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艺术的本质是什么呢？不同的视角，往往决定了我们不同的结论。有人说是宗教，有人说是政治，康定斯基说，是数学。
的确，从这位西方现代抽象艺术鼻祖的作品和理念中，我们不难发现，他的艺术生涯，一直在力图精简、再精简地看待这个世界，并将之付诸画布。俄国艺术家康定斯基并非将艺术还原为几何点线面的第一人，但他的著述与艺术成果，却无疑将西方现代艺术引入一个全新的维度。事实上，几何学的进境与艺术发展的关系非常密切。西方艺术史上两个最重要的划时代时期——文艺复兴和二十世纪的现代艺术，相应地和当时兴起的透视画法（投影几何）、非欧几何紧密联系。历史告诉我们，几何学新理论的出现可能成为艺术发展的主要催化剂——不同的艺术形式对应于不同的几何呈现，虽然艺术家本人并不自觉。绘画艺术在1850年代以前，已经发展得极为精细准确，可以画得乱真，但是这个时代的绘画艺术开始逐渐偏离“画得像”的层次，而追求另一个更属于精神层面的发展。比如，毕加索（Pablo Picasso， 1881-1973）以一种立体的、非欧的方式重新反映世界；荷兰画家埃舍尔（M.C. Escher， 1898-1972）有意识地利用了当时的黎曼几何，他的艺术创作反过来也给科学家许多启示。从文艺复兴时代的达芬奇（Leonardo da Vinci， 1452-1519），到蒙德里安（Piet Corndies Mondrian， 1872-1944），杜尚（Marcel Duchamp， 1887-1968），马列维奇（Kasimier Severinovich Malevich ， 1879-1935）和其他艺术家的作品中，我们清晰地看到，几何如何影响，并成为艺术家空间表达的新视角。
迄今为止，中国当代艺术界仍旧偏爱具象形式与现实主义，即使是纯粹的视觉形式，也需要为其赋予一种社会、政治或文化的语义框架。但请不要忘记，几何与抽象主义同时在世界现当代艺术界牢牢占据着一席之地。很多时候，这些没有主题、没有感情的技法，这些力图将生命、社会和宇宙还原为原色与点线面的尝试，或许更接近这个世界的真相。
Ellsworth Kelly：单纯的追求
纽约现代艺术博物馆于2013年5月16日为艺术家Ellsworth Kelly举办了“Chatham Series”的主题展览。Chatham Series是Ellsworth Kelly离开纽约后在斯潘塞创作的第一个系列，描绘了1970年纽约的郊区，这是40年来该系列作品的首次集体亮相。Ellsworth Kelly生于纽约，就读于波士顿美术馆学校。1948年至1954年，Kelly来到巴黎美术学院学习生活，接触了超现实主义和新造型主义，随后开始了自主绘画和几何抽象的尝试。为了寻求理想中的“匿名”作品，Kelly试图将个人风格浓缩于画布之上。
1971年，Ellsworth Kelly曾在Chatham小镇的画室工作，在那一年中，艺术家共创作了14个绘画作品，并以Chatham命名。每幅作品都由两块合并的帆布组成，分别有黑色、白色、红色、黄色、蓝色和绿色。Kelly凭借直觉将不同颜色自由组合，并不断调整色彩比例，直到满意为止。“Chatham Series”的诞生，使Ellsworth Kelly在艺术界声名鹊起。如今，当我们再看到这些犹如“俄罗斯方块”的对比色作品时，不禁钦佩这位当代艺术家对于“单纯”的孜孜以求。他从未有野心表达更多、更深、和更广，他的追问，只能在形状与色彩的碰撞中寻找答案。
Michael Kienzer：解构装置
