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编者按：
2013年12月6日，“彩墨情韵——李夜冰画展”在中国美求馆开幕，山西省委、省政府多位领导也出席了此次开幕式，现场开幕式盛况空前。6日上午在中国美术馆七层会议室开展了一场关于“彩墨情韵——李夜冰画展”的学术研讨会。研讨会由薛永丰、尚辉担任学术主持。以下为学术研讨会的发言摘要。
激情，勤奋，广泛吸收
赵力（国家画院资深研究人员）：今天进展厅以后，我想捕捉一个点，结果我捕捉到什么了，前人有一句诗，叫“不拘一格降人才”，我把这句话改一下，夜冰的画是“不拘一发画墨彩”，或者说是“不拘一画展墨彩”，这一画是指什么呢？不拘泥于一个画种，这里面什么都有，然后什么我都拿过来，都为我所用，就像他的图章所说的“无法无师”，他都拿来了，拿来以后为我所用，展现我的想法，展现到画面上。刚才好几个先生都谈到融合中西的问题，事实上这些年融合中西我们基本上都一个特点，就是以中为本，以西为客。其实李夜冰他反过来了，从他的经历来说，他一开始并没有学中国画，前面搞了大半辈子油画版画连环画，插图，是后面五十多岁六十多岁这才开始摸中国画。所以说他的融合，不是以中为本，而是以西为本，然后把中国画再拿过来填到我的西画类型里。比如他的水粉，和黄永玉的就不完全一样。黄永玉在画面上大量留白，夜冰几乎没有空白。所以这二位先生比较起来的话，如果用中国画来要求，他的味道赶不上黄先生，可是你要从西画来说，我们说改造西画，把西画拿出来画出中国味道来，那夜冰显然更胜一筹。看完这个展览，我看了老头真不像这么大，一是激情，充满激情；二是勤奋，尽管我没有和他一块儿出去写生旅游，但从作品中能看到，他是抓紧机会手不离笔的；第三点是广泛地吸收，什么我都拿来，从这样说他胆够大，我只要拿来我就敢往画里放。
热爱生活，严肃创作，追求大美
李维世：（河北省美术家协会理论在研究会会长：河北师大美术学院教授）：我今天想着重谈一个问题——李夜冰先生作品的美感。这个美术，就是美的技术，起码要有两个因素，首先要让人感觉上美，第二个就是要有技术，要有技术技巧。艺术的核心就是美，美是艺术最高的法律。美术美术就要给别人美感享受。坦率地说，前段时间我回到母校中央美院，看了中央美院教师的作品展，我感觉比起我当年上中央美院那些大师作品差得太多了，太让人失望了，没想到现在的作品那么差，有些作品简直令人恶心，真不想看。我想没有收藏家会收藏那样的作品，因为它不是美的。而李夜冰的作品给人感觉特别美，他画的那些荷花，生机勃勃，把各种各样的荷花都表现出来，他既有笔墨也有那种真趣。另外在疏密的讲究、线条的应用、笔墨的应用上，都非常美。花鸟画的最高境界就是情趣，在李夜冰的画里他有情趣，不但注意到了墨，注意到了色、线条，而且有情趣，里面包含着哲理。不知大家注意到了没有，后边有一部分他的素描，线勾技术，我过去看过李夜冰他画的大量的线描，大量的速写。刚才很多专家都谈到了，他的绘画是建立在扎实的基础上的，因为只有基础越扎实才能建起高楼大厦。李夜冰他是严肃认真地创作，有鲜明的个人风格，而个人风格是一个艺术家成熟的标志。李夜冰走的是一种融合的道路，他的作品格调品位高雅，我个人认为不是俗气的更不是颓废没落的。现在我们有些画家画得颓废没落，比如说一些画家把我们中国人画得是又傻又笨又脏又愚昧，把我们的农民画得就是一个大粗脖子，就是三角形脚，驼着背，又脏又傻又臭，丑化我们中国人。在李夜冰的画里他表现了生活的热爱，对大自然他有着旺盛的精力，他有创作之心。虽然他80多岁了，他的画画得很年轻，甚至比三四十岁的画家画得还有朝气，这是建立在他的严肃的创作态度、深厚的理论修养基础上的。
