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【摘要】歌唱是用音乐化的语言来表达人们的思想感情、塑造形象的一种艺术形式。歌唱的舞台表演包含在表演艺术中，建立舞台形象，是歌唱技能与舞台表演相辅相成的综合表演艺术。歌唱表演不单单是听觉艺术，更是视觉与听觉相互融合的艺术。作为一名歌者，只有熟练掌握歌唱技能是不够的，还需要情感、肢体、服饰等艺术表现与其相配合，才能使观众从听觉和视觉上最大程度地得到满足，起到陶冶情操的作用，这也正是歌唱这种艺术形式存在于社会文化的舞台上而永久不衰的关键所在。
【关键词】歌唱表演；舞台表演；表演艺术；舞台形象
【中图分类号】J604.6 【文献标识码】A 【文章编号】1007-4198（2021）05-159-03
【本文著录格式】李向楠.浅谈歌唱的舞台表演艺术[J].中国民族博览，2021，03（05）：159-161.
引言
我们学习歌唱必须要通过上台演唱才能真正锻炼自己，但对于如何在舞台上演艺歌唱艺术又是一门不得不掌握的知识。本文从分析歌唱表演的声情并茂、舞台表演的肢体语言、表演艺术的舞台形象及如何避免进入误区几方面入手，对歌唱的舞台表演艺术进行初探。
一、舞台表演艺术的历史
舞台表演艺术，顾名思义，指的是在舞台上的演出。再具体点，便可说是在戏台上、戏楼里，又或是剧场里的演出，我们称它为舞台表演艺术。舞台拉开了演员与观众的距离，而表演，同时也拉开了艺术与生活的距离。
从历史文献记载中，我们发现我国早期的戏台表演艺术在北宋的勾栏瓦舍，杂技、舞蹈、武艺、说唱等表演艺术被称作“杂剧”艺术。接着是流行于两汉的各类竞技、杂耍、幻术以及乐舞、俳优戏和动物戏等。就是现如今丰富在竞技场和舞台上的被称作“汉代百戏”的表演艺术的前身。
而乐舞表演作为人们最早创造和运用的舞台表演艺术之一，最早记载于为帝王将相服务的宫廷中，如唐代盛行的宫廷燕乐舞文化“破阵乐”和精致典雅的中原乐舞艺术“十部乐”，还有著名的“健舞”如胡腾舞、胡旋舞、剑器舞，以及歌舞大曲如著名的《霓裳羽衣舞》等。自宋以后，宫廷舞蹈走向衰落，转入民间，稍后又成为了戏曲这种中国特有的综合表现艺术的一个重要组成部分。
另一方面西方处在舞台表演艺术盛行的大工业生产时代，无论提及舞臺表演还是高雅艺术，人们首先会想到歌剧和芭蕾。当世界第一部真正意义上的芭蕾舞作品《皇后喜剧芭蕾》于1581年在法国演出之后，芭蕾舞迅速风靡在欧洲各国。19世纪迎来了芭蕾的黄金时期，其中的脚尖舞与外开性技巧和一整套训练方法日趋完善，形成了各国学派，同时出现了一批闻名于世的优秀芭蕾作品。19世纪末20世纪初在美国和德国掀起一场舞蹈大革命，以一种与古典芭蕾相对立的舞蹈派别应运而生，用自然的动作打破了古典芭蕾舞的传统限制，更加自由地表达内心情感。
其中巴洛克时期（1600-1750）是西方音乐史上比较重要的时期，形成了以巴赫为代表的复调音乐高峰；器乐从歌剧序曲开始逐渐独立，得到了相当大的独立发展；此外歌剧这一综合了音乐、戏剧、美术、舞蹈的新的艺术形式从雏形逐渐趋向完形。当然歌剧中常常有些地方是给歌唱家以合法合理的声音表现的机会的。试看《魔笛》中夜后的几段咏叹调、《露西亚》中的疯狂之歌、《浮士德》中的《珠宝之歌》等等。
如果说古典歌剧是18世纪的高尚艺术代表，轻歌剧是19世纪的高雅艺术代表，那么在充斥着商业主义的美国百老汇音乐剧就是现代歌舞剧的艺术代表。18世纪开始采用了流传甚广的民谣歌曲加上黑人早期的黑面人游艺表演艺术，形成了民谣歌剧汇入了欧洲本土的表演，到19世纪末音乐剧的艺术风格在戏剧环境中成为了艺术主流。
