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杨沛璋，1951年生于天津。1976年毕业于天津美术学院并留校任教，曾任天津美术学院国画系副主任。现为天津美术学院国画系教授、硕士生导师。出版有《中国人物画技法教材》、《写意人物•仕女画法》、《杨沛璋重彩写意人物画》、《杨沛璋作品集》等。
一、笔墨当随时代—谈国画如何反映时代精神
艺术是现实生活的反映，不管你自觉或不自觉，你的作品都在反映着时代的精神、人们的追求，即使是古典的题材也是现代人对古代生活的理解与想像，反映的也是当代人对生活的理解与追求。
现在我们正赶上了好的时候，没有了对作品的各种束缚，如“文革”期间的红光亮、高大全等等。这是真正的百家争鸣、百花齐放的时代。
作为艺术家，我们感到幸运，也有一种责任感。我们究竟应该拿什么样的作品呈现给观众？是一味地模仿古人，或是平庸地抄袭自然，还是深入地研究、体验、实验，发现新的角度、新的面貌，给观众带来新的感受？中国画也可以这样画，也可以这么表现，我们有这么丰厚的艺术传统，从哪一点深入研究下去，都能发现许许多多新的东西。比如我们的敦煌、永乐宫的壁画的颜色，汉代雕塑画像砖的造型，唐代的气韵，民间各种工艺的朴素的造型，热烈的颜色……从哪一点入手都能激发我们的创造力。
艺术的生命力在于创造和发现。艺术的根本源自真心，真善美。真是发自内心的最根本的东西。只有真诚才是最感人的。一个对生活、生命充满热情、真诚的人怎么会落后于这个时代呢？他应是走在时代最前面的人，最优秀的人。从这点上讲，如果笔墨作为中国画形式的代名词的话，仅仅当随时代就不够了，应超越时代，走在时代的最前面。
二、由外师造化、中得心源谈艺术源于生活、深入生活
外师造化是指观察自然，中得心源是指体验、精神的感悟，和人物画中的形神论是一个道理，指通过观察形成感受，达到表现的冲动。也就是我们所说的，神或意。
中国画的表现方法不是自然的抄袭，而是强调观察、感悟，表达的是心中的意象。
由此想到我们现在常提出的艺术家要深入生活。我觉得首先要清楚，什么是生活，生活就是个人在这个时代中的一种情感和精神，而不是表面的生活现象。
记得我们上学时，老师带我们下乡，和老乡同吃、同住、同劳动，临分手时，相互抱头痛哭，可回来却不知如何表现和表现什么。为什么呢？因为我们只是和平常人一样受了感动，而没有注意从绘画的角度去观察体会形成感受。而我觉得深入生活，并不是到边远山区去猎奇，更主要的是加强个人的修养，提高自己的审美情趣。注意观察身边的生活，体验、培养心的敏感程度。在一般人看来很平常的事，在我们却能看得更深、更远，这才叫深入生活。古语说的读万卷书、行万里路是深入生活的最好写照(不提高自己的修养，只行万里路是不行的)。深入生活就是开阔自己的眼界，增长自己的见识，培养高尚敏感的心灵。
一个感觉迟钝的人，走到多好的地方也不见得能画出好的画来。敏感的人，在身边日常琐事中就能感受到非常精彩的画面。
我们有深厚的文化艺术传统，我们的传统绘画拿到世界任何一个博物馆都是最好的。范宽的山水摆在卢浮宫，决不比任何油画逊色。可是我们现在的国画不行，粗制滥造的太多，而且在国外，看到我们的中国画是和工艺品摆在一起，这对我震动很大。
我们中国画虽有深厚的传统，但也容易成为包袱，束缚我们的创造力。
近两年我在国内办展较多，也有一些问题比较困惑。
本来画画是个很单纯的事，画家画自己想画的画，观者看自己愿意看的画，买自己喜欢的东西，这就行了。可它又很复杂，因为在国内一幅画的好坏不是这么简单。首先买画的人并不是十分懂画，画商左右市场，在买画之前先看这个人的位置(地位)，是不是名家，而名家的概念是这个人的画价，所以一些人的画炒到了天价。画家越来越被动，在竞争中失去了尺度，在讨好理论家、权贵、商家的过程中失去了可贵的自我。艺术不再是净土，而是随着行情去画，自然流向媚俗与平庸。
在这种情况下，我也不能免俗。除了画我探索的画外，也画一些在国内比较喜欢的东西。
我觉得，女人和花是这个世界上最美的东西，但这个美不单纯是那种表面的美，形、质的美，而是一种内在的美。我追求的是在画面上的一种境界，一种气质，一种情调，是把人物画当做山水画来画，注重画画给人的整体感受。
