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从古希腊的吟唱史诗及古罗马的颂歌，到中世纪的圣咏和复调合唱，再到十六世纪末的抒情性音乐剧（歌剧）的兴起，歌唱的形式经历了一个从独唱发展到合唱，再发展到比较高级的独唱的过程。尤其是歌剧的产生和发展、推动了声乐艺术的发展。
在美声唱法形成的早期，意大利的大多数声乐曲作者也是声乐教师或演唱者。这是因为当时培养歌手要有在固定歌调上即兴加花的能力，从小就在乐理、复调、和声、对位、视唱、键盘、文化课等方面予以全面的训练。因此，当时的歌手都具备作曲家的学识和艺术修养。他们理解嗓音的天生规律，把不同程度、不同层次的带情感的声音作为他们创作的基础；又深知如何发挥声乐技巧的创作规律，他们的作品旋律既优美动人而又富于歌唱。美声唱法歌唱艺术的发展是由复调音乐转为单声部旋律的变化而促成的。在复调作品中，旋律线由几个不同的声部唱出，形成一种复合音乐织体；而新的歌唱艺术风格则使某一单声部的旋律线居主导地位，由乐器或乐队伴奏，表现出歌唱家华丽的歌声和高超的技艺特点。
一、美声唱法的演唱风格
历代欧美音乐评论家往往着重从“风格”和“学派”即从艺术和技术两个方面来评论歌剧或音乐会演出。通过对“风格”的评论，可以看出演唱者的艺术修养，语音技巧以及对乐曲的理解是否充足、全面；而通过从“学派”角度进行评论，可以看出演唱者是否受过足够的美声学派的严格正规训练。总的说来，美声学派的演唱风格基本上分以下三大类：
1.平易、朴素的演唱
这是各种演唱风格的基础，适合的作品面最宽，如17世纪意大利古典咏叹调和舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等人的艺术歌曲，以及一切抒情性的歌剧咏叹调。
2.加花的装饰性演唱
（1）灵活性加花一般说来，这种唱法声音较“浅”，喉器较高，音色如长笛。此种唱法为花腔女高音所应用，以起音干净，声音有弹性和灵活性，高音以清脆、轻松见长。
（2）华丽性加花是用较丰满的声音演唱。声音有威力，有热情，并富有戏剧性的表现力，在速度不是很快的情况下，可以作华丽、灵活的花腔和装饰性演唱，是花腔演唱中最辉煌的演唱风格。多为全能型女声所用。
（3）点缀性加花以抒情为主，点缀少量装饰性花腔。多为抒情性声部所用。
3.朗诵性演唱
（1）严肃的朗诵性演唱常用较丰满的连贯的、富有歌唱性的朗诵式演唱。
（2）诙谐的朗诵性演唱在演唱有乐队伴奏的宣叙调时，同严肃的朗诵性演唱风格相同；在演唱用羽键琴和弦伴奏的清唱宣叙调（Recitativosecco）时，则常用近似说话、半说话式的（quasi-par lando）、轻松的声调，偶尔在突出的喜剧效果处才用说白。
二、美声唱法的技术要求与教学方法
美声唱法需要五年以上的长期训练，因为它的教学原则立足于大量反复试验，不断摸索，它是以特殊发声机能为基础的艺术形式。但是由于当时的科学尚不发达，只能做出一些经验主义的总结，不能从科学理论上解释。但是这种传统的美声学派教学方式，表面看来似乎“不够具体”，“玄妙而不易理解”，但实际上却是很有成效的，意大利至今仍保持这种传统。用这样的方式训练出来的声音比较自然，能较好地培养声情并茂的良好演唱状态。随着美声教学的成熟，声音训练方面的各种技术也日趋规范，主要表现在以下几个方面：
1.歌唱语言：必须首先深入理解歌词，从歌曲内容出发去追求高度的艺术表现。要求歌唱吐字要像说话那样清晰、亲切。但如果真用说话时的发声、吐字去唱歌，就会产生“有字无声”的状态，不能满足歌唱“字正腔圆”的要求。所以要求“像说话”，而不是“真说话”的状态。咬字时要求增大上下臼齿之间的距离，喉咙就会随着打开：子音要靠前，母音相对地来说则要靠后。子音容易破坏声音的连贯性，所以子音要发得迅速而果断，发出后要立即回到母音的发声部位上来，这样才能做到“字正腔圆”。
2.正确的音准、节奏：严格训练音准、节奏。特别是十七世纪末以后，盛行即兴演唱高难度的花腔华彩乐段，演唱这些无伴奏的即兴花腔需要很好的听觉和音准、节奏基础。正确的呼吸：美声强调呼吸是歌唱的基础，要求“歌唱时保持吸气的状态”，“在气息支持下歌唱”，用胸腹式呼吸方法。要求用调整呼吸状态来调整歌唱状态。
