噪音和实验电子音乐，并相继为很多澳洲和海外的乐团／音乐人制作混音。Scanner、DJ Olive、Christ Watson、David Toop、John Cage、Luc Ferrari等等很多先锋音乐家们的作品，也都不同程度地对Lawrence本人起到了良好的神秘功效。现如今，Lawrence的主要工作就是经常携带着一个耳机式的麦克风四处游走，收集素材，随后经过处理将之演变成为他作品的一部分。他利用这些声音素材重现声音环境，或者再创一个新的声音环境，以供听者想象，这张名为“Transit”的唱片发迹于2003年，同时它也是最为人熟知的一张关于Lawrence的专辑之一。在这其中，DJ Olive、Robin Rimbaud、Heinz Riegler、Philip Samartzis等人纷纷贡献出了各自的声音样本，以供Lawrence来进行采集和整理，结果，通过这张内省的《Transit》，Lawrence 红透了澳洲，通吃了全球。纽约的《Dusted Magazine》对《Transit》曾经给出过一句这样的评语：“即使最平凡的声音／音源素材落到Lawrence的手上，它也依然能够被他调变出富于变化和出人意表的声音。”
和绝大多数先锋实验音乐不同的是，《Transit》所彰显出来的是一幅安静祥和的高贵典雅图。平心而论，这是一张透露着布里斯本浪漫氛围的极简主义音景唱片，大都会的繁荣时尚、优雅闲适的欧洲生活气息、四季如春的明朗气候、细致入微的音景变化、Amblent氛围的巧妙引入、窗外温暖阳光的静悄投射……这不是声音艺术的深度迷醉和舒适松弛，而是醇浓咖啡的弥久留香以及绿意盎然的美丽音境。
6、LaWrence English——Ghost Towns
在过去的10余年间，Lawrence English的声音作品已经在全球的多个地区进行了长足跋涉的蔓延和传播，其音乐风格涵盖和横跨当代多个实验音乐的乐种，从实验音景到自由即兴的节拍作品，以及再到后来的受具象音乐影响的一些先锋创作皆包括在内，并且，美国周刊《Signal To Noise》还曾对Lawrence English的作品作出过一句“优秀的现代具象音乐”的高度评价。
Lawrence English擅长折衷性的声音创作，其作品往往带有深刻的探索主题——这尤为可见其最著名的一部以布里斯本自由殖民者为研究主题的声音／视觉环境作品《Ghost Towns》。确切地讲，《Ghost Towns》是一部由Lawrence English创作于2003年下半年的三屏幕视觉装置——一部具有着深刻的人文性、热切关注澳大利亚殖民地问题的多媒体艺术作品，它由政府艺术资助机构ArtsQueensland委任、以昆士兰城郊的“自由殖民者”为其主要议题的创作方向、最终由LawrenceEnglish联同布里斯本多媒体艺术家Alexandra Oillespie，分别于新西兰、日本、澳大利亚三地取景制作完成。为此，Lawrence English在昆士兰城郊区内采集到了大量的音源，包括动物的哭泣、昆虫的嗡嗡声、城市的噪音、猛烈的敲击等等。另外，《Ghost Towns》内里的配乐还特别地强调了那些孤立的、在这个偏僻的国度存在但听不到的自由殖民者的声音，并提供给听者更多专属于自己的想像空间。前几年，Lawrence English在谈到《Ghost Towns》时曾经表示说，它的确用一种特殊的方法重整了我对周围世界的感观，无论从生理上还是在心理上，总之，它启发我重新思考我与那些居住在城市外围的人们之间的对比。
尽管一直活跃于布里斯本的声音艺术／实验音乐圈，但是Lawrence English的唱片出版数量却并不算多：2001年个人名义的首张专辑、以3寸CD形式发表的17分钟作品《Map51F9》，是一张为曾工作过的Inala Art画廊创作的“实地采样”作品——以“Map51 F9”作为线路图，沿途采集声音样本所进行的一次实验创作；自己化名为。bject、为雕刻装置艺术作品所创作的配乐“Pandemic”，于比利时著名作坊Sub Rosa的子厂牌Quatermass旗下发表，从总体上看，这是一张融合进了纽约Hip Hop、牙买加跳舞音乐与抽象电子音乐的、一次对节奏与空间结构进行全新探索的实验性尝试，因此说，对跳舞音乐和原生态民族／民间音乐感兴趣的朋友，请千万不要错过这张难寻的 “Pandemic”。
7、David Shea——The Book of Scenes
高科技的神奇功能和人类直觉的步步延伸——这两种貌似对立的东西，却都在David Shea的采样音乐里面合二为一地得到了一次极致的超然发挥，David Shea曾经说过一句颇为理性的话：“声音在音乐中发生一次，是即兴；但若发生两次，就变成了结构。”为此，他还进一步解释到：“在我演出的过程当中，你不可能预感到下一步将会出现什么样的声音。”嘿嘿，说真的，我估计连他老人家自己也不敢／不能预感，不过他和我们一样，正在独自面对、领悟、参与和创造着这个无限的世界。反过来看，这个无限的世界也共鸣出了一座无限的宇宙思维空间。这，就是声音的魅力，声音的背影原来是如此之迷人。
