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中国的戏曲艺术博大精深，源远流长，有着几千年的悠久历史。伴随着中国文化的不断发展，戏曲艺术也不断蜕变，受历史、地理、文化等多元素影响，时至今日仍有几百种地方戏在全国各地广为流传。近年来，国家大力支持文化事业发展，相继颁布了一系列地方戏扶持政策，从而使中国地方戏曲艺术蓬勃发展，甚至可以说迎来了新的生机。笔者结合多年来的观剧体验及工作经历，分享了自己对地方戏舞台造型艺术设计的看法，供大家参考。
一、地方戏人物造型设计的创作理念
在戏曲舞台上完成一个人物塑造，除了演员的表演，还需要很多幕后工作者的努力，大致分为服装、化妆、道具三个部分，而这些工作在戏曲行业里都有专有的名词和规律。地方戏不同于京剧，这些工作并不是十分严格，甚至有些随意，颇有旧时草台班子的习气。不过，艺术的发展过程是去芜存菁，国家对文艺事业大力扶持，投入很多的人力物力，地方戏想要获得长足的发展，就必须实现正规化，要在舞台造型设计上走出一条独特的道路。至关重要的是，必须明确理念问题。地方戏曲的造型创作要坚持以下理念。
（一）一切为了剧情服务，切忌喧宾夺主
服装造型是为了塑造人物，让人物更为立体，所以服装造型设计要把人物的身份、年龄、家境等因素体现出来，不能凭空想象，单纯的“好看”并不适用在地方戏舞台上，戏曲讲究“宁穿破，不穿错”，可见戏曲服装对舞台人物身份的重要性。在中国传统戏曲行业里，许多服装的穿着使用是有一定规程的，不同的颜色代表不同的年龄，不同的服装代表不同的身份，不可逾越，甚至不同流派化妆的风格也不尽相同。地方戏不同于京剧，这些规定相对宽松，但是也不能违反，否则会闹出笑话。
人物要有身份层次，很多剧目在造型上忽略了角色，造型设计杂乱无章，闹出很多笑话。例如，旦角的鬓花戴得既乱且杂，寡妇角色穿出了艳色，老年贫妇穿出刺绣，这都是对故事的破坏。因此，在做服装造型设计时，必须坚持“一棵菜精神”——一切工作为了故事服务。
（二）有理可循，有据可依
一切艺术的发展都离不开创新，谁都不能反对创新，时代在发展，社会在进步，戏剧也应该与时俱进。但是，服装创新需要做到有理可循，有据可依。纵观戏剧历史，很多戏剧大师在自己的艺术人生中不断进行造型设计创新。例如，京剧大师马连良、南派京剧大师“麒麟童”周信芳，都是此道高手，他们设计的很多“私房行头”“独有扮相”成为经典，流传至今。
造型设计切忌凭空捏造。很多设计大师都是参考以往的资料，考虑古代的服装造型、纹饰等，而只凭一厢情愿创作出的造型绝对不会成功。20世纪80年代，中国拍摄了一部古典名著改编的电视剧《封神演义》，蓝天野等一众实力派演员参与，可惜收获的口碑和反响都不尽如人意，总结起来，其中人物造型的失败是重要原因。造型上的失误会让观众产生跳戏的感觉，那么无论演员如何表演都会收到事倍功半的效果。由此可见，做人物造型一定要有理有据，符合中国人的戏曲审美习惯。
（三）因地制宜，因戏制衣，保留剧种特色
顾名思义，地方戏形成于某一特定地域，有一定的流传局限性。所表现的人物很多都是当地的英雄，例如，山东人喜爱水泊梁山、武松的故事，观众看到地方戏是会有亲切感的，所以在创作某些造型时，人们还要考虑到是否有地域性，能否保留剧种的特色。
