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一、关于作品的文学性的把握
歌剧的咏叹调与文学有着密不可分的联系，歌剧是音乐与戏剧的结合。歌剧中的戏剧性，是通过完整的故事情节来塑造人物形象、刻画人物性格的。歌剧的文学脚本在歌剧的音乐地位中是非常重要的。俗话说“剧本，剧之根本”；西方的歌剧脚本大多是从已有的文史典籍中提取题材、故事和激情。像歌剧诞生之地意大利，它的剧本大多是由古希腊神话故事与圣经故事及世界名著改编而成。艺术歌曲与歌剧不同，艺术歌曲的歌词来源于诗歌，故事内容及演唱角色没有歌剧复杂、戏剧。它将诗歌作为音乐的血脉，音乐赋予诗歌灵魂，完全不同于歌剧的咏叹调的艺术创作。它虽然内容相对简单、短小，但文学性极强，要将作品中深刻的内涵和深邃的思想准确表达，对歌剧学生的文学功底是一个很大的考验和提升。
二、关于作品的音乐风格的把握
歌剧一般是通过故事情节来塑造艺术形象、展现音乐主题和艺术思想的。歌剧的声乐曲调一定要和故事情节的具体描绘紧密贴合。故事中人物的情感宣泄、思想表达，作者看法态度的表达是作者的创作目的。歌剧旋律的创作必须遵循人物性格、情感状况、戏剧情境音乐旋律特点：音域宽广，旋律音程舒展、开放、多有频繁大跳，动感流畅，上下音节经常出现。节奏上脉络清晰、线条明确、棱角分明；曲调上：转调明确简单，整体布局强。 艺术歌曲是通过诗歌来表达艺术形象和音乐主题、艺术思想的。塑造艺术形象不是它的根本目的、而是通过艺术形象来进行自省式的思考。所以艺术歌曲要遵循“务虚”的原则。它的曲调内敛，作品往往不会直抒胸臆，发泄情感和表达态度。而是精神上深入刻画和提升。音乐旋律音程平稳、音域宽度适中、音乐大跳和上下音音阶流动不频繁。总的来说旋律控制多于外放，内藏多于外露。节奏上是以诗歌语言的语态、语势、语感对节奏进行艺术上的布局和安排。调式调性上离调、转调自由、多变，调性上色彩丰富，变化频繁。艺术歌曲的严谨对学生学习的习惯、歌唱技巧、文学素质的培养都有一定积极性的影响。歌剧的情感上的开放，宽广对学生歌唱技能和艺术舞台表现，因此声乐教学有着不可替代性和不可忽视性。在学习中在演唱歌剧、艺术歌曲时，学生（包括老师）要能很好地区分和把握声音、技巧、情感的，表现。
三、关于音准的把握
歌剧是一门大型舞台综合艺术表现形式。演唱形式有：宣叙调、咏叹调、独唱、重唱、合唱等。在巨大的舞台和庞大的交响乐团合作中，要有好的舞台效果，演唱者就一定要有嘹亮宽广的嗓音和丰满的、具有穿透力的共鸣。歌剧唱段中戏剧冲突使音域跨度大，力度对比强烈。如作品《啊！满园鲜花凋零》《心爱的名字》两个八度的大跳；《晴朗的一天》由p-ff力度的变化。在演唱中，演唱者的声音要有收放自如的功力。表达出作品中跌宕起伏、戏剧性的故事情节。在对学生的声音要有针对练习：1、对学生声音张力进行大力度的练习（练习曲：1、渐强减弱。2、大跳。3、大段上下音节跑动等）；2、对学生演唱进行声音上角色个性塑造性的练习。3、在演唱中让学生要逐渐形成自己声音的特性与个性，具有极强穿透力辨识度的声音。艺术歌曲是一门室内性质的、以音乐为主的演唱的声乐形式，大多是钢琴或小型室内乐队（四人弦乐）来进行伴奏。它不要求洪大、响亮，戏剧性的声音效果，但要求声音与伴奏乐器音量平衡，在室内演唱时要求与乐队音量平衡，在不同场地根据情况进行声音调整和控制。艺术歌曲对音色、音质、音调的要求更高、更细、更精准。有时一首作品中有一个角色、也可能有多个角色，需要歌者调整和变换。如作品，《魔王》《献词》。对学生声音的训练上：1、细致控制性练习（加强连贯音符练习、加强气息的控制练习）。2、音色转换性练习、调性音准的练习（音色明暗性练习、加强声音调性感的练习）。3、加强声音内在情感和极具诗韵的练习。
