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舞台是国际著名摄影师路易斯?卡斯特涅达成名的拍摄题材,翻开徕卡公司的宣传样本,其中许多精选的优秀作品都是路易斯的舞蹈作品。当我们请他选一个最有感触的摄影题材撰稿,作为一年“名家绝技”系列文章的压轴之作时,他毫不迟疑地提出了舞台摄影。当他把文稿传来,我们细细阅读思索,可以从中感受到他对舞台摄影的感情,可以品味出货真价实的经验总结,也可以看到他如何把舞蹈的灵魂充分地展示出来的绝技。
目的决定技法
拍摄舞蹈表演取决于你的创作想法。一种方法是使用较慢的快门速度去捕捉“运动的感觉”,而另一种方法刚好相反,用最快的快门速度去“冻结”,这两种方法都正确,但同样难以实现,需要摄影师高度集中的注意力和高水准的拍摄技巧。
从本质上讲,体育摄影使用的许多原则也适用于舞台摄影。舞台摄影需要有“高峰时刻”来临的确切时间的意识,即“舞蹈表演高潮”的记录水平。你必须要学会在欣赏舞蹈的同时工作迅速,使所有因素完全协调一致,不失时机地抓拍到最佳瞬间。
熟悉设备
大部分情况下,舞蹈都是在舞台上表演的,这意味着你经常会在低照明的暗弱灯光条件下拍摄,因此,你将需要一些大孔径镜头,它们要比你通常会在户外日光下使用的普通镜头更出色一些。如今的数码摄影越来越直观简捷,而且这种趋势也越来越明显,相机在高感光度的设置之下操作也非常容易,但是要拍好照片,一定要熟悉器材,这个道理到什么时候也不过时。
如果你主要在演出现场进行拍摄,我必须强调对设备了解的重要性,这样你才可以随心所欲地使用相机。摄影师必须在剧院黑暗的环境下使用相机和镜头。这里有一个方法值得一试,那就是闭上眼睛,模拟现场实况,在黑暗的情况下调整快门速度、光圈、调节各种拍摄模式,甚至摸黑装卸、交换镜头。等你反复练习,能够得心应手地控制相机时,那么,从事舞台摄影就问题不大了。
熟悉拍摄内容
仅仅知道如何操作相机和配件是不够的。由于每一个舞蹈动作都被音乐、节奏和舞蹈设计所限制,虽然我们并不是一定要完全掌握舞蹈的编排细节,但是这是一个迫切需要的“恩赐”,你需要预先知道舞蹈演员的动作程序,这样可以大大消除紧张心情,能够集中精力拍摄最精彩的时段。当你熟悉舞蹈家的动作时,只要看到某个姿势,就能预知到高潮动作的来临,迅速做好拍摄的准备。另外,了解舞蹈音乐尤其重要,它可以让你把握拍摄节奏,甚至让自己伴着节奏去拍摄。再次强调,这一点将帮助你对舞台上发生的事情做出自己的艺术性诠释。
现场胜于排练场
我更喜欢在表演现场拍摄舞蹈,因为舞者“沉醉”于他们的表演中,可以拍出舞蹈的精神和灵魂。虽然我也常常在节目彩排的时候拍摄舞蹈,我可以让演员一遍又一遍地重复动作,直到拍出了“最适当的动作瞬间”。虽然这些照片在“技术上看上去更完美”,但是看上去有点“冷”,缺乏实际表演时的激情“火花”。我深深地感到:摆拍的照片无法表现舞魂而只能表现舞蹈的架势。
摄影站位