《The Book of Scenes》是现身于两年前的一张唱片，采样、拼贴、调变、叠加、偶发、感觉、结构、解构、颠覆、重组……毫无疑问，David shea又一次把和谐的社会演变为了一个无序的空间。当然对他而言，无序就是和谐。不过最重要的问题在于：如何确保声音信号在采集和加工过程中的完整性，如何产生和改变声音的层次和音色，如何大胆方便地进行拼接……这才是采样音乐的根本凝聚之所在。说到底，“采样音乐”到底还是个比较模糊的概念，因为以采样为主要声音来源，然后再加以变形、拼合的音乐种类实在是太多太多，譬如，我们既可以成为将他人的声音素材蜕换作全新派未来主义舞曲的采花狂人，又可以幻化作一位迷恋着声音图书馆的掠夺者，还可以摇身一变成为一具禅意无穷的具象音乐的复古仙。这一切，皆有赖于乐手本人的先进设备和自身大脑的纯科技智商含量——当然，如若再把“感觉”这个蹊跷无比、玄而又玄的幽深境界发挥到极致的话，那么，让音乐回归至声音的潮流就不再只是一个无敌的甜蜜美梦了。
从David Shea不断在唱片封套中深深表示致敬的名单来看，音乐前辈(学院派／独立流行／先锋乐人)、电影人(先锋实验派导演和卡通大腕)占据了绝大多数的位置，的确，这也正如一位乐评人所说的那样，“David Shea的作品就像是老鼠军团从电影院里偷回来的胶片的仓库”，哈哈，那些大段的古典与现代、以及那通篇的实验和即兴，统统被我们这位伟大的“Sampler Master”给老老实实地耍了个遍，浩瀚的世界、碎片的记忆、断裂的感觉、崩塌的命运、混沌的社会、多重的标准、随性的即兴……等等等等，这一切均被David Shea的魔掌和天资纷纷进行了再生般的排列、叠加和重复，并以无数个碎片的形式存入了他的每一首作品之中。最后的最后，他又带着人性和自然，拨云见日，层层闯关，最终，从软件和硬件的夹击中跳了出来，用他自己的话说，那就是“流行而极端实验。”
8、Davld Shea——The Towef of Mirrors
“假做真时真亦假，无为有处有还无。”让人意想不到的是，在《The Tower of Mirrors(镜之塔)》里面居然出现了这样的句子，于是David Shea说道：“他向一面镜中看去，他进入了那个世界……”
在采样音乐创作和表演的过程当中，大多数的声音素材一般都是来源于我们日常生活的实地录音，如自然环境声响(水声)、人们的谈话声等等；当然也有经过前期采集、后期经过加工混音处置的声音片段，像真乐器的演奏、收音机的信号调频、合成器、自制发声仪器、音频信号发声器、效果器等等各类仪器的各种声响，甚至在David Shea那浩瀚无数的声音世界里，我们竟然还能发现上世纪40至60年代欧美电影和香港电影里面既精彩又经典的配乐、对白乃至音效，甚至的甚至，我们还可以捕捉到猫和老鼠在电视里拼命追杀的丝丝痕迹，当然，还有更多更多千万种音乐的毛发与骨血，正像这里正在谈及的这张《镜之塔》一样，David Shea让鸟鸣、流水、童音、观音菩萨的诵经和中国民乐的片段在爵士乐、弦乐和卡通音乐的天堂边缘来回地缭绕梦游，从而使得西方极乐世界里那空灵美妙的佛域境地立即成为了我们耳中喧宾夺主的一个“靓点”。
由24个音乐片段所组成的《镜之塔》被David Shea别有用心地使用上了具有明确指向的隐喻、象征和暗示手法，其终极目的无非是用来构成《西游补》一书中孙悟空在千镜之塔上看到自己的未来、漫游幻像和最终梦醒的故事。在《镜之塔》里，David Shea凌波微步，罗袜生尘，把混沌抽象、充满零乱气息的作品融炼成了一幕幕玄妙的意境，在这些开放式的音乐结构中，声音与声音之间的紧密逻辑完全由感觉全部武装代替，而爵士、卡通、民族、舞曲、古典、钢琴、电影配乐以及人声之间的乾坤大挪移则一股脑儿地从听觉上开始麻醉和迷惑我们的灵魂。
左目东方，右眼西方；左耳是虚幻幽静的青青世界与世外桃源，右扇则为沸腾欢闹的“电爵”交响和极乐舞池。鸟叫、虫呜、孩童的笑声、儿时的玩伴、童年的梦香；清凉明澈的涓涓水流，恍如隔世的遥远迷幻；观音菩萨的诵经念咒与仙乐飘飘，欲走还休的牵肠断魂兼留连忘返，生生世世的缠绵入骨及相守等待，拨云见日的晴空万里和佛光普照……《镜之塔》不仅使我们回到了童年的往昔，而且还让我们从此拥有了一个属于自己内心深处的终极完美世界，这，就是传说中的天堂和神话里的纯真——此意绵绵无绝期，此情深深无者及。《Tower of Mirrors》专辑中的音乐灵感均来自于David Shea对东方佛教和道教思想的领悟。在东方哲学与西方文化充分结合的创作过程当中，他的作品也顺势开始出现了许多颇具中华民族文化传统和现代气息的素材。据称，该专辑目前已经绝版，由此，我们便可以更加清晰地认识到它的弥足之程了。