四、关于音乐情感的把握
歌曲中的情感是作品的“灵魂”，只有将作品中情感的灵魂敷在演唱人物的肉体上，其所演绎的声乐作品才是富有艺术生命的。歌剧具有音乐性和戏剧性两种特征，他的选曲主要是说明故事缘由、宣泄情绪、表达当时的人物情感。歌剧的表达是有一个历程的，是由连续不断的戏剧片段完成一个人物形象的塑造。歌剧戏剧唱段分为抒情性、叙述性、戏剧冲突性三段，每段唱功分配明确。艺术歌曲具有音乐性和诗歌性两大特点。作品中充满了对生活的思考、哲理性的人生思辨、自我的内在审视，艺术歌曲的作品更多的是表现一种情怀。他没有复杂的戏剧冲突，作品表达的是作曲家和诗人对人生长期的的经历的感悟，是情感的一种沉淀。在艺术歌曲里也会出现抒情、叙述、戏剧冲突，但它是对借物抒情、借物喻人或借物思考。艺术歌曲主要是塑造共性形象来表达自己的情感、情怀。
五、关于音乐语言的把握
艺术歌曲的音乐写作，是作曲家根据歌词音调、诗词韵律来进行谱写的。音乐与诗韵和吟诵的语调完美融合。美丽的诗词谱上恰当的旋律，通过高低起伏、强弱不一的歌曲中起伏变化的音符来表现。那怎样才能将作曲家谱写的诗词和音乐完美结合的音乐作品展现给大家，这对声乐演唱者的能力及演唱作品时需遵循的严谨度是有很高的要求的。对高校里学习声乐的学生，特别是初进大学的声乐学习者来说，规范严谨的歌唱，对学生养成良好的歌唱习惯和打下扎实的演唱功底，是非常有必要的。演唱中严格遵循作曲家的标示规范演唱，才不会破坏作品本身的意境和所要表达的内涵。我们以作品为例，例如中国作品《我住长江头》，注意歌曲的作曲家在曲谱上的标注1、全曲速度要是Allegro ma non troppo（快，但不要太过分）2、出现p（弱）、f（强）符号时注意音量的调整。3、没有rit出现时不要随意渐慢渐快，破坏作品的整体情感状态。再如外国作品《圣母颂》，1、速度sehr langsam（很慢）速度舒缓流畅、自然，全曲保持平稳虔诚的述说感，没有大强度的力度变化。2、注意附点和装饰音的演唱准确。3、临时升降变化音的演唱音准。这些要求大家看了也许会觉得这太简单太平常，不值一说，但就是这些简单不能再简单的音乐符号往往被老师们在教学中忽视，使学生在学习中规范演唱基本功打得不牢，在以后的作品演唱中表现总是差强人意。
艺术歌曲是培养严谨和规范的歌唱理念，积累音乐素养，形成多样化风格的演唱形式，建立舒展和沉稳的气息，培养良好稳定的音色则显得尤为重要。艺术歌曲体裁广泛，它包含着各种特征和感情形式。同时它又具有相对单纯的语言、独立的民族、地域和时代风格。从声乐演唱基础要求难度适中，特别适合声乐学习中初级和中的学生。在开始的学习中有不可替代的地位。歌剧的音乐创作的脚本大多是来自文史典籍，像早期的意大利歌剧体裁、故事情节都来自神话故事和圣经等。歌剧在要求声乐技巧同时，还要求歌者在舞台上有较强的戏剧表现力。有时在不同环境要有一定的即兴成分。演唱上突出戏剧性、展现角色形象的声音塑造和性格上，有独特功能。就是同一角色在不同的阶段、人物唱段在音乐、音色运用上其风格也会大有不同。学生在练习歌剧时要反复推敲、琢磨作品的性格和情景了解剧情时对演唱的能力和声音力度，音色，和学习演唱者表情的细微变化处理与剧情始终吻合的能力。歌剧对不断提升和巩固学生歌唱技能、基本功，锻炼学生艺术形象创造能力形成完善和稳定的声音技能以及独特的艺术表演风格有重要作用。