每一张作品都有青春的感觉
邓平祥（美术史论家，《吴冠中全集》分卷主编）：非常想谈的一个问题就是他作为一个80高龄的艺术家作品之间没有衰弱之气，没有暮气，流露出一种非常有力量的非常健康健朗的一种状态，作品量这么大，每一张作品都有一种青春的感觉，这是不容易的。他如果没有对艺术达到信仰级别的这种态度，我觉得不会流露出这种东西来。所以我觉得他对艺术有一种信仰级别的宗教级别。按照史论的观点，就是第一价值，他把艺术当作第一价值来对待，所以他没有暮气，总是那样年轻。我感觉他跟吴冠中先生、黄永玉先生在一点上是非常一致的，就是这种青春的状态活力的状态，感性的状态，我认为这一点非常难得。我认为这是现代大师的一个特征。比如说毕加索，他就是永远是一种青春状态，是不是？但是传统大部分不是这样的，传统它就是老辣，老成持重的感觉。但是李先生、黄永玉、吴冠中先生倾向于现代性的新的表达方式，好像有一种青春特征，永远是一种年轻状态。我们那时就经常听到一个对吴冠中、黄永玉先生的一种批评，说他的不成熟性，我觉得这是一个偏颇。这种艺术家是永远处于青春和探索状态的艺术家，不能用成熟来评价他。李先生也是这样的，他有一种非成熟性的特征，这是很值得研究的。我在给吴冠中先生全集写的个一万多字的序中，都提到这一点。正是因为他们这种不成熟性，决定了他们艺术创造性的成果、探索性的成果和新代性的特征。你要说是成熟性是另外一种成熟性，而不是拿传统大师齐白石的那种成熟性或者李可染的成熟性来套他们。我认为这是一个批评的误区，我们不能对所有的艺术家拿成熟性来当做一棍子，是吧，作为一种非用不可的方法，我觉得不是这样的，不是这样的。我认为吴冠中先生九十多岁高龄去世的时候，他的艺术如果用成熟性来评价还是不成熟的，但是不成熟就是他的特征，他如果成熟了他就是另外一个人了，就没有他那种最有艺术性的最宝贵的特征了，为什么说他们是不成熟的他们是探索的，探索带有原创性，原来的成熟性的画家，他们为什么成熟呢？因为他是用了几百年几十代的艺术家的成果，集中到他身上，他就能成熟，因为他生理年龄几十岁他用了几百年的成果他为什么不成熟啊？但是探索性的画家不是这样的，他的成果不是这么用的，他自己在生理年龄里自己探索，他就不会成熟，所以我不赞成用成熟来作为一个批评的方式，或者是一个固定的方式，我认为是不公道的。李夜冰先生的艺术也是这样的。 大视野，大境界
郑工（中国艺术研究院美术研究所副所长）：我这几年在做20世纪美术研究，最近在做延安美术档案一套丛书，那么对于延安美术这个群体，尤其是在1935年到1949年这一段，在共产党领导下的从事革命美术工作的艺术家群体，我对这一段十分感兴趣。因为李夜冰先生在解放区参加了革命工作，从事美术工作，我就觉得这个群体是非常有意思的。从事革命美术，他们是革命的美术家，创意精神体现在这一批这一代人的身上，李夜冰先生也是一个体现，所以他为什么到了八十几岁的时候还不断去探索。对于他来说，革命的问题就是颠覆性结构性的，就是创造性的。我觉得李夜冰先生身上的活力那种创造力，跟这个群体有密切的联系。在20世纪彩墨是一个很有争议的问题，他背负着取消中国画的罪名，正因为这一点，李夜冰先生的画展，在21世纪的时候同样还把这个问题提出来，成为他一生当中的艺术追求，也是他内在的无法解开的一个情结。