来自奥地利格拉茨的艺术家Michael Kienzer擅长观察物体，并将其改造解构。他将各种物件和材料分割、解剖，以独特的视角和逻辑将其放置在特定环境之中。Michael Kienzer的作品使人们有机会颠覆传统和日常模式，体验艺术家创造的奇幻旅程。格拉茨美术馆近期举办Michael Kienzer的个人展，将艺术家的大型雕塑放置在展览室中，整个空间犹如立体的画布，或者构造奇异的台球桌。为了这个展览，艺术家重新布展，以符合展出环境，打破惯有模式，使人们有机会以艺术家的视角进行欣赏。就像是《格列佛游记》里的描述，世界忽大忽小，变幻莫测。
Michael Kienzer 1962年生于奥地利斯太尔，2000年获奥地利格拉茨城市艺术奖，2001年获Otto Mauer奖，他在奥地利当代艺术中占有重要地位。Michael Kienzer采用图形制作或绘画雕刻等方式，利用不同的艺术语言、跨越不同的空间、时间进行创作。他认为每种媒材各有不同的文化内涵和社会寓意，橡皮圈、磁带、金属管、塑料板等材料在他的作品中随处可见。他将这些材料切割重组，创造出令人咂舌的新作。此外Kienzer还将纤维织物和地毯运用到雕刻装置中，各种材质的巧妙融合在保留其原有属性的同时又表达出全新的内涵，这种创作既颠覆十足，又充满诗意。
Kienzer作品对空间和历史有着独特的认知，近年来他的许多作品都曾公开展出。例如在Retznei展出的混凝土板，当人们在上面行走时带动厚板运动，现实中的动作与厚板表面映射出的动作产生奇妙的差异，令人叫绝。此外格拉茨的Dominicus Chapel、St. Andr?教堂、Schlossberg酒店以及奥地利雕刻公园，也都遍布Michael Kienzer的足迹。
没有哪种创作，比Michael Kienzer进行的旧材料解构更困难。因为单纯凭借空间假设与艺术想象力，艺术家甚至无法“依托”任何一种历史进程、文化背景，作品表意尤其难于被评论界解读并赏识。同时，又因为看起来平凡无奇地“旧物改造”，巨大的体量还容易被批评为“哗众取宠”。或许Kienzer的作品不具备“收藏元素”，然而，真正的艺术品，必定领先于批评话语，而非对其进行“机械拷贝”。
抽象主义的回声
不仅在巴黎、纽约遍地开花，抽象主义对加拿大和魁北克的当代艺术同样有着深远影响。20世纪40年代初期，在国际性艺术运动活跃的同时，蒙特利尔的艺术家们也对抽象艺术进行了深入探究。
展览名为“抽象大师”（A Matter of Abstraction），它按照时间顺序，从历史角度出发，强调以非呈现性和非语言性的方式表现图形与色彩。一些绘画和雕塑作品虽各不相同，却共同反映出20世纪40年代以来的政治、经济、文化、民族语境，投射出加拿大独特的艺术风貌。
本次展览共收录56位知名加拿大艺术家的104件重要艺术作品，以魁北克的艺术作品为主，力图还原从1940年至2010年近70年的本土现当代艺术历史。展览共分为十个相互连接的开放式空间，在欣赏单个作品的同时也能兼顾其他；照明设备在每幅展品上投射多角度灯光，确保更好的呈现作品的多样性及复杂性。 Paul-?mile Borduas曾说：“抽象主义是纯粹的，而非现实的。”加拿大的抽象主义，比起反映现实事物，更注重精神世界的表达；突出了暧昧的空间和简化的形状，画布上纵横、扭曲的线条，传达出不受拘束的强烈情感和内在力量。
同期举办的同类综合性展览还有在现代艺术博物馆展出的“抽象一代：印制”（Abstract Generation： Now in Print）。“抽象一代”以印刷的方式，向人们展示了艺术与几何线条、形状，在过去数十年中所产生的重要关联，以及在美学界回响。该展览以印刷品、艺术家画册，以及各个时期展览馆的宣传册为特色，其中包括了Cory Arcangel， Tauba Auerbach， Philippe Decrauzat， Liam Gillick， Wade Guyton， Nadia Kaabi-Linke， R. H. Quaytman和 Charline von Heyl等重要艺术家的印刷作品、补充着关于艺术在几何方向探索的重要文本资料。