中国传统的戏曲服装讲究无论是何朝何代都穿一样的服饰，少数民族一律按旗装穿着。不过，近年来，随着文化的发展，戏曲逐渐趋于多元化，将汉服元素、影视服装元素逐渐融入，使得戏曲服装造型更加丰富。那么，在创作过程中，人们就要考虑到服装设计是否符合朝代历史，有没有民族特点，甚至要考虑能否体现某些剧种的特色，中国有很多地方戏载歌载舞。服装造型设计不能够对演员的表演產生负面影响，而是要辅助加成，否则就与初衷背道而驰。
二、创作实践的心得体会
在浅述了戏曲造型的创作理论后，下面针对整个造型的细节处理，谈一谈个人观点。
（一）色彩搭配和花纹刺绣的多元化配合
首先是色彩搭配，戏曲服装的色彩相对于影视要鲜艳很多，甚至说百花争艳。但是，笔者个人认为这并不是一个适用于所有剧目的准绳，色彩的搭配要合理，舞台的美有很多种，在剧情合适的情节中，单调的颜色也会收到意想不到的戏剧效果。服装上的纹饰、绣花也要讲究是否和服装的颜色搭配，舞台艺术是一门综合艺术，尤其是现今的戏曲艺术必须与时俱进，不同于旧时。灯光音响、道具的应用、变化更为繁复。服装的颜色加上刺绣花纹呈现的效果也要考虑能否在合适的灯光变化下体现出来，同时要考虑和其他舞台道具、背景天幕颜色是否搭调。
（二）化妆、头饰的发展
戏曲化妆是一门十分讲究的艺术，有其独特性。戏曲妆大多是油彩、重油重彩。旦角要勒头贴片子，花脸则更讲究——勾脸谱。经过几百年的积淀和发展，脸谱艺术已经发展成为能够代表中国戏曲艺术的标志。不光如此，戏曲的头饰应用更是繁复，尤其是女演员，讲究梳大头、旗装头、古装头，时至今日，很多著名演员都有自己的私房行头。新中国成立前，很多演员的头饰甚至是用真金白银、珍珠、翠鸟羽毛等多种珍稀材料制成的。
地方戏相对京剧而言要随性很多，很多的化妆造型、头饰发饰因人而异，甚至是随心所欲。这也和演员的流派风格和个人艺术追求有关。不过，无论演员拥有多么远大的艺术追求，地方戏想要发展，剧目想要长久地流传，就必须固定、成熟。服装造型和头饰发饰的应用要相对固定，这也为后学者提供学习资料和范本，另外很多造型要与时俱进，利用一些现代技术手段作为辅助。以丑角为例，地方戏大多为“三小戏”，即小生、小旦、小花脸。地方戏的剧目中，丑角占有很大比重，往往有很多喜剧因素，负责整部戏的气氛调节和情节推进。很多老艺人都曾经提出过“丑角不丑，丑中带美”，笔者看过很多地方戏剧目中脸谱勾得很“过”，将丑角恶意丑化，甚至有些骇人。这就违背了舞台艺术“美”的基本原则，因此地方戏的化妆、头饰一定要规范、美化。
（三）道具设计的合理化
戏曲艺术不同于话剧，舞台表演讲究虚拟化、程式化，忌讳一切的舞台道具和舞台背景完全写实，这样会限制住演员的表演。哪怕是现代或当代的一些剧目，也要注意舞台的虚拟性，放弃了舞台的虚拟性相当于自废武功，将自己束手束脚，导致很多的程式化表演受到限制。因而，道具的设计制作既要来源于生活，又高于生活。说它来源于生活是因为它要符合生活逻辑，笔者曾经看过讲述春秋战国时期故事的地方戏，其中居然用陶瓷酒杯，这既不符合历史，又不美观，说它高于生活是因为舞台道具要比生活中的实物略大，如手绢等，为的是适应舞台的放大性，让观众看得清，能明确知道道具的作用。需要注意的是，道具制作材料不能过重，过重的分量会影响演员的表演。道具要注意颜色的应用，与灯光相互配合，过亮、反光都会破坏观众的观感。