音乐剧继承发扬了传统歌剧舞剧的风格，也融入了现代流行音乐的元素，可以说是通俗易懂更容易被大众所接受。音乐剧作为结合了歌唱、舞蹈、戏剧表演、舞台艺术等综合的艺术形式共通于其他剧种，然而它又更贴近于生活，更接近于大众。百老汇音乐剧著名的《悲惨世界》《巴黎圣母院》《猫》以及《音乐之声》以绚丽多彩的舞台布置，展现一幕幕人间悲喜剧，着实扣住了观众们的心弦。
从舞台表演艺术具有2000多年的历史来看，文化功能大多体现为满足视听感受或是寻求心理依托的“精神休闲”活动。
二、歌唱表演与舞台表演的要素
（一）歌唱表演的声情并茂
有人把声音比作情感的载体，而情感是声音的灵魂和支柱，可见两者间的联系是密切的。
作为一名歌唱演员，在具备良好的歌唱发声技能技巧的基础之上，还需具备掌握对音乐分析、理解能力以及储备声乐作品的能力。首先应理解歌词内容的中心思想，找到所要抒发的情感意境。
再现生活和表现情感是音乐艺术的两种基本功能，而歌唱这类表情艺术却长于表现拙于再现，往往直接表现和揭示内心情感，间接地反映社会生活。根据自己喜怒哀乐等不同的情绪，准确地把握歌词语调的感情色彩，以及语言在表现情感时的轻重缓急、抑扬顿挫。
运用古人的一句话“未成曲调先有情”，便是要做到对一首声乐作品的演唱要达到情深意浓，感人肺腑的效果。正是因为表情艺术具有抒情的本质属性这一特殊的魅力，才使得歌唱的创作和欣赏总是离不开强烈的情感体验。
在理解歌词的基础上，深入得分析理解音乐的风格特点，掌握音乐的丰富内涵，诠释音乐的整体情绪，都是音乐素质缺一不可的条件。
歌唱艺术的声与情虽然是每个歌者最常见的问题，然而人们往往又会对最熟悉的东西缺乏思考。在声乐学习认知中有所差，在演唱实践中存在顾此失彼的偏颇。有的人非常注重声音的控制和练习，却失去了对情感的控制，缺乏舞台上的表演意识，使演唱无法完全投情于表演之中，这便是未能打动听众的心的重要原因。
（二）舞台表演中的肢体语言
舞台表演中的肢体语言，指的是为了丰富舞台表现的冲击力而用肢体语言的变化及动作幅度的收缩来体现人物的内心世界和感情生活，对于推动舞台表演艺术地发展有着巨大作用。 研究表明，在远古时期原始人类还处于野蛮时代时，他们的狩猎活动和巫术活动中便会运用肢体语言，有轻有重地敲打着石器，跳着各种不同的图腾舞蹈或者祭祀的原始舞蹈来进行巫术仪式。可见舞蹈是伴随著人类文明进展的。
随着社会地发展和思想的进步，舞台声光设备依托着科技手段呈现出先进的舞台效果，服饰布景的革新更如人意。但舞台上所展示的一切，仍是由表演者所展现的。他们不单单以扎实的技艺、亮丽的服饰，或是美丽的形象引领着社会的文化潮流和艺术时尚，慢慢融入舞台整场的视觉效果并不断地改变颠覆着艺术的审美。而那出众的布景、服饰装扮以及革新的舞台设备和舞美变化也因舞台上的表演者而引导出“戏剧性”的意义。
歌唱、舞蹈和戏剧表演对一个“戏剧性”的演员来说是基本的条件，但是综合维度的表演难度是非常高的。声音、表情、发声技巧以及形体动作综合起来体现人物特色，是一个演员的基本素质，需要演员经过长时间的艰苦训练来达到。
舞蹈动作是从生活中提炼和组织起来、并赋以音乐化了的人体动作。舞蹈的成分不仅只是作为色彩性的场面穿插，而是贯穿整个舞台动作的基本规律；同样道理音乐的因素也不仅只存在与歌唱和伴奏中，而且是对于整个舞台节奏的控制和语言韵律的优美感来加以综合考虑的。所以音乐和舞蹈为表现戏剧的内容服务，戏剧化的内容依靠声乐和舞蹈的声容来表现。