我更喜欢画我想画的画。最使我着迷的是每次都有意想不到的效果，很尽兴。再有就是这种画不能仿制，因为有时连我也不知道是怎么画出来的，是一种心灵的物化，把想像的东西落实到画面上，是在画的过程中靠本能、情感的瞬间判断，“偶然得之”，这正是我们在画论中追求的“妙在自然”的境界，画给人的应是感觉，而不是思想。
中国画论是很高明的，“石涛无法为法，方为至法。”根据感受，在画的过程中体验、选择、突破。一幅连自己也想不到的画面出现了。这时我才体会到了绘画的乐趣，把一个虚幻的东西落实到画面上，成了物质的精神的体现，我觉得这就是发现，创造。
1998年二三月份，我又在法国举办了第二次个展。这一段画得很兴奋，觉得自由了很多，可以随想随画，随着画面的不断深入(色、形、面)变化，形式也随之展开。人和画相互交流，逐渐达到一个忘我的境界，这是我多年追求想达到的一个境界。
我觉得，随着社会、时代的不断发展变化，对艺术要求的标准也在不断地变化(人们的欣赏要求也在变化)，但不管如何变，“真”是不变的。只有出自真心，以及由真心所感悟到的形式，才能感人。真诚是人们交往中最为宝贵的东西，也是艺术的根本。
我觉得艺术创作的根本在于情感，而情感在绘画的体现上，不仅仅是画的表面，更主要的体现在整个的作画过程中。在绘画过程中的思考、选择、处理，是集中了你的全部情感、技法、学识等于画面交流的过程。一幅好画的完成是你全部的学识、技法、情感的真实记录，而不仅仅是技法精湛的制作体现。
我们中国画现在最大的弊病就在于：技法的陈旧程式。程式是好事，但也有坏的一面，往往是想出来了，也就可以画出来，结果尽管画的表现内容不一样，可看起来却像是一幅画。在目前的不少中国画展览中部可以看到这种情况。
我自1973年正式系统地学习中国画，从事中国画的教学、创作多年，系统地掌握了中国画的各种技法和形式。现在采取随机的创作方式，掌握的各种技法、形式，在情感的支配下，得到了充分地发挥，而且有许多意外、偶然的效果，这就是在作画之前所想不到的。作画不再是一个单纯的制作过程，而是个情感、技艺发挥的场地，画面好像是一个比赛的场地，出现的每一个变化都不是事先能想得到的，都需要集中全部智慧、精力去应对，我觉得这样的画才是真实的。虽有技法，但没有固定的程式。各种技法可以根据画面的情况灵活处理运用，我觉得这是在中国画的创作上找到了一个新的突破口。
一、笔墨当随时代—谈国画如何反映时代精神
艺术是现实生活的反映，不管你自觉或不自觉，你的作品都在反映着时代的精神、人们的追求，即使是古典的题材也是现代人对古代生活的理解与想像，反映的也是当代人对生活的理解与追求。
现在我们正赶上了好的时候，没有了对作品的各种束缚，如“文革”期间的红光亮、高大全等等。这是真正的百家争鸣、百花齐放的时代。
作为艺术家，我们感到幸运，也有一种责任感。我们究竟应该拿什么样的作品呈现给观众？是一味地模仿古人，或是平庸地抄袭自然，还是深入地研究、体验、实验，发现新的角度、新的面貌，给观众带来新的感受？中国画也可以这样画，也可以这么表现，我们有这么丰厚的艺术传统，从哪一点深入研究下去，都能发现许许多多新的东西。比如我们的敦煌、永乐宫的壁画的颜色，汉代雕塑画像砖的造型，唐代的气韵，民间各种工艺的朴素的造型，热烈的颜色……从哪一点入手都能激发我们的创造力。
艺术的生命力在于创造和发现。艺术的根本源自真心，真善美。真是发自内心的最根本的东西。只有真诚才是最感人的。一个对生活、生命充满热情、真诚的人怎么会落后于这个时代呢？他应是走在时代最前面的人，最优秀的人。从这点上讲，如果笔墨作为中国画形式的代名词的话，仅仅当随时代就不够了，应超越时代，走在时代的最前面。
二、由外师造化、中得心源谈艺术源于生活、深入生活
外师造化是指观察自然，中得心源是指体验、精神的感悟，和人物画中的形神论是一个道理，指通过观察形成感受，达到表现的冲动。也就是我们所说的，神或意。
中国画的表现方法不是自然的抄袭，而是强调观察、感悟，表达的是心中的意象。
由此想到我们现在常提出的艺术家要深入生活。我觉得首先要清楚，什么是生活，生活就是个人在这个时代中的一种情感和精神，而不是表面的生活现象。