三、结语
戏曲是一门综合艺术，造型设计要兼容并蓄、不断发展。在发展的过程中，人们要不断总结经验，吐故纳新，以科学的戏剧规律不断改革，从舞台造型上完善戏剧创作。
（锦州市文化演艺集团）
一、地方戏人物造型设计的创作理念
在戏曲舞台上完成一个人物塑造，除了演员的表演，还需要很多幕后工作者的努力，大致分为服装、化妆、道具三个部分，而这些工作在戏曲行业里都有专有的名词和规律。地方戏不同于京剧，这些工作并不是十分严格，甚至有些随意，颇有旧时草台班子的习气。不过，艺术的发展过程是去芜存菁，国家对文艺事业大力扶持，投入很多的人力物力，地方戏想要获得长足的发展，就必须实现正规化，要在舞台造型设计上走出一条独特的道路。至关重要的是，必须明确理念问题。地方戏曲的造型创作要坚持以下理念。
（一）一切为了剧情服务，切忌喧宾夺主
服装造型是为了塑造人物，让人物更为立体，所以服装造型设计要把人物的身份、年龄、家境等因素体现出来，不能凭空想象，单纯的“好看”并不适用在地方戏舞台上，戏曲讲究“宁穿破，不穿错”，可见戏曲服装对舞台人物身份的重要性。在中国传统戏曲行业里，许多服装的穿着使用是有一定规程的，不同的颜色代表不同的年龄，不同的服装代表不同的身份，不可逾越，甚至不同流派化妆的风格也不尽相同。地方戏不同于京剧，这些规定相对宽松，但是也不能违反，否则会闹出笑话。
人物要有身份层次，很多剧目在造型上忽略了角色，造型设计杂乱无章，闹出很多笑话。例如，旦角的鬓花戴得既乱且杂，寡妇角色穿出了艳色，老年贫妇穿出刺绣，这都是对故事的破坏。因此，在做服装造型设计时，必须坚持“一棵菜精神”——一切工作为了故事服务。
（二）有理可循，有据可依
一切艺术的发展都离不开创新，谁都不能反对创新，时代在发展，社会在进步，戏剧也应该与时俱进。但是，服装创新需要做到有理可循，有据可依。纵观戏剧历史，很多戏剧大师在自己的艺术人生中不断进行造型设计创新。例如，京剧大师马连良、南派京剧大师“麒麟童”周信芳，都是此道高手，他们设计的很多“私房行头”“独有扮相”成为经典，流传至今。
造型设计切忌凭空捏造。很多设计大师都是参考以往的资料，考虑古代的服装造型、纹饰等，而只凭一厢情愿创作出的造型绝对不会成功。20世纪80年代，中国拍摄了一部古典名著改编的电视剧《封神演义》，蓝天野等一众实力派演员参与，可惜收获的口碑和反响都不尽如人意，总结起来，其中人物造型的失败是重要原因。造型上的失误会让观众产生跳戏的感觉，那么无论演员如何表演都会收到事倍功半的效果。由此可见，做人物造型一定要有理有据，符合中国人的戏曲审美习惯。
（三）因地制宜，因戏制衣，保留剧种特色
顾名思义，地方戏形成于某一特定地域，有一定的流传局限性。所表现的人物很多都是当地的英雄，例如，山东人喜爱水泊梁山、武松的故事，观众看到地方戏是会有亲切感的，所以在创作某些造型时，人们还要考虑到是否有地域性，能否保留剧种的特色。
中国传统的戏曲服装讲究无论是何朝何代都穿一样的服饰，少数民族一律按旗装穿着。不过，近年来，随着文化的发展，戏曲逐渐趋于多元化，将汉服元素、影视服装元素逐渐融入，使得戏曲服装造型更加丰富。那么，在创作过程中，人们就要考虑到服装设计是否符合朝代历史，有没有民族特点，甚至要考虑能否体现某些剧种的特色，中国有很多地方戏载歌载舞。服装造型设计不能够对演员的表演產生负面影响，而是要辅助加成，否则就与初衷背道而驰。