我国的戏曲就是音乐、舞蹈和戏剧三者紧密结合的综合艺术。其中歌唱成分较重的“唱工戏”，有戏剧表演成分较重的“做工戏”，还有舞蹈成分较重的“武戏”，组成了丰富多样的剧目形式。运用丰富的肢体语言，加上大段独唱的唱段将人物的复杂和矛盾的思想感情刻画得淋漓尽致，真实细腻地表演深入揭示了人物的内心精神境界和人物性格，这是剧目中歌唱与舞台表演艺术相结合的重要体现。
（三）表演艺术的舞台形象
表演艺术，是指将演员置身于舞台中通过戏剧地表现形式来完成的艺术形式。舞蹈、声乐都属于表演艺术，他们需要通过舞蹈家和歌唱家的理解再创作，描绘出一个可供人们欣赏的艺术形象。
没有表演，也就没有音乐和舞蹈。卓越的波兰音乐理论家丽莎认为：“属于音乐的特殊性的，还有作品与听众之间的中间环节，即表演，它具有自己的历史发展规律，具有自己的美学价值，并在很大程度上服从于社会的要求，同时也改变着作品本身的面貌。构成音乐特殊性的这个因素同戏剧艺术和舞蹈艺术是共同的。”
艺术来源于生活，而高于生活，表演艺术当然不例外。演员在塑造舞台形象、创造表演程式的时候，不单单要体验自己的生活，更要重视身边的细节，从间接生活以及各类艺术领域中汲取创作的灵感。
例如开门的基本动作：扶门（示意门的存在），开锁，拉开。与生活中的原型相比，琐碎的动作被精简了，排除了一些可能出现的偶然因素，留下些许具有代表性、形象性的动作。
在塑造形象前，虽然具备了指向性，但一般的生活内容还不足以成为独立的舞台形象。因此，它仅是一种基本技巧。只有当演员设定好当前人物性格以及情境要求，按照一定的生活轨迹和舞台表演组合起来，形成具体的思想感情，成为独立的舞台形象。
表演艺术属于时间艺术，是难以模拟或再现客观对象的一类艺术，也就是说一场演出一旦结束，舞台形象就消失了。从这个意义上说，表演艺术是不可重复的，就像演员在舞台上的每一个瞬间都不可能以不变的状态重现。同时，演员是活的，他会以自己的感觉、情感、理解和想象等因素去从事角色创造的，舞台表演便会具有强烈的感染力和丰富的艺术表现力。
三、歌唱舞台表演应注意的问题
舞台表演艺术与镜头表演艺术不同，它具有假定性和剧场性。演员在舞台这个被框起来的假定环境之中进行表演，观众在剧场里欣赏，在这个假定的框架内，以什么样的心理状态表演，追求什么样的创作状态，却形成了不同的表演观念和表演理论。歌唱舞台表演中要注意以下几点：
（一）突出表演艺术
舞台演出的整体艺术通过演员在舞台上的表演形式来呈现，是一种以表演为中心的艺术。歌唱者表演的是为了塑造舞台形象，观众观赏主要是看歌唱者的表演。“人（歌者）演艺（歌曲）给人（观众）看”是表演的核心内容。在舞台艺术地发展过程中，由多种门类形式、艺术表现形式逐渐形成一个核心，正是舞台上演员的表演艺术占据着这个核心位置。观众关注的焦点都是放在表演上，演剧正是围绕着表演而展开不同的艺术形式。
通过演员自身的表演，开拓和推动情节地发展，打破空间与时间的限制，使时空变换具有流动美。演员通过歌唱将人物活动的场所、环境和时期直接叙述出来，舞美装置的摆放、道具的使用也随着演员的表演而发生种种变化。
成功的歌者在不断体验社会生活、时代精神中总结表演的真谛，同时注入爱憎情感的心灵感受，将演唱中的种种表演变化，传达听众的愿望和理想，引起共鸣，感染听众。
（二）突出主演的表演
表演主演是中心，也就是说其他所有演员活动在某种程度上只是作为衬托。其他表演者是为了帮助主要表演活动而存在的，作为背景不能掩盖主演的表演，从而将舞台上的角色有机地融合为一个整体。