我觉得这就是一个情结，他今天的画展在半个多世纪以后，成为彩墨画的发展和存在的一个个案。在李夜冰先生的彩墨画当中，我对他的荷的印象是最突出的，荷的简单印象就是残荷，跟一股的传统不一样。它是传统绘画的一个符号，有很多寓意，但他把好多寓意都改进了，强调一种整体的意境，一种情境，一种语境。其实这就是一种语境，他铺得很满。残荷在我们印象当中都是萧索的，苍老的，比较冷逸，但李夜冰先生不是，他有一种很积极向上的东西，很丰厚苍老的东西，这个意象已经被他转换了。这两个展厅当中，一个以花鸟为主，一个以山水或风景为主，其实都有一个共同的视野。这种视野很有意思，比如说如果把西厅看作是花鸟画的话，其实他又不是折枝的，而是满构图的，是一个完整的有机的画面，他有一种风景化了的一种气象。回到东厅，显然不是山水画，而是风景画，是以写生为主的那种风景画，从中又透露出了中国山水画的那种观察方式，那样一种视野，叫做大视野，大境界，一种朦胧的能不断扩张的气势。让人能够从一个写生的有限的范围当中走出来，去感受到中国传统的大山水的那种感觉。
一个与时代同行的人
王学辉（山西美术家协会主席、山西画院院长）：简单谈点感想。我感觉今天这个研讨会质量很高，理论家们对李夜冰先生的作品和整个成就分析得非常到位，还对李夜冰先生的画作提出了一些建议，我就代表我们山西的美术家们对于各位理论家表示衷心地感谢。我今天一进展厅，有一个感觉，这么寒冷的冬天，一进展厅，是色彩缤纷、热烈的，积极向上的氛围，和天气形成了一个反差。看了画展，正如理论家们说的，感觉热烈，感受到了热情和烂漫，这跟李老师这个年龄也是一个反差。我们在山西，和李先生接触很多，平时对他的画也非常熟悉。但是今天这个展示，又在这样特别的殿堂，有这么多作品，我很激动，我们山西这么好的一个画家，在这么大的年龄能拿出这么年轻这么有生气的展览，我对他的成就表示祝贺。还有就是，李先生在我省，他是一个与时代同行的人，他在不同的阶段都有不同的成果，比如年轻的时候，在战争年代，他与时代的脉搏在跳动，创作了一批那样的作品。到了我们长大的六十年代七十年代，李夜冰先生是我省非常出名的一个年画作者，因为当时全国许多优秀的画家都在创作年画，当时他就创作了非常多的非常好的人民群众都喜欢的年画。到了八十年代，改革开放以后呢，在山西工艺美领域他是领导，又创作出了非常优秀的工艺美术，领导了一支队伍，在工艺美术方面作了大量的工作。在他退休以后，他结合他多少年的工作经历，加上创作实践阅历，走出了今天这么一条路子。所以我觉得，李先生生命力非常旺盛，热爱生活，忠实于艺术，是从我们山西走出来的一个优秀画家，我在这里也代表我们所有山西的朋友祝贺夜冰先生健康长寿艺术常青。
给我们美术界提供了一个重要的个案
尚辉（美术杂志执行主编）：刚才学辉做了一个很好的总结。我想讲三句话。第一句话就是说，李夜冰的这个展览给我们最深刻的印象，首先是不像80岁的人画的画，作品里面充满了生命力，充满着创造性，是我们没有想到的。第二句话就是，李夜冰不像来自山西的画家，这句话的言下之意就是他的作品里面有很多彩墨的成分，有很多不合传统的成分，他的这样一种创作更多地像海派绘画，像广东人的绘画，因为在那些地方，传统可能不被过分强调。在我们印象中，作为中华文明的腹地，山西应该相对来说更加注重传统的地方，所以我李夜冰的画不太像山西的作品。第三句话就是通过今天的这样一个研讨，李夜冰给我们美术界，当下美术界提供了一个重要的个案——他的彩墨绘画，在当代中国绘画的体系中有他的价值。