作者简介：
薛娇，湖南女子学院艺术表演系。
歌剧的咏叹调与文学有着密不可分的联系，歌剧是音乐与戏剧的结合。歌剧中的戏剧性，是通过完整的故事情节来塑造人物形象、刻画人物性格的。歌剧的文学脚本在歌剧的音乐地位中是非常重要的。俗话说“剧本，剧之根本”；西方的歌剧脚本大多是从已有的文史典籍中提取题材、故事和激情。像歌剧诞生之地意大利，它的剧本大多是由古希腊神话故事与圣经故事及世界名著改编而成。艺术歌曲与歌剧不同，艺术歌曲的歌词来源于诗歌，故事内容及演唱角色没有歌剧复杂、戏剧。它将诗歌作为音乐的血脉，音乐赋予诗歌灵魂，完全不同于歌剧的咏叹调的艺术创作。它虽然内容相对简单、短小，但文学性极强，要将作品中深刻的内涵和深邃的思想准确表达，对歌剧学生的文学功底是一个很大的考验和提升。
二、关于作品的音乐风格的把握
歌剧一般是通过故事情节来塑造艺术形象、展现音乐主题和艺术思想的。歌剧的声乐曲调一定要和故事情节的具体描绘紧密贴合。故事中人物的情感宣泄、思想表达，作者看法态度的表达是作者的创作目的。歌剧旋律的创作必须遵循人物性格、情感状况、戏剧情境音乐旋律特点：音域宽广，旋律音程舒展、开放、多有频繁大跳，动感流畅，上下音节经常出现。节奏上脉络清晰、线条明确、棱角分明；曲调上：转调明确简单，整体布局强。 艺术歌曲是通过诗歌来表达艺术形象和音乐主题、艺术思想的。塑造艺术形象不是它的根本目的、而是通过艺术形象来进行自省式的思考。所以艺术歌曲要遵循“务虚”的原则。它的曲调内敛，作品往往不会直抒胸臆，发泄情感和表达态度。而是精神上深入刻画和提升。音乐旋律音程平稳、音域宽度适中、音乐大跳和上下音音阶流动不频繁。总的来说旋律控制多于外放，内藏多于外露。节奏上是以诗歌语言的语态、语势、语感对节奏进行艺术上的布局和安排。调式调性上离调、转调自由、多变，调性上色彩丰富，变化频繁。艺术歌曲的严谨对学生学习的习惯、歌唱技巧、文学素质的培养都有一定积极性的影响。歌剧的情感上的开放，宽广对学生歌唱技能和艺术舞台表现，因此声乐教学有着不可替代性和不可忽视性。在学习中在演唱歌剧、艺术歌曲时，学生（包括老师）要能很好地区分和把握声音、技巧、情感的，表现。
三、关于音准的把握
歌剧是一门大型舞台综合艺术表现形式。演唱形式有：宣叙调、咏叹调、独唱、重唱、合唱等。在巨大的舞台和庞大的交响乐团合作中，要有好的舞台效果，演唱者就一定要有嘹亮宽广的嗓音和丰满的、具有穿透力的共鸣。歌剧唱段中戏剧冲突使音域跨度大，力度对比强烈。如作品《啊！满园鲜花凋零》《心爱的名字》两个八度的大跳；《晴朗的一天》由p-ff力度的变化。在演唱中，演唱者的声音要有收放自如的功力。表达出作品中跌宕起伏、戏剧性的故事情节。在对学生的声音要有针对练习：1、对学生声音张力进行大力度的练习（练习曲：1、渐强减弱。2、大跳。3、大段上下音节跑动等）；2、对学生演唱进行声音上角色个性塑造性的练习。3、在演唱中让学生要逐渐形成自己声音的特性与个性，具有极强穿透力辨识度的声音。艺术歌曲是一门室内性质的、以音乐为主的演唱的声乐形式，大多是钢琴或小型室内乐队（四人弦乐）来进行伴奏。它不要求洪大、响亮，戏剧性的声音效果，但要求声音与伴奏乐器音量平衡，在室内演唱时要求与乐队音量平衡，在不同场地根据情况进行声音调整和控制。艺术歌曲对音色、音质、音调的要求更高、更细、更精准。有时一首作品中有一个角色、也可能有多个角色，需要歌者调整和变换。如作品，《魔王》《献词》。对学生声音的训练上：1、细致控制性练习（加强连贯音符练习、加强气息的控制练习）。2、音色转换性练习、调性音准的练习（音色明暗性练习、加强声音调性感的练习）。3、加强声音内在情感和极具诗韵的练习。