不少现代剧目表演，热衷于做大型歌舞，出现包装花哨，布景豪华，讲排场、玩堆砌，喧宾夺主之势，以群魔乱舞淹没主演表演，使演出脱离主线剧情和角色，众多人物挤压中心人物的现象屡见不鲜，变成伴舞、舞美大卖艺的新疾。他们专注于舞台布景、服装道具等外在的因素，使演员成了金玉其表的形象歌手，成了哗众取宠的小丑。
先进的舞台科技的确带给人们视觉享受的盛宴，但过分地注重舞台布景的现代化却改变了表演艺术的本质属性。其实现代化高科技的舞台架构、灯光技术、音响设备都应是以表演为中心、为歌唱艺术服务的。
（三）突出歌唱技艺
歌者要以扎实的歌唱技术为表演的基础，充分发挥出多维度的表演技艺。提高歌唱技艺的含金量，便成了歌唱舞台表演的要点，否则就会走入表演浮夸的误区。
一个成功的歌者不但能掌握歌唱技艺地表现手法，并且能够驾驭演唱技巧，才能以游刃有余的演绎吸引听众。同时表演者应深入地理解作品，把握歌唱地表现分寸，将真实情感融入到歌声中，才能产生艺术感染力，从而引起观众的共鸣，打动广大听众的心。
那些虚假和造作的歌声所表现出来的喜怒哀乐等情感，缺乏真情实感。可谓艺术来源于生活又高于生活，但歌唱中的真实情感，不单单是真实生活的再现，而是以现实生活为情感基础。进行艺术的二度创造，刻画出的美的艺术形象。
四、结语
歌唱的舞台表演艺术作为一个整体艺术，逐步由以广场演出为主过渡到以剧场演出为主，在歌唱的专业性有了很大的加强的同时舞台硬件设施也日趋完善。无论你如何展示一个歌唱作品，表现作品人物的演唱技巧不容忽视，要以现实生活为情感基础，融入自己的形象构思，进行艺术创作，你就能塑造出一个具有感染力的舞台艺术形象，你才能在歌唱表演艺术的舞台上一展歌喉。
注释：
①[波]卓菲娅.丽莎：论音乐的狂，第180页，上海文艺出版社，1980.
参考文献：
[1]彭吉象.艺术学概论[M].北京：北京大学出版社，2006.
[2]中国艺术研究院音乐研究所.民族音乐概论[M].北京：人民音乐出版社，1964.
[3]刘文昌，付鸿敏.歌唱理论与技巧[M].河南：河南大学出版社，1997.
[4]宋瑾.音乐美学基础[M].上海：上海音乐出版社，2008.
作者简介：李向楠（1987-），女，汉族，陕西，本科，群文，研究方向为音乐。
【关键词】歌唱表演；舞台表演；表演艺术；舞台形象
【中图分类号】J604.6 【文献标识码】A 【文章编号】1007-4198（2021）05-159-03
【本文著录格式】李向楠.浅谈歌唱的舞台表演艺术[J].中国民族博览，2021，03（05）：159-161.
引言
我们学习歌唱必须要通过上台演唱才能真正锻炼自己，但对于如何在舞台上演艺歌唱艺术又是一门不得不掌握的知识。本文从分析歌唱表演的声情并茂、舞台表演的肢体语言、表演艺术的舞台形象及如何避免进入误区几方面入手，对歌唱的舞台表演艺术进行初探。
一、舞台表演艺术的历史
舞台表演艺术，顾名思义，指的是在舞台上的演出。再具体点，便可说是在戏台上、戏楼里，又或是剧场里的演出，我们称它为舞台表演艺术。舞台拉开了演员与观众的距离，而表演，同时也拉开了艺术与生活的距离。
从历史文献记载中，我们发现我国早期的戏台表演艺术在北宋的勾栏瓦舍，杂技、舞蹈、武艺、说唱等表演艺术被称作“杂剧”艺术。接着是流行于两汉的各类竞技、杂耍、幻术以及乐舞、俳优戏和动物戏等。就是现如今丰富在竞技场和舞台上的被称作“汉代百戏”的表演艺术的前身。
而乐舞表演作为人们最早创造和运用的舞台表演艺术之一，最早记载于为帝王将相服务的宫廷中，如唐代盛行的宫廷燕乐舞文化“破阵乐”和精致典雅的中原乐舞艺术“十部乐”，还有著名的“健舞”如胡腾舞、胡旋舞、剑器舞，以及歌舞大曲如著名的《霓裳羽衣舞》等。自宋以后，宫廷舞蹈走向衰落，转入民间，稍后又成为了戏曲这种中国特有的综合表现艺术的一个重要组成部分。
