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[摘要]如何把握好不同时期作品的演奏风格，是诠释一首作品的关键。演奏浪漫主义的作品，在力度的变化上会比巴洛克时期的作品幅度大一些。Rubato(自由节奏)是浪漫主义作品的命脉，是它不同于其它时期作品的最大特征，也是教学上比较费心的一件事。如果演奏浪漫主义的作品时没有Rubato的处理，也许可以说明演奏者并没有弄明白浪漫主义音乐是怎么回事。
[关键词]浪漫主义 节奏 处理
菲力克斯门德尔松(F.Mendelssohn)是德国一位多产的浪漫主义作曲家。他出生于一个充满智慧和财富的家庭。九岁以神童姿态登台，十一岁作曲，早年与许多文化名人如歌德、韦伯等有所交往。除了担任司乐官、乐队长、指挥等职务之外，他还于1843年同舒曼、霍普曼、达维德等一起创办了莱比锡音乐学院。多情与幻想是他的特征。他在十七岁时就写下了杰作序曲《仲夏夜之梦》，之后又写了五部交响曲以及管弦乐曲、钢琴协奏曲、小提琴协奏曲、重奏曲、器乐独奏曲、剧乐、歌剧、合唱曲、独唱曲等等。由于他的生活优裕安逸，所以他的作品在浪漫诗意、富于幻想的同时还表现出一种舒适撷意、悠然温和的风格。
“无词歌”在他的钢琴作品中占比较主要的地位。《无词歌》也叫《无言歌》，是一种由乐器演奏，并带有歌曲写法特点的小型作品。它大都由一个歌唱性很强的旋律声部和作为音型化的伴奏组成，富于抒情性和浪漫主义风格。该曲集写于1829-1845年，共有八集——作品19，30，38，53，62，67，85和102。除作品102为7首外，其它每集均含六首比较短小的性格抒情曲。虽然作者没有为大多数的乐曲写下标题。但后人为这49首乐曲起了题目。这些题目可以帮助我们大致想象出乐曲的内容和情调《甜蜜的回忆》、《哀悼》、《猎歌》、《慰问》、《失去的幸福》、《诗人之情》、《热情》、《海滨》、《羊毛似的云霞》、《威尼斯船歌》……等等。其演奏技巧不太复杂，结构也较为简单。在他的作品中，较多地表现了他抒情敏感的性格和在舒适环境中的浪漫主义想象，而较少揭示人类生活中深刻和痛苦的一面和心灵深处的震动，这也是他的作品内容受局限之处。但是作为音乐本身，其工致的结构，精雕细琢的功夫和诗意的感染力是十分令人赞叹和给人们深刻印象的。
一般来讲，演奏浪漫主义的作品，在力度的变化上会比巴洛克时期的作品幅度大一些。Rubate(自由节奏)是浪漫主义作品的命脉，是它不同于其它时期作品的最大特征，也是教学上比较费心的一件事。如果演奏浪漫主义的作品时没有Rubato的处理，也许可以说明演奏者并没有弄明白浪漫主义音乐是怎么回事。
我们就以著名的《威尼斯船歌》为例：威尼斯是意大利商业旅游城市，也是意大利音乐发展中心之一。威尼斯市内水道纵横交错，素有“水都”之称。“船歌”原为“船家之歌，19世纪末作曲家们模仿”船歌“风格来创作，形成一种体裁，习惯上称之为“威尼斯船歌”。
这首《威尼斯船歌》是#f小调，寂静的小快板，速度约在每分钟52-63拍。全曲是带前奏和尾奏的二部曲式。很明显，如果从开头6小节的前奏到主题出现用毫无变化的节奏来弹奏，会显得十分单调和没有吸引力。所以建议将3、4小节的两个音符做放缓处理，且音量要轻，非常安静。高音部围绕主音出现两个长音，即导音至上主音，音量虽然标记为强音，但不宜过分，左手依然是安静的，模仿着游艇划动的节奏，左手的两个长音，可能在作者想来是有意味的，即暗示着即将启航。到第6小节，左手水波荡漾似的伴奏背景，由放慢了的弱起音徐徐引入，依然轻和安静，像歌唱一样，要指尖控制，弹奏出如同歌唱一般的旋律。然后回复至正常速度。右手的第一个强拍上的音出现时也可稍作放慢，仿佛一个引人注目的预告。右手如歌的主题出现更要作放慢处理：让人清晰地听到这优美的旋律。从6到20小节是第一段，左手音型化的节奏始终不变，注意控制和移动时手指重量的微妙调节，以及踏板的规范使用。这首乐曲要把每一句都弹成歌唱一般，是不容易的，特别是这种有放慢有复原的弹性处理，一定要细心体会，注意指法。实际上，这种节奏上的Rubato处理，就是一种音乐“韵味”的细致功夫，它不是用到处标记rit和a tempo能奏效的。同时，这种“韵味”须是心领神会的音乐感觉，也允许各人有所不同。“慢下来”“快起来”这种弹法，本身就是对一个运动中的音乐“过程”的描述，只要在一个合适的范围内。“过程”的中间不必强求一律或作硬性规定。但是节骨上的个别音又另当别论，不容马虎。