3.准确的起音：要求起音轻松、明亮、准确、圆润。起音是良好发声的基础，是调整气息及喉头状态以及集中共鸣的最基本手段。而要完成良好的起音，一定要正确呼吸、喉头稳定、思想集中、心理上作好充分的准备、声门
闭全、挡气和呼气通过声门并振动声带这一对矛盾的恰如其分的配合。
三、美声唱法概念的历史演变
二十世纪随着科学技术的发展，声乐教学、演唱实践和理论研究，在继承十九世纪传统的同时有所发展。由于二十世纪科技发展迅速，为生理声学、物理声学的科学研究提供了条件。生理学家、语音学家，声学专家和医生们对声带的机能及振动方式作了大量的科学研究。尽管他们在研究过程中对某些问题还有分歧，但在下列几点认识上是一致的：
1.演唱中低声区时，声带以重机能状态全长振动，振幅较大，声带厚度作波状运动，也就是声带振动时声带较长、宽厚，发出的声音音质较浑厚、雄壮。这就是美声唱法中所谓的胸声。
2.在演唱高声区时，声带以轻机能状态边缘振动，振幅较小，也就是声带振动时声带体积（部分振动）、薄（边缘振动）、窄（振幅小又频率高），发出的声音较高亢、嘹亮，有金属色彩。这就是美声唱法中所谓的头声。
3.在唱假声时，声带比唱真声时松弛并有梭形小缝，作轻机能状态运动，假声没有金属色彩的音色。胸声、头声、假声三种不同的声带机能状态，发出三种不同的音质，胸声和头声同样是声带拉紧的“真声”，区别是：胸声是作重机能状态运动，头声是作轻机能状态运动；头声和假声同样是作轻机能状态运动，区别是头声带拉紧闭严的，假声是声带较松弛有缝隙的状态。这三种状态都可以单独使用，但在教学和演唱中使用的是一种混合状态，即混声。在不同声区、不同音高，混声的比例不同。
4.共鸣：人体发声声道可分成固定不变的和可变两大部分。声带以下的腔体如气管、支气管和胸腔等在声带振动发声时起一定的共鸣作用，但不能控制和调整。同样，鼻腔、蝶窦、额窦、鼻窦等腔体从理论上讲可能有极微量的共鸣，但也不能调整。因此，具有良好共鸣的声音及母音的雏形是从声带到鼻咽之下的口咽部这段距离形成的。口腔只是对母音的完善和完成起作用，对声音的共鸣起辅助性作用。对共鸣起决定性作用的是咽管。
美声唱法在它产生和发展过程中，逐渐成熟和完善并成为一个科学的声乐体系，它能在世界声乐史上达到一个光辉的顶峰，依靠的正是那些严格、准确的技术要求和训练，还有那些动人的声乐作品和杰出的歌唱家们炉火纯青的高超技艺。
在美声唱法形成的早期，意大利的大多数声乐曲作者也是声乐教师或演唱者。这是因为当时培养歌手要有在固定歌调上即兴加花的能力，从小就在乐理、复调、和声、对位、视唱、键盘、文化课等方面予以全面的训练。因此，当时的歌手都具备作曲家的学识和艺术修养。他们理解嗓音的天生规律，把不同程度、不同层次的带情感的声音作为他们创作的基础；又深知如何发挥声乐技巧的创作规律，他们的作品旋律既优美动人而又富于歌唱。美声唱法歌唱艺术的发展是由复调音乐转为单声部旋律的变化而促成的。在复调作品中，旋律线由几个不同的声部唱出，形成一种复合音乐织体；而新的歌唱艺术风格则使某一单声部的旋律线居主导地位，由乐器或乐队伴奏，表现出歌唱家华丽的歌声和高超的技艺特点。
一、美声唱法的演唱风格
历代欧美音乐评论家往往着重从“风格”和“学派”即从艺术和技术两个方面来评论歌剧或音乐会演出。通过对“风格”的评论，可以看出演唱者的艺术修养，语音技巧以及对乐曲的理解是否充足、全面；而通过从“学派”角度进行评论，可以看出演唱者是否受过足够的美声学派的严格正规训练。总的说来，美声学派的演唱风格基本上分以下三大类：
1.平易、朴素的演唱
这是各种演唱风格的基础，适合的作品面最宽，如17世纪意大利古典咏叹调和舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等人的艺术歌曲，以及一切抒情性的歌剧咏叹调。
2.加花的装饰性演唱
（1）灵活性加花一般说来，这种唱法声音较“浅”，喉器较高，音色如长笛。此种唱法为花腔女高音所应用，以起音干净，声音有弹性和灵活性，高音以清脆、轻松见长。
（2）华丽性加花是用较丰满的声音演唱。声音有威力，有热情，并富有戏剧性的表现力，在速度不是很快的情况下，可以作华丽、灵活的花腔和装饰性演唱，是花腔演唱中最辉煌的演唱风格。多为全能型女声所用。
（3）点缀性加花以抒情为主，点缀少量装饰性花腔。多为抒情性声部所用。