另一方面西方处在舞台表演艺术盛行的大工业生产时代，无论提及舞臺表演还是高雅艺术，人们首先会想到歌剧和芭蕾。当世界第一部真正意义上的芭蕾舞作品《皇后喜剧芭蕾》于1581年在法国演出之后，芭蕾舞迅速风靡在欧洲各国。19世纪迎来了芭蕾的黄金时期，其中的脚尖舞与外开性技巧和一整套训练方法日趋完善，形成了各国学派，同时出现了一批闻名于世的优秀芭蕾作品。19世纪末20世纪初在美国和德国掀起一场舞蹈大革命，以一种与古典芭蕾相对立的舞蹈派别应运而生，用自然的动作打破了古典芭蕾舞的传统限制，更加自由地表达内心情感。
其中巴洛克时期（1600-1750）是西方音乐史上比较重要的时期，形成了以巴赫为代表的复调音乐高峰；器乐从歌剧序曲开始逐渐独立，得到了相当大的独立发展；此外歌剧这一综合了音乐、戏剧、美术、舞蹈的新的艺术形式从雏形逐渐趋向完形。当然歌剧中常常有些地方是给歌唱家以合法合理的声音表现的机会的。试看《魔笛》中夜后的几段咏叹调、《露西亚》中的疯狂之歌、《浮士德》中的《珠宝之歌》等等。
如果说古典歌剧是18世纪的高尚艺术代表，轻歌剧是19世纪的高雅艺术代表，那么在充斥着商业主义的美国百老汇音乐剧就是现代歌舞剧的艺术代表。18世纪开始采用了流传甚广的民谣歌曲加上黑人早期的黑面人游艺表演艺术，形成了民谣歌剧汇入了欧洲本土的表演，到19世纪末音乐剧的艺术风格在戏剧环境中成为了艺术主流。
音乐剧继承发扬了传统歌剧舞剧的风格，也融入了现代流行音乐的元素，可以说是通俗易懂更容易被大众所接受。音乐剧作为结合了歌唱、舞蹈、戏剧表演、舞台艺术等综合的艺术形式共通于其他剧种，然而它又更贴近于生活，更接近于大众。百老汇音乐剧著名的《悲惨世界》《巴黎圣母院》《猫》以及《音乐之声》以绚丽多彩的舞台布置，展现一幕幕人间悲喜剧，着实扣住了观众们的心弦。
从舞台表演艺术具有2000多年的历史来看，文化功能大多体现为满足视听感受或是寻求心理依托的“精神休闲”活动。
二、歌唱表演与舞台表演的要素
（一）歌唱表演的声情并茂
有人把声音比作情感的载体，而情感是声音的灵魂和支柱，可见两者间的联系是密切的。
作为一名歌唱演员，在具备良好的歌唱发声技能技巧的基础之上，还需具备掌握对音乐分析、理解能力以及储备声乐作品的能力。首先应理解歌词内容的中心思想，找到所要抒发的情感意境。
再现生活和表现情感是音乐艺术的两种基本功能，而歌唱这类表情艺术却长于表现拙于再现，往往直接表现和揭示内心情感，间接地反映社会生活。根据自己喜怒哀乐等不同的情绪，准确地把握歌词语调的感情色彩，以及语言在表现情感时的轻重缓急、抑扬顿挫。
运用古人的一句话“未成曲调先有情”，便是要做到对一首声乐作品的演唱要达到情深意浓，感人肺腑的效果。正是因为表情艺术具有抒情的本质属性这一特殊的魅力，才使得歌唱的创作和欣赏总是离不开强烈的情感体验。
在理解歌词的基础上，深入得分析理解音乐的风格特点，掌握音乐的丰富内涵，诠释音乐的整体情绪，都是音乐素质缺一不可的条件。
歌唱艺术的声与情虽然是每个歌者最常见的问题，然而人们往往又会对最熟悉的东西缺乏思考。在声乐学习认知中有所差，在演唱实践中存在顾此失彼的偏颇。有的人非常注重声音的控制和练习，却失去了对情感的控制，缺乏舞台上的表演意识，使演唱无法完全投情于表演之中，这便是未能打动听众的心的重要原因。
（二）舞台表演中的肢体语言