第14小节的弱音是重复开始的乐句，但第18小节是压缩了的变化乐句，也是一个长的乐句，要一口气唱下来，每一个音符都透出歌唱般的甜美而略带哀怨的琴声。这一段中的sf记号，要设计出恰当的音量，即要保持前后音量总的气氛，使sf突出一些。第20小节的双小节线是段落的小节线。但从音乐上来看。这里并未结束，20进入第21小节的主音才结束，这从作者划动圆滑线可以看出来，但第21小节的主音又可以作为第二段的开始音，因此，这个音具有双重的意味。
从第21小节开始的音之后，到第42小节的反复记号处，是第二部分。这段不同的是以二重奏作为突出部分，与第一段对比。音量逐渐增强，到第27小节是强音，第29小节是最强音。注意这部分飞和声变化，第25小节开始转入A大调，经过第28小节的减七和弦，转入#C大调，音量增至最强，音响变得非常开朗而激动，并且达到高潮。之后逐渐恢复平静。第32小节弱起的颤音，要从很轻开始，需要“快起来”，音量做出微弱的变化：伴奏声部的减七和弦不要增强，进入b小调的悠长旋律逐渐减弱。到第37小节回到主调，由属和弦进入，到第39小节是最后一句歌唱，右手高声部要保持足够的时值，一口气唱完到第43小节的第一个音。紧接着是尾奏，背景是左手的荡漾般的节奏。尾奏较长，其中由颤音开始的两句是压缩的主题动机。强奏的部分，要想象是歌声的回荡，并逐渐在悠扬的荡漾中远去。这一段音量变化丰富，所有的左手部分要控制，使音色柔和，并且一定要作为歌唱的伴奏角色，与左手搭配应当非常紧密、协调和默契。
总之，关于浪漫主义作品的节奏处理课题，作为教师或演奏者应当多演奏、多琢磨，从中去领悟，才能恰当地去把握作品，阐释作品。
[关键词]浪漫主义 节奏 处理
菲力克斯门德尔松(F.Mendelssohn)是德国一位多产的浪漫主义作曲家。他出生于一个充满智慧和财富的家庭。九岁以神童姿态登台，十一岁作曲，早年与许多文化名人如歌德、韦伯等有所交往。除了担任司乐官、乐队长、指挥等职务之外，他还于1843年同舒曼、霍普曼、达维德等一起创办了莱比锡音乐学院。多情与幻想是他的特征。他在十七岁时就写下了杰作序曲《仲夏夜之梦》，之后又写了五部交响曲以及管弦乐曲、钢琴协奏曲、小提琴协奏曲、重奏曲、器乐独奏曲、剧乐、歌剧、合唱曲、独唱曲等等。由于他的生活优裕安逸，所以他的作品在浪漫诗意、富于幻想的同时还表现出一种舒适撷意、悠然温和的风格。
“无词歌”在他的钢琴作品中占比较主要的地位。《无词歌》也叫《无言歌》，是一种由乐器演奏，并带有歌曲写法特点的小型作品。它大都由一个歌唱性很强的旋律声部和作为音型化的伴奏组成，富于抒情性和浪漫主义风格。该曲集写于1829-1845年，共有八集——作品19，30，38，53，62，67，85和102。除作品102为7首外，其它每集均含六首比较短小的性格抒情曲。虽然作者没有为大多数的乐曲写下标题。但后人为这49首乐曲起了题目。这些题目可以帮助我们大致想象出乐曲的内容和情调《甜蜜的回忆》、《哀悼》、《猎歌》、《慰问》、《失去的幸福》、《诗人之情》、《热情》、《海滨》、《羊毛似的云霞》、《威尼斯船歌》……等等。其演奏技巧不太复杂，结构也较为简单。在他的作品中，较多地表现了他抒情敏感的性格和在舒适环境中的浪漫主义想象，而较少揭示人类生活中深刻和痛苦的一面和心灵深处的震动，这也是他的作品内容受局限之处。但是作为音乐本身，其工致的结构，精雕细琢的功夫和诗意的感染力是十分令人赞叹和给人们深刻印象的。