二、创作实践的心得体会
在浅述了戏曲造型的创作理论后，下面针对整个造型的细节处理，谈一谈个人观点。
（一）色彩搭配和花纹刺绣的多元化配合
首先是色彩搭配，戏曲服装的色彩相对于影视要鲜艳很多，甚至说百花争艳。但是，笔者个人认为这并不是一个适用于所有剧目的准绳，色彩的搭配要合理，舞台的美有很多种，在剧情合适的情节中，单调的颜色也会收到意想不到的戏剧效果。服装上的纹饰、绣花也要讲究是否和服装的颜色搭配，舞台艺术是一门综合艺术，尤其是现今的戏曲艺术必须与时俱进，不同于旧时。灯光音响、道具的应用、变化更为繁复。服装的颜色加上刺绣花纹呈现的效果也要考虑能否在合适的灯光变化下体现出来，同时要考虑和其他舞台道具、背景天幕颜色是否搭调。
（二）化妆、头饰的发展
戏曲化妆是一门十分讲究的艺术，有其独特性。戏曲妆大多是油彩、重油重彩。旦角要勒头贴片子，花脸则更讲究——勾脸谱。经过几百年的积淀和发展，脸谱艺术已经发展成为能够代表中国戏曲艺术的标志。不光如此，戏曲的头饰应用更是繁复，尤其是女演员，讲究梳大头、旗装头、古装头，时至今日，很多著名演员都有自己的私房行头。新中国成立前，很多演员的头饰甚至是用真金白银、珍珠、翠鸟羽毛等多种珍稀材料制成的。
地方戏相对京剧而言要随性很多，很多的化妆造型、头饰发饰因人而异，甚至是随心所欲。这也和演员的流派风格和个人艺术追求有关。不过，无论演员拥有多么远大的艺术追求，地方戏想要发展，剧目想要长久地流传，就必须固定、成熟。服装造型和头饰发饰的应用要相对固定，这也为后学者提供学习资料和范本，另外很多造型要与时俱进，利用一些现代技术手段作为辅助。以丑角为例，地方戏大多为“三小戏”，即小生、小旦、小花脸。地方戏的剧目中，丑角占有很大比重，往往有很多喜剧因素，负责整部戏的气氛调节和情节推进。很多老艺人都曾经提出过“丑角不丑，丑中带美”，笔者看过很多地方戏剧目中脸谱勾得很“过”，将丑角恶意丑化，甚至有些骇人。这就违背了舞台艺术“美”的基本原则，因此地方戏的化妆、头饰一定要规范、美化。
（三）道具设计的合理化
戏曲艺术不同于话剧，舞台表演讲究虚拟化、程式化，忌讳一切的舞台道具和舞台背景完全写实，这样会限制住演员的表演。哪怕是现代或当代的一些剧目，也要注意舞台的虚拟性，放弃了舞台的虚拟性相当于自废武功，将自己束手束脚，导致很多的程式化表演受到限制。因而，道具的设计制作既要来源于生活，又高于生活。说它来源于生活是因为它要符合生活逻辑，笔者曾经看过讲述春秋战国时期故事的地方戏，其中居然用陶瓷酒杯，这既不符合历史，又不美观，说它高于生活是因为舞台道具要比生活中的实物略大，如手绢等，为的是适应舞台的放大性，让观众看得清，能明确知道道具的作用。需要注意的是，道具制作材料不能过重，过重的分量会影响演员的表演。道具要注意颜色的应用，与灯光相互配合，过亮、反光都会破坏观众的观感。
三、结语
戏曲是一门综合艺术，造型设计要兼容并蓄、不断发展。在发展的过程中，人们要不断总结经验，吐故纳新，以科学的戏剧规律不断改革，从舞台造型上完善戏剧创作。
（锦州市文化演艺集团）