舞台表演中的肢体语言，指的是为了丰富舞台表现的冲击力而用肢体语言的变化及动作幅度的收缩来体现人物的内心世界和感情生活，对于推动舞台表演艺术地发展有着巨大作用。 研究表明，在远古时期原始人类还处于野蛮时代时，他们的狩猎活动和巫术活动中便会运用肢体语言，有轻有重地敲打着石器，跳着各种不同的图腾舞蹈或者祭祀的原始舞蹈来进行巫术仪式。可见舞蹈是伴随著人类文明进展的。
随着社会地发展和思想的进步，舞台声光设备依托着科技手段呈现出先进的舞台效果，服饰布景的革新更如人意。但舞台上所展示的一切，仍是由表演者所展现的。他们不单单以扎实的技艺、亮丽的服饰，或是美丽的形象引领着社会的文化潮流和艺术时尚，慢慢融入舞台整场的视觉效果并不断地改变颠覆着艺术的审美。而那出众的布景、服饰装扮以及革新的舞台设备和舞美变化也因舞台上的表演者而引导出“戏剧性”的意义。
歌唱、舞蹈和戏剧表演对一个“戏剧性”的演员来说是基本的条件，但是综合维度的表演难度是非常高的。声音、表情、发声技巧以及形体动作综合起来体现人物特色，是一个演员的基本素质，需要演员经过长时间的艰苦训练来达到。
舞蹈动作是从生活中提炼和组织起来、并赋以音乐化了的人体动作。舞蹈的成分不仅只是作为色彩性的场面穿插，而是贯穿整个舞台动作的基本规律；同样道理音乐的因素也不仅只存在与歌唱和伴奏中，而且是对于整个舞台节奏的控制和语言韵律的优美感来加以综合考虑的。所以音乐和舞蹈为表现戏剧的内容服务，戏剧化的内容依靠声乐和舞蹈的声容来表现。
我国的戏曲就是音乐、舞蹈和戏剧三者紧密结合的综合艺术。其中歌唱成分较重的“唱工戏”，有戏剧表演成分较重的“做工戏”，还有舞蹈成分较重的“武戏”，组成了丰富多样的剧目形式。运用丰富的肢体语言，加上大段独唱的唱段将人物的复杂和矛盾的思想感情刻画得淋漓尽致，真实细腻地表演深入揭示了人物的内心精神境界和人物性格，这是剧目中歌唱与舞台表演艺术相结合的重要体现。
（三）表演艺术的舞台形象
表演艺术，是指将演员置身于舞台中通过戏剧地表现形式来完成的艺术形式。舞蹈、声乐都属于表演艺术，他们需要通过舞蹈家和歌唱家的理解再创作，描绘出一个可供人们欣赏的艺术形象。
没有表演，也就没有音乐和舞蹈。卓越的波兰音乐理论家丽莎认为：“属于音乐的特殊性的，还有作品与听众之间的中间环节，即表演，它具有自己的历史发展规律，具有自己的美学价值，并在很大程度上服从于社会的要求，同时也改变着作品本身的面貌。构成音乐特殊性的这个因素同戏剧艺术和舞蹈艺术是共同的。”
艺术来源于生活，而高于生活，表演艺术当然不例外。演员在塑造舞台形象、创造表演程式的时候，不单单要体验自己的生活，更要重视身边的细节，从间接生活以及各类艺术领域中汲取创作的灵感。
例如开门的基本动作：扶门（示意门的存在），开锁，拉开。与生活中的原型相比，琐碎的动作被精简了，排除了一些可能出现的偶然因素，留下些许具有代表性、形象性的动作。
在塑造形象前，虽然具备了指向性，但一般的生活内容还不足以成为独立的舞台形象。因此，它仅是一种基本技巧。只有当演员设定好当前人物性格以及情境要求，按照一定的生活轨迹和舞台表演组合起来，形成具体的思想感情，成为独立的舞台形象。
表演艺术属于时间艺术，是难以模拟或再现客观对象的一类艺术，也就是说一场演出一旦结束，舞台形象就消失了。从这个意义上说，表演艺术是不可重复的，就像演员在舞台上的每一个瞬间都不可能以不变的状态重现。同时，演员是活的，他会以自己的感觉、情感、理解和想象等因素去从事角色创造的，舞台表演便会具有强烈的感染力和丰富的艺术表现力。
三、歌唱舞台表演应注意的问题