3.朗诵性演唱
（1）严肃的朗诵性演唱常用较丰满的连贯的、富有歌唱性的朗诵式演唱。
（2）诙谐的朗诵性演唱在演唱有乐队伴奏的宣叙调时，同严肃的朗诵性演唱风格相同；在演唱用羽键琴和弦伴奏的清唱宣叙调（Recitativosecco）时，则常用近似说话、半说话式的（quasi-par lando）、轻松的声调，偶尔在突出的喜剧效果处才用说白。
二、美声唱法的技术要求与教学方法
美声唱法需要五年以上的长期训练，因为它的教学原则立足于大量反复试验，不断摸索，它是以特殊发声机能为基础的艺术形式。但是由于当时的科学尚不发达，只能做出一些经验主义的总结，不能从科学理论上解释。但是这种传统的美声学派教学方式，表面看来似乎“不够具体”，“玄妙而不易理解”，但实际上却是很有成效的，意大利至今仍保持这种传统。用这样的方式训练出来的声音比较自然，能较好地培养声情并茂的良好演唱状态。随着美声教学的成熟，声音训练方面的各种技术也日趋规范，主要表现在以下几个方面：
1.歌唱语言：必须首先深入理解歌词，从歌曲内容出发去追求高度的艺术表现。要求歌唱吐字要像说话那样清晰、亲切。但如果真用说话时的发声、吐字去唱歌，就会产生“有字无声”的状态，不能满足歌唱“字正腔圆”的要求。所以要求“像说话”，而不是“真说话”的状态。咬字时要求增大上下臼齿之间的距离，喉咙就会随着打开：子音要靠前，母音相对地来说则要靠后。子音容易破坏声音的连贯性，所以子音要发得迅速而果断，发出后要立即回到母音的发声部位上来，这样才能做到“字正腔圆”。
2.正确的音准、节奏：严格训练音准、节奏。特别是十七世纪末以后，盛行即兴演唱高难度的花腔华彩乐段，演唱这些无伴奏的即兴花腔需要很好的听觉和音准、节奏基础。正确的呼吸：美声强调呼吸是歌唱的基础，要求“歌唱时保持吸气的状态”，“在气息支持下歌唱”，用胸腹式呼吸方法。要求用调整呼吸状态来调整歌唱状态。
3.准确的起音：要求起音轻松、明亮、准确、圆润。起音是良好发声的基础，是调整气息及喉头状态以及集中共鸣的最基本手段。而要完成良好的起音，一定要正确呼吸、喉头稳定、思想集中、心理上作好充分的准备、声门
闭全、挡气和呼气通过声门并振动声带这一对矛盾的恰如其分的配合。
三、美声唱法概念的历史演变
二十世纪随着科学技术的发展，声乐教学、演唱实践和理论研究，在继承十九世纪传统的同时有所发展。由于二十世纪科技发展迅速，为生理声学、物理声学的科学研究提供了条件。生理学家、语音学家，声学专家和医生们对声带的机能及振动方式作了大量的科学研究。尽管他们在研究过程中对某些问题还有分歧，但在下列几点认识上是一致的：
1.演唱中低声区时，声带以重机能状态全长振动，振幅较大，声带厚度作波状运动，也就是声带振动时声带较长、宽厚，发出的声音音质较浑厚、雄壮。这就是美声唱法中所谓的胸声。
2.在演唱高声区时，声带以轻机能状态边缘振动，振幅较小，也就是声带振动时声带体积（部分振动）、薄（边缘振动）、窄（振幅小又频率高），发出的声音较高亢、嘹亮，有金属色彩。这就是美声唱法中所谓的头声。
3.在唱假声时，声带比唱真声时松弛并有梭形小缝，作轻机能状态运动，假声没有金属色彩的音色。胸声、头声、假声三种不同的声带机能状态，发出三种不同的音质，胸声和头声同样是声带拉紧的“真声”，区别是：胸声是作重机能状态运动，头声是作轻机能状态运动；头声和假声同样是作轻机能状态运动，区别是头声带拉紧闭严的，假声是声带较松弛有缝隙的状态。这三种状态都可以单独使用，但在教学和演唱中使用的是一种混合状态，即混声。在不同声区、不同音高，混声的比例不同。
4.共鸣：人体发声声道可分成固定不变的和可变两大部分。声带以下的腔体如气管、支气管和胸腔等在声带振动发声时起一定的共鸣作用，但不能控制和调整。同样，鼻腔、蝶窦、额窦、鼻窦等腔体从理论上讲可能有极微量的共鸣，但也不能调整。因此，具有良好共鸣的声音及母音的雏形是从声带到鼻咽之下的口咽部这段距离形成的。口腔只是对母音的完善和完成起作用，对声音的共鸣起辅助性作用。对共鸣起决定性作用的是咽管。
美声唱法在它产生和发展过程中，逐渐成熟和完善并成为一个科学的声乐体系，它能在世界声乐史上达到一个光辉的顶峰，依靠的正是那些严格、准确的技术要求和训练，还有那些动人的声乐作品和杰出的歌唱家们炉火纯青的高超技艺。