的确，从这位西方现代抽象艺术鼻祖的作品和理念中，我们不难发现，他的艺术生涯，一直在力图精简、再精简地看待这个世界，并将之付诸画布。俄国艺术家康定斯基并非将艺术还原为几何点线面的第一人，但他的著述与艺术成果，却无疑将西方现代艺术引入一个全新的维度。事实上，几何学的进境与艺术发展的关系非常密切。西方艺术史上两个最重要的划时代时期——文艺复兴和二十世纪的现代艺术，相应地和当时兴起的透视画法（投影几何）、非欧几何紧密联系。历史告诉我们，几何学新理论的出现可能成为艺术发展的主要催化剂——不同的艺术形式对应于不同的几何呈现，虽然艺术家本人并不自觉。绘画艺术在1850年代以前，已经发展得极为精细准确，可以画得乱真，但是这个时代的绘画艺术开始逐渐偏离“画得像”的层次，而追求另一个更属于精神层面的发展。比如，毕加索（Pablo Picasso， 1881-1973）以一种立体的、非欧的方式重新反映世界；荷兰画家埃舍尔（M.C. Escher， 1898-1972）有意识地利用了当时的黎曼几何，他的艺术创作反过来也给科学家许多启示。从文艺复兴时代的达芬奇（Leonardo da Vinci， 1452-1519），到蒙德里安（Piet Corndies Mondrian， 1872-1944），杜尚（Marcel Duchamp， 1887-1968），马列维奇（Kasimier Severinovich Malevich ， 1879-1935）和其他艺术家的作品中，我们清晰地看到，几何如何影响，并成为艺术家空间表达的新视角。
迄今为止，中国当代艺术界仍旧偏爱具象形式与现实主义，即使是纯粹的视觉形式，也需要为其赋予一种社会、政治或文化的语义框架。但请不要忘记，几何与抽象主义同时在世界现当代艺术界牢牢占据着一席之地。很多时候，这些没有主题、没有感情的技法，这些力图将生命、社会和宇宙还原为原色与点线面的尝试，或许更接近这个世界的真相。
Ellsworth Kelly：单纯的追求
纽约现代艺术博物馆于2013年5月16日为艺术家Ellsworth Kelly举办了“Chatham Series”的主题展览。Chatham Series是Ellsworth Kelly离开纽约后在斯潘塞创作的第一个系列，描绘了1970年纽约的郊区，这是40年来该系列作品的首次集体亮相。Ellsworth Kelly生于纽约，就读于波士顿美术馆学校。1948年至1954年，Kelly来到巴黎美术学院学习生活，接触了超现实主义和新造型主义，随后开始了自主绘画和几何抽象的尝试。为了寻求理想中的“匿名”作品，Kelly试图将个人风格浓缩于画布之上。
1971年，Ellsworth Kelly曾在Chatham小镇的画室工作，在那一年中，艺术家共创作了14个绘画作品，并以Chatham命名。每幅作品都由两块合并的帆布组成，分别有黑色、白色、红色、黄色、蓝色和绿色。Kelly凭借直觉将不同颜色自由组合，并不断调整色彩比例，直到满意为止。“Chatham Series”的诞生，使Ellsworth Kelly在艺术界声名鹊起。如今，当我们再看到这些犹如“俄罗斯方块”的对比色作品时，不禁钦佩这位当代艺术家对于“单纯”的孜孜以求。他从未有野心表达更多、更深、和更广，他的追问，只能在形状与色彩的碰撞中寻找答案。
Michael Kienzer：解构装置