舞台表演艺术与镜头表演艺术不同，它具有假定性和剧场性。演员在舞台这个被框起来的假定环境之中进行表演，观众在剧场里欣赏，在这个假定的框架内，以什么样的心理状态表演，追求什么样的创作状态，却形成了不同的表演观念和表演理论。歌唱舞台表演中要注意以下几点：
（一）突出表演艺术
舞台演出的整体艺术通过演员在舞台上的表演形式来呈现，是一种以表演为中心的艺术。歌唱者表演的是为了塑造舞台形象，观众观赏主要是看歌唱者的表演。“人（歌者）演艺（歌曲）给人（观众）看”是表演的核心内容。在舞台艺术地发展过程中，由多种门类形式、艺术表现形式逐渐形成一个核心，正是舞台上演员的表演艺术占据着这个核心位置。观众关注的焦点都是放在表演上，演剧正是围绕着表演而展开不同的艺术形式。
通过演员自身的表演，开拓和推动情节地发展，打破空间与时间的限制，使时空变换具有流动美。演员通过歌唱将人物活动的场所、环境和时期直接叙述出来，舞美装置的摆放、道具的使用也随着演员的表演而发生种种变化。
成功的歌者在不断体验社会生活、时代精神中总结表演的真谛，同时注入爱憎情感的心灵感受，将演唱中的种种表演变化，传达听众的愿望和理想，引起共鸣，感染听众。
（二）突出主演的表演
表演主演是中心，也就是说其他所有演员活动在某种程度上只是作为衬托。其他表演者是为了帮助主要表演活动而存在的，作为背景不能掩盖主演的表演，从而将舞台上的角色有机地融合为一个整体。
不少现代剧目表演，热衷于做大型歌舞，出现包装花哨，布景豪华，讲排场、玩堆砌，喧宾夺主之势，以群魔乱舞淹没主演表演，使演出脱离主线剧情和角色，众多人物挤压中心人物的现象屡见不鲜，变成伴舞、舞美大卖艺的新疾。他们专注于舞台布景、服装道具等外在的因素，使演员成了金玉其表的形象歌手，成了哗众取宠的小丑。
先进的舞台科技的确带给人们视觉享受的盛宴，但过分地注重舞台布景的现代化却改变了表演艺术的本质属性。其实现代化高科技的舞台架构、灯光技术、音响设备都应是以表演为中心、为歌唱艺术服务的。
（三）突出歌唱技艺
歌者要以扎实的歌唱技术为表演的基础，充分发挥出多维度的表演技艺。提高歌唱技艺的含金量，便成了歌唱舞台表演的要点，否则就会走入表演浮夸的误区。
一个成功的歌者不但能掌握歌唱技艺地表现手法，并且能够驾驭演唱技巧，才能以游刃有余的演绎吸引听众。同时表演者应深入地理解作品，把握歌唱地表现分寸，将真实情感融入到歌声中，才能产生艺术感染力，从而引起观众的共鸣，打动广大听众的心。
那些虚假和造作的歌声所表现出来的喜怒哀乐等情感，缺乏真情实感。可谓艺术来源于生活又高于生活，但歌唱中的真实情感，不单单是真实生活的再现，而是以现实生活为情感基础。进行艺术的二度创造，刻画出的美的艺术形象。
四、结语
歌唱的舞台表演艺术作为一个整体艺术，逐步由以广场演出为主过渡到以剧场演出为主，在歌唱的专业性有了很大的加强的同时舞台硬件设施也日趋完善。无论你如何展示一个歌唱作品，表现作品人物的演唱技巧不容忽视，要以现实生活为情感基础，融入自己的形象构思，进行艺术创作，你就能塑造出一个具有感染力的舞台艺术形象，你才能在歌唱表演艺术的舞台上一展歌喉。
注释：
①[波]卓菲娅.丽莎：论音乐的狂，第180页，上海文艺出版社，1980.
参考文献：
[1]彭吉象.艺术学概论[M].北京：北京大学出版社，2006.
[2]中国艺术研究院音乐研究所.民族音乐概论[M].北京：人民音乐出版社，1964.
[3]刘文昌，付鸿敏.歌唱理论与技巧[M].河南：河南大学出版社，1997.
[4]宋瑾.音乐美学基础[M].上海：上海音乐出版社，2008.
作者简介：李向楠（1987-），女，汉族，陕西，本科，群文，研究方向为音乐。