2013年12月6日，“彩墨情韵——李夜冰画展”在中国美求馆开幕，山西省委、省政府多位领导也出席了此次开幕式，现场开幕式盛况空前。6日上午在中国美术馆七层会议室开展了一场关于“彩墨情韵——李夜冰画展”的学术研讨会。研讨会由薛永丰、尚辉担任学术主持。以下为学术研讨会的发言摘要。
激情，勤奋，广泛吸收
赵力（国家画院资深研究人员）：今天进展厅以后，我想捕捉一个点，结果我捕捉到什么了，前人有一句诗，叫“不拘一格降人才”，我把这句话改一下，夜冰的画是“不拘一发画墨彩”，或者说是“不拘一画展墨彩”，这一画是指什么呢？不拘泥于一个画种，这里面什么都有，然后什么我都拿过来，都为我所用，就像他的图章所说的“无法无师”，他都拿来了，拿来以后为我所用，展现我的想法，展现到画面上。刚才好几个先生都谈到融合中西的问题，事实上这些年融合中西我们基本上都一个特点，就是以中为本，以西为客。其实李夜冰他反过来了，从他的经历来说，他一开始并没有学中国画，前面搞了大半辈子油画版画连环画，插图，是后面五十多岁六十多岁这才开始摸中国画。所以说他的融合，不是以中为本，而是以西为本，然后把中国画再拿过来填到我的西画类型里。比如他的水粉，和黄永玉的就不完全一样。黄永玉在画面上大量留白，夜冰几乎没有空白。所以这二位先生比较起来的话，如果用中国画来要求，他的味道赶不上黄先生，可是你要从西画来说，我们说改造西画，把西画拿出来画出中国味道来，那夜冰显然更胜一筹。看完这个展览，我看了老头真不像这么大，一是激情，充满激情；二是勤奋，尽管我没有和他一块儿出去写生旅游，但从作品中能看到，他是抓紧机会手不离笔的；第三点是广泛地吸收，什么我都拿来，从这样说他胆够大，我只要拿来我就敢往画里放。
热爱生活，严肃创作，追求大美
李维世：（河北省美术家协会理论在研究会会长：河北师大美术学院教授）：我今天想着重谈一个问题——李夜冰先生作品的美感。这个美术，就是美的技术，起码要有两个因素，首先要让人感觉上美，第二个就是要有技术，要有技术技巧。艺术的核心就是美，美是艺术最高的法律。美术美术就要给别人美感享受。坦率地说，前段时间我回到母校中央美院，看了中央美院教师的作品展，我感觉比起我当年上中央美院那些大师作品差得太多了，太让人失望了，没想到现在的作品那么差，有些作品简直令人恶心，真不想看。我想没有收藏家会收藏那样的作品，因为它不是美的。而李夜冰的作品给人感觉特别美，他画的那些荷花，生机勃勃，把各种各样的荷花都表现出来，他既有笔墨也有那种真趣。另外在疏密的讲究、线条的应用、笔墨的应用上，都非常美。花鸟画的最高境界就是情趣，在李夜冰的画里他有情趣，不但注意到了墨，注意到了色、线条，而且有情趣，里面包含着哲理。不知大家注意到了没有，后边有一部分他的素描，线勾技术，我过去看过李夜冰他画的大量的线描，大量的速写。刚才很多专家都谈到了，他的绘画是建立在扎实的基础上的，因为只有基础越扎实才能建起高楼大厦。李夜冰他是严肃认真地创作，有鲜明的个人风格，而个人风格是一个艺术家成熟的标志。李夜冰走的是一种融合的道路，他的作品格调品位高雅，我个人认为不是俗气的更不是颓废没落的。现在我们有些画家画得颓废没落，比如说一些画家把我们中国人画得是又傻又笨又脏又愚昧，把我们的农民画得就是一个大粗脖子，就是三角形脚，驼着背，又脏又傻又臭，丑化我们中国人。在李夜冰的画里他表现了生活的热爱，对大自然他有着旺盛的精力，他有创作之心。虽然他80多岁了，他的画画得很年轻，甚至比三四十岁的画家画得还有朝气，这是建立在他的严肃的创作态度、深厚的理论修养基础上的。