记得我们上学时，老师带我们下乡，和老乡同吃、同住、同劳动，临分手时，相互抱头痛哭，可回来却不知如何表现和表现什么。为什么呢？因为我们只是和平常人一样受了感动，而没有注意从绘画的角度去观察体会形成感受。而我觉得深入生活，并不是到边远山区去猎奇，更主要的是加强个人的修养，提高自己的审美情趣。注意观察身边的生活，体验、培养心的敏感程度。在一般人看来很平常的事，在我们却能看得更深、更远，这才叫深入生活。古语说的读万卷书、行万里路是深入生活的最好写照(不提高自己的修养，只行万里路是不行的)。深入生活就是开阔自己的眼界，增长自己的见识，培养高尚敏感的心灵。
一个感觉迟钝的人，走到多好的地方也不见得能画出好的画来。敏感的人，在身边日常琐事中就能感受到非常精彩的画面。
我们有深厚的文化艺术传统，我们的传统绘画拿到世界任何一个博物馆都是最好的。范宽的山水摆在卢浮宫，决不比任何油画逊色。可是我们现在的国画不行，粗制滥造的太多，而且在国外，看到我们的中国画是和工艺品摆在一起，这对我震动很大。
我们中国画虽有深厚的传统，但也容易成为包袱，束缚我们的创造力。
近两年我在国内办展较多，也有一些问题比较困惑。
本来画画是个很单纯的事，画家画自己想画的画，观者看自己愿意看的画，买自己喜欢的东西，这就行了。可它又很复杂，因为在国内一幅画的好坏不是这么简单。首先买画的人并不是十分懂画，画商左右市场，在买画之前先看这个人的位置(地位)，是不是名家，而名家的概念是这个人的画价，所以一些人的画炒到了天价。画家越来越被动，在竞争中失去了尺度，在讨好理论家、权贵、商家的过程中失去了可贵的自我。艺术不再是净土，而是随着行情去画，自然流向媚俗与平庸。
在这种情况下，我也不能免俗。除了画我探索的画外，也画一些在国内比较喜欢的东西。
我觉得，女人和花是这个世界上最美的东西，但这个美不单纯是那种表面的美，形、质的美，而是一种内在的美。我追求的是在画面上的一种境界，一种气质，一种情调，是把人物画当做山水画来画，注重画画给人的整体感受。
我更喜欢画我想画的画。最使我着迷的是每次都有意想不到的效果，很尽兴。再有就是这种画不能仿制，因为有时连我也不知道是怎么画出来的，是一种心灵的物化，把想像的东西落实到画面上，是在画的过程中靠本能、情感的瞬间判断，“偶然得之”，这正是我们在画论中追求的“妙在自然”的境界，画给人的应是感觉，而不是思想。
中国画论是很高明的，“石涛无法为法，方为至法。”根据感受，在画的过程中体验、选择、突破。一幅连自己也想不到的画面出现了。这时我才体会到了绘画的乐趣，把一个虚幻的东西落实到画面上，成了物质的精神的体现，我觉得这就是发现，创造。
1998年二三月份，我又在法国举办了第二次个展。这一段画得很兴奋，觉得自由了很多，可以随想随画，随着画面的不断深入(色、形、面)变化，形式也随之展开。人和画相互交流，逐渐达到一个忘我的境界，这是我多年追求想达到的一个境界。
我觉得，随着社会、时代的不断发展变化，对艺术要求的标准也在不断地变化(人们的欣赏要求也在变化)，但不管如何变，“真”是不变的。只有出自真心，以及由真心所感悟到的形式，才能感人。真诚是人们交往中最为宝贵的东西，也是艺术的根本。
我觉得艺术创作的根本在于情感，而情感在绘画的体现上，不仅仅是画的表面，更主要的体现在整个的作画过程中。在绘画过程中的思考、选择、处理，是集中了你的全部情感、技法、学识等于画面交流的过程。一幅好画的完成是你全部的学识、技法、情感的真实记录，而不仅仅是技法精湛的制作体现。
我们中国画现在最大的弊病就在于：技法的陈旧程式。程式是好事，但也有坏的一面，往往是想出来了，也就可以画出来，结果尽管画的表现内容不一样，可看起来却像是一幅画。在目前的不少中国画展览中部可以看到这种情况。
我自1973年正式系统地学习中国画，从事中国画的教学、创作多年，系统地掌握了中国画的各种技法和形式。现在采取随机的创作方式，掌握的各种技法、形式，在情感的支配下，得到了充分地发挥，而且有许多意外、偶然的效果，这就是在作画之前所想不到的。作画不再是一个单纯的制作过程，而是个情感、技艺发挥的场地，画面好像是一个比赛的场地，出现的每一个变化都不是事先能想得到的，都需要集中全部智慧、精力去应对，我觉得这样的画才是真实的。虽有技法，但没有固定的程式。各种技法可以根据画面的情况灵活处理运用，我觉得这是在中国画的创作上找到了一个新的突破口。