一般来讲，演奏浪漫主义的作品，在力度的变化上会比巴洛克时期的作品幅度大一些。Rubate(自由节奏)是浪漫主义作品的命脉，是它不同于其它时期作品的最大特征，也是教学上比较费心的一件事。如果演奏浪漫主义的作品时没有Rubato的处理，也许可以说明演奏者并没有弄明白浪漫主义音乐是怎么回事。
我们就以著名的《威尼斯船歌》为例：威尼斯是意大利商业旅游城市，也是意大利音乐发展中心之一。威尼斯市内水道纵横交错，素有“水都”之称。“船歌”原为“船家之歌，19世纪末作曲家们模仿”船歌“风格来创作，形成一种体裁，习惯上称之为“威尼斯船歌”。
这首《威尼斯船歌》是#f小调，寂静的小快板，速度约在每分钟52-63拍。全曲是带前奏和尾奏的二部曲式。很明显，如果从开头6小节的前奏到主题出现用毫无变化的节奏来弹奏，会显得十分单调和没有吸引力。所以建议将3、4小节的两个音符做放缓处理，且音量要轻，非常安静。高音部围绕主音出现两个长音，即导音至上主音，音量虽然标记为强音，但不宜过分，左手依然是安静的，模仿着游艇划动的节奏，左手的两个长音，可能在作者想来是有意味的，即暗示着即将启航。到第6小节，左手水波荡漾似的伴奏背景，由放慢了的弱起音徐徐引入，依然轻和安静，像歌唱一样，要指尖控制，弹奏出如同歌唱一般的旋律。然后回复至正常速度。右手的第一个强拍上的音出现时也可稍作放慢，仿佛一个引人注目的预告。右手如歌的主题出现更要作放慢处理：让人清晰地听到这优美的旋律。从6到20小节是第一段，左手音型化的节奏始终不变，注意控制和移动时手指重量的微妙调节，以及踏板的规范使用。这首乐曲要把每一句都弹成歌唱一般，是不容易的，特别是这种有放慢有复原的弹性处理，一定要细心体会，注意指法。实际上，这种节奏上的Rubato处理，就是一种音乐“韵味”的细致功夫，它不是用到处标记rit和a tempo能奏效的。同时，这种“韵味”须是心领神会的音乐感觉，也允许各人有所不同。“慢下来”“快起来”这种弹法，本身就是对一个运动中的音乐“过程”的描述，只要在一个合适的范围内。“过程”的中间不必强求一律或作硬性规定。但是节骨上的个别音又另当别论，不容马虎。
第14小节的弱音是重复开始的乐句，但第18小节是压缩了的变化乐句，也是一个长的乐句，要一口气唱下来，每一个音符都透出歌唱般的甜美而略带哀怨的琴声。这一段中的sf记号，要设计出恰当的音量，即要保持前后音量总的气氛，使sf突出一些。第20小节的双小节线是段落的小节线。但从音乐上来看。这里并未结束，20进入第21小节的主音才结束，这从作者划动圆滑线可以看出来，但第21小节的主音又可以作为第二段的开始音，因此，这个音具有双重的意味。
从第21小节开始的音之后，到第42小节的反复记号处，是第二部分。这段不同的是以二重奏作为突出部分，与第一段对比。音量逐渐增强，到第27小节是强音，第29小节是最强音。注意这部分飞和声变化，第25小节开始转入A大调，经过第28小节的减七和弦，转入#C大调，音量增至最强，音响变得非常开朗而激动，并且达到高潮。之后逐渐恢复平静。第32小节弱起的颤音，要从很轻开始，需要“快起来”，音量做出微弱的变化：伴奏声部的减七和弦不要增强，进入b小调的悠长旋律逐渐减弱。到第37小节回到主调，由属和弦进入，到第39小节是最后一句歌唱，右手高声部要保持足够的时值，一口气唱完到第43小节的第一个音。紧接着是尾奏，背景是左手的荡漾般的节奏。尾奏较长，其中由颤音开始的两句是压缩的主题动机。强奏的部分，要想象是歌声的回荡，并逐渐在悠扬的荡漾中远去。这一段音量变化丰富，所有的左手部分要控制，使音色柔和，并且一定要作为歌唱的伴奏角色，与左手搭配应当非常紧密、协调和默契。
总之，关于浪漫主义作品的节奏处理课题，作为教师或演奏者应当多演奏、多琢磨，从中去领悟，才能恰当地去把握作品，阐释作品。