四、关于音乐情感的把握
歌曲中的情感是作品的“灵魂”，只有将作品中情感的灵魂敷在演唱人物的肉体上，其所演绎的声乐作品才是富有艺术生命的。歌剧具有音乐性和戏剧性两种特征，他的选曲主要是说明故事缘由、宣泄情绪、表达当时的人物情感。歌剧的表达是有一个历程的，是由连续不断的戏剧片段完成一个人物形象的塑造。歌剧戏剧唱段分为抒情性、叙述性、戏剧冲突性三段，每段唱功分配明确。艺术歌曲具有音乐性和诗歌性两大特点。作品中充满了对生活的思考、哲理性的人生思辨、自我的内在审视，艺术歌曲的作品更多的是表现一种情怀。他没有复杂的戏剧冲突，作品表达的是作曲家和诗人对人生长期的的经历的感悟，是情感的一种沉淀。在艺术歌曲里也会出现抒情、叙述、戏剧冲突，但它是对借物抒情、借物喻人或借物思考。艺术歌曲主要是塑造共性形象来表达自己的情感、情怀。
五、关于音乐语言的把握
艺术歌曲的音乐写作，是作曲家根据歌词音调、诗词韵律来进行谱写的。音乐与诗韵和吟诵的语调完美融合。美丽的诗词谱上恰当的旋律，通过高低起伏、强弱不一的歌曲中起伏变化的音符来表现。那怎样才能将作曲家谱写的诗词和音乐完美结合的音乐作品展现给大家，这对声乐演唱者的能力及演唱作品时需遵循的严谨度是有很高的要求的。对高校里学习声乐的学生，特别是初进大学的声乐学习者来说，规范严谨的歌唱，对学生养成良好的歌唱习惯和打下扎实的演唱功底，是非常有必要的。演唱中严格遵循作曲家的标示规范演唱，才不会破坏作品本身的意境和所要表达的内涵。我们以作品为例，例如中国作品《我住长江头》，注意歌曲的作曲家在曲谱上的标注1、全曲速度要是Allegro ma non troppo（快，但不要太过分）2、出现p（弱）、f（强）符号时注意音量的调整。3、没有rit出现时不要随意渐慢渐快，破坏作品的整体情感状态。再如外国作品《圣母颂》，1、速度sehr langsam（很慢）速度舒缓流畅、自然，全曲保持平稳虔诚的述说感，没有大强度的力度变化。2、注意附点和装饰音的演唱准确。3、临时升降变化音的演唱音准。这些要求大家看了也许会觉得这太简单太平常，不值一说，但就是这些简单不能再简单的音乐符号往往被老师们在教学中忽视，使学生在学习中规范演唱基本功打得不牢，在以后的作品演唱中表现总是差强人意。
艺术歌曲是培养严谨和规范的歌唱理念，积累音乐素养，形成多样化风格的演唱形式，建立舒展和沉稳的气息，培养良好稳定的音色则显得尤为重要。艺术歌曲体裁广泛，它包含着各种特征和感情形式。同时它又具有相对单纯的语言、独立的民族、地域和时代风格。从声乐演唱基础要求难度适中，特别适合声乐学习中初级和中的学生。在开始的学习中有不可替代的地位。歌剧的音乐创作的脚本大多是来自文史典籍，像早期的意大利歌剧体裁、故事情节都来自神话故事和圣经等。歌剧在要求声乐技巧同时，还要求歌者在舞台上有较强的戏剧表现力。有时在不同环境要有一定的即兴成分。演唱上突出戏剧性、展现角色形象的声音塑造和性格上，有独特功能。就是同一角色在不同的阶段、人物唱段在音乐、音色运用上其风格也会大有不同。学生在练习歌剧时要反复推敲、琢磨作品的性格和情景了解剧情时对演唱的能力和声音力度，音色，和学习演唱者表情的细微变化处理与剧情始终吻合的能力。歌剧对不断提升和巩固学生歌唱技能、基本功，锻炼学生艺术形象创造能力形成完善和稳定的声音技能以及独特的艺术表演风格有重要作用。
作者简介：
薛娇，湖南女子学院艺术表演系。