每一张作品都有青春的感觉
邓平祥（美术史论家，《吴冠中全集》分卷主编）：非常想谈的一个问题就是他作为一个80高龄的艺术家作品之间没有衰弱之气，没有暮气，流露出一种非常有力量的非常健康健朗的一种状态，作品量这么大，每一张作品都有一种青春的感觉，这是不容易的。他如果没有对艺术达到信仰级别的这种态度，我觉得不会流露出这种东西来。所以我觉得他对艺术有一种信仰级别的宗教级别。按照史论的观点，就是第一价值，他把艺术当作第一价值来对待，所以他没有暮气，总是那样年轻。我感觉他跟吴冠中先生、黄永玉先生在一点上是非常一致的，就是这种青春的状态活力的状态，感性的状态，我认为这一点非常难得。我认为这是现代大师的一个特征。比如说毕加索，他就是永远是一种青春状态，是不是？但是传统大部分不是这样的，传统它就是老辣，老成持重的感觉。但是李先生、黄永玉、吴冠中先生倾向于现代性的新的表达方式，好像有一种青春特征，永远是一种年轻状态。我们那时就经常听到一个对吴冠中、黄永玉先生的一种批评，说他的不成熟性，我觉得这是一个偏颇。这种艺术家是永远处于青春和探索状态的艺术家，不能用成熟来评价他。李先生也是这样的，他有一种非成熟性的特征，这是很值得研究的。我在给吴冠中先生全集写的个一万多字的序中，都提到这一点。正是因为他们这种不成熟性，决定了他们艺术创造性的成果、探索性的成果和新代性的特征。你要说是成熟性是另外一种成熟性，而不是拿传统大师齐白石的那种成熟性或者李可染的成熟性来套他们。我认为这是一个批评的误区，我们不能对所有的艺术家拿成熟性来当做一棍子，是吧，作为一种非用不可的方法，我觉得不是这样的，不是这样的。我认为吴冠中先生九十多岁高龄去世的时候，他的艺术如果用成熟性来评价还是不成熟的，但是不成熟就是他的特征，他如果成熟了他就是另外一个人了，就没有他那种最有艺术性的最宝贵的特征了，为什么说他们是不成熟的他们是探索的，探索带有原创性，原来的成熟性的画家，他们为什么成熟呢？因为他是用了几百年几十代的艺术家的成果，集中到他身上，他就能成熟，因为他生理年龄几十岁他用了几百年的成果他为什么不成熟啊？但是探索性的画家不是这样的，他的成果不是这么用的，他自己在生理年龄里自己探索，他就不会成熟，所以我不赞成用成熟来作为一个批评的方式，或者是一个固定的方式，我认为是不公道的。李夜冰先生的艺术也是这样的。 大视野，大境界
郑工（中国艺术研究院美术研究所副所长）：我这几年在做20世纪美术研究，最近在做延安美术档案一套丛书，那么对于延安美术这个群体，尤其是在1935年到1949年这一段，在共产党领导下的从事革命美术工作的艺术家群体，我对这一段十分感兴趣。因为李夜冰先生在解放区参加了革命工作，从事美术工作，我就觉得这个群体是非常有意思的。从事革命美术，他们是革命的美术家，创意精神体现在这一批这一代人的身上，李夜冰先生也是一个体现，所以他为什么到了八十几岁的时候还不断去探索。对于他来说，革命的问题就是颠覆性结构性的，就是创造性的。我觉得李夜冰先生身上的活力那种创造力，跟这个群体有密切的联系。在20世纪彩墨是一个很有争议的问题，他背负着取消中国画的罪名，正因为这一点，李夜冰先生的画展，在21世纪的时候同样还把这个问题提出来，成为他一生当中的艺术追求，也是他内在的无法解开的一个情结。