来自奥地利格拉茨的艺术家Michael Kienzer擅长观察物体，并将其改造解构。他将各种物件和材料分割、解剖，以独特的视角和逻辑将其放置在特定环境之中。Michael Kienzer的作品使人们有机会颠覆传统和日常模式，体验艺术家创造的奇幻旅程。格拉茨美术馆近期举办Michael Kienzer的个人展，将艺术家的大型雕塑放置在展览室中，整个空间犹如立体的画布，或者构造奇异的台球桌。为了这个展览，艺术家重新布展，以符合展出环境，打破惯有模式，使人们有机会以艺术家的视角进行欣赏。就像是《格列佛游记》里的描述，世界忽大忽小，变幻莫测。
Michael Kienzer 1962年生于奥地利斯太尔，2000年获奥地利格拉茨城市艺术奖，2001年获Otto Mauer奖，他在奥地利当代艺术中占有重要地位。Michael Kienzer采用图形制作或绘画雕刻等方式，利用不同的艺术语言、跨越不同的空间、时间进行创作。他认为每种媒材各有不同的文化内涵和社会寓意，橡皮圈、磁带、金属管、塑料板等材料在他的作品中随处可见。他将这些材料切割重组，创造出令人咂舌的新作。此外Kienzer还将纤维织物和地毯运用到雕刻装置中，各种材质的巧妙融合在保留其原有属性的同时又表达出全新的内涵，这种创作既颠覆十足，又充满诗意。
Kienzer作品对空间和历史有着独特的认知，近年来他的许多作品都曾公开展出。例如在Retznei展出的混凝土板，当人们在上面行走时带动厚板运动，现实中的动作与厚板表面映射出的动作产生奇妙的差异，令人叫绝。此外格拉茨的Dominicus Chapel、St. Andr?教堂、Schlossberg酒店以及奥地利雕刻公园，也都遍布Michael Kienzer的足迹。
没有哪种创作，比Michael Kienzer进行的旧材料解构更困难。因为单纯凭借空间假设与艺术想象力，艺术家甚至无法“依托”任何一种历史进程、文化背景，作品表意尤其难于被评论界解读并赏识。同时，又因为看起来平凡无奇地“旧物改造”，巨大的体量还容易被批评为“哗众取宠”。或许Kienzer的作品不具备“收藏元素”，然而，真正的艺术品，必定领先于批评话语，而非对其进行“机械拷贝”。
抽象主义的回声
不仅在巴黎、纽约遍地开花，抽象主义对加拿大和魁北克的当代艺术同样有着深远影响。20世纪40年代初期，在国际性艺术运动活跃的同时，蒙特利尔的艺术家们也对抽象艺术进行了深入探究。
展览名为“抽象大师”（A Matter of Abstraction），它按照时间顺序，从历史角度出发，强调以非呈现性和非语言性的方式表现图形与色彩。一些绘画和雕塑作品虽各不相同，却共同反映出20世纪40年代以来的政治、经济、文化、民族语境，投射出加拿大独特的艺术风貌。
本次展览共收录56位知名加拿大艺术家的104件重要艺术作品，以魁北克的艺术作品为主，力图还原从1940年至2010年近70年的本土现当代艺术历史。展览共分为十个相互连接的开放式空间，在欣赏单个作品的同时也能兼顾其他；照明设备在每幅展品上投射多角度灯光，确保更好的呈现作品的多样性及复杂性。 Paul-?mile Borduas曾说：“抽象主义是纯粹的，而非现实的。”加拿大的抽象主义，比起反映现实事物，更注重精神世界的表达；突出了暧昧的空间和简化的形状，画布上纵横、扭曲的线条，传达出不受拘束的强烈情感和内在力量。
同期举办的同类综合性展览还有在现代艺术博物馆展出的“抽象一代：印制”（Abstract Generation： Now in Print）。“抽象一代”以印刷的方式，向人们展示了艺术与几何线条、形状，在过去数十年中所产生的重要关联，以及在美学界回响。该展览以印刷品、艺术家画册，以及各个时期展览馆的宣传册为特色，其中包括了Cory Arcangel， Tauba Auerbach， Philippe Decrauzat， Liam Gillick， Wade Guyton， Nadia Kaabi-Linke， R. H. Quaytman和 Charline von Heyl等重要艺术家的印刷作品、补充着关于艺术在几何方向探索的重要文本资料。