我觉得这就是一个情结，他今天的画展在半个多世纪以后，成为彩墨画的发展和存在的一个个案。在李夜冰先生的彩墨画当中，我对他的荷的印象是最突出的，荷的简单印象就是残荷，跟一股的传统不一样。它是传统绘画的一个符号，有很多寓意，但他把好多寓意都改进了，强调一种整体的意境，一种情境，一种语境。其实这就是一种语境，他铺得很满。残荷在我们印象当中都是萧索的，苍老的，比较冷逸，但李夜冰先生不是，他有一种很积极向上的东西，很丰厚苍老的东西，这个意象已经被他转换了。这两个展厅当中，一个以花鸟为主，一个以山水或风景为主，其实都有一个共同的视野。这种视野很有意思，比如说如果把西厅看作是花鸟画的话，其实他又不是折枝的，而是满构图的，是一个完整的有机的画面，他有一种风景化了的一种气象。回到东厅，显然不是山水画，而是风景画，是以写生为主的那种风景画，从中又透露出了中国山水画的那种观察方式，那样一种视野，叫做大视野，大境界，一种朦胧的能不断扩张的气势。让人能够从一个写生的有限的范围当中走出来，去感受到中国传统的大山水的那种感觉。
一个与时代同行的人
王学辉（山西美术家协会主席、山西画院院长）：简单谈点感想。我感觉今天这个研讨会质量很高，理论家们对李夜冰先生的作品和整个成就分析得非常到位，还对李夜冰先生的画作提出了一些建议，我就代表我们山西的美术家们对于各位理论家表示衷心地感谢。我今天一进展厅，有一个感觉，这么寒冷的冬天，一进展厅，是色彩缤纷、热烈的，积极向上的氛围，和天气形成了一个反差。看了画展，正如理论家们说的，感觉热烈，感受到了热情和烂漫，这跟李老师这个年龄也是一个反差。我们在山西，和李先生接触很多，平时对他的画也非常熟悉。但是今天这个展示，又在这样特别的殿堂，有这么多作品，我很激动，我们山西这么好的一个画家，在这么大的年龄能拿出这么年轻这么有生气的展览，我对他的成就表示祝贺。还有就是，李先生在我省，他是一个与时代同行的人，他在不同的阶段都有不同的成果，比如年轻的时候，在战争年代，他与时代的脉搏在跳动，创作了一批那样的作品。到了我们长大的六十年代七十年代，李夜冰先生是我省非常出名的一个年画作者，因为当时全国许多优秀的画家都在创作年画，当时他就创作了非常多的非常好的人民群众都喜欢的年画。到了八十年代，改革开放以后呢，在山西工艺美领域他是领导，又创作出了非常优秀的工艺美术，领导了一支队伍，在工艺美术方面作了大量的工作。在他退休以后，他结合他多少年的工作经历，加上创作实践阅历，走出了今天这么一条路子。所以我觉得，李先生生命力非常旺盛，热爱生活，忠实于艺术，是从我们山西走出来的一个优秀画家，我在这里也代表我们所有山西的朋友祝贺夜冰先生健康长寿艺术常青。
给我们美术界提供了一个重要的个案
尚辉（美术杂志执行主编）：刚才学辉做了一个很好的总结。我想讲三句话。第一句话就是说，李夜冰的这个展览给我们最深刻的印象，首先是不像80岁的人画的画，作品里面充满了生命力，充满着创造性，是我们没有想到的。第二句话就是，李夜冰不像来自山西的画家，这句话的言下之意就是他的作品里面有很多彩墨的成分，有很多不合传统的成分，他的这样一种创作更多地像海派绘画，像广东人的绘画，因为在那些地方，传统可能不被过分强调。在我们印象中，作为中华文明的腹地，山西应该相对来说更加注重传统的地方，所以我李夜冰的画不太像山西的作品。第三句话就是通过今天的这样一个研讨，李夜冰给我们美术界，当下美术界提供了一个重要的个案——他的彩墨绘画，在当代中国绘画的体系中有他的价值。