拍摄一个演出的时候,是否能够拍摄成功,很多程度上取决于你被允许坐或站的地方。如果我想把注意力集中在一两个舞者的动作上(比如在一个芭蕾双人舞里),我最喜欢的地方是坐在第一排中央位置。但通常这只是一个梦,一个不可能的追求,因为这些席位是最高级最昂贵的,剧场经理自然不希望就这样丢弃它们。曾经有很多次,当我能够让我的客户明白“对拥有这些席位去拍摄照片的重要性”,我的拍摄就成功了一半。我最好的芭蕾舞图片都是坐在第一排中央的位置上拍摄的。我能够获得跟普通观众一样的角度,拍出观众真情实感的画面。
有时,我实在无法从第一排拍摄,就会在侧面的通道里,根据舞蹈的表演情况,使用长焦镜头在舞台后面拍摄。
除非我特意拍摄芭蕾舞团的群舞,否则我从来不会从阳台或任何高的地方去拍摄照片,因为从这个角度看上去,就会压缩或削弱舞者的表演姿态的美感。
理想的角度恰恰是在你的视线里要有舞蹈演员脚的地方。
对焦技术
我不使用任何自动对焦模式,它们的反应实在太慢,再说,你会因为考虑是否采用自动对焦,还是担心对焦是否完成而心烦意乱,这是不好的,因为你需要全神贯注地捕捉舞蹈中独特而转瞬即逝的时刻。
有些时候,我不得不从剧院的最后边进行拍摄,我必须使用增倍镜延长镜头的焦距。我所做的就是把相机放置在三脚架上,断开自动对焦并且手动执行所有的聚焦。这样,我缩短了快门的时滞,因为相机不必等待完成自动对焦了。
静音拍摄
在现场拍摄演出时,无声的快门几乎是一个宝贵的资产。我个人认为舞蹈的表演是“神圣的”,我不希望我的工作对现场的观众产生任何的影响。毕竟,他们支付了门票,我们要充分尊重他们,不要做大量干涉人们欣赏舞蹈的事情。
我从来不使用连拍功能,它们不但会增加噪音和打扰周围的人,而且对于摄影训练来说也是无用的。我宁愿集中精力捕捉“精彩时刻”,因为通常拍摄的节奏可能和你想捕捉的完美时刻不一致。我喜欢将目标锁定在一张捕捉最完美时刻的照片上,而不是一连串无用的拍摄上。
“准确”曝光
曝光问题可能有点棘手,因为一般来说,舞台中央场景的照明比两边或者背景都更强烈。曝光表此时看起来很可笑而且也会让你误读。你必须通过不同曝光试拍,找到准确的曝光值,来弥补测光的“错误”。不过,记住,照相机永远不会自己思考,摄影师才是真正的命令者。幸运的是,数码相机让曝光变得非常容易,立拍立现让你可以随时检查并调整你的所有设置,确保拍摄工作万无一失。
快门速度
另一个重要的考虑因素是什么样的快门速度可以有效记录舞者的动作。一般情况下,快门速度的选择取决于相机感光度的选择,动作本身以及离我们想要拍摄的动作有多远或多近。我发现,快门速度为1 / 125秒时,使用90mm镜头,我在第一排座位可以放心正常地拍摄,并且记录舞台上大部分的动作。如果要我手举相机站着拍摄,我更愿意使用1/250秒,以避免由我自己的脉搏造成的任何模糊。这些速度,足以涵盖绝大部分情况,当然只要你有足够的光线。有时候,根据特定场景的照明,我不得不用1 / 60秒,甚至更慢的速度进行拍摄。在这种情况下,我必须非常小心,不能移动或震动相机。
熟悉细节
再次强调,要预先知道舞蹈编排对舞台摄影来说有很大的帮助。我的经验与舞蹈摄影实践见证了许多世界上伟大的舞蹈家现场表演的难以忘怀的时刻。一次,一个公司的董事看过我的照片后,对我说:“你可以用你的相机与我们一起在舞台上起舞。”我觉得这是非常正确的。
最后要说一句警告:舞蹈摄影可以严重上瘾:我可以向你保证,经过这么多年舞台表演的拍摄,除非我是带着我的相机去拍摄的,不然我不会欣赏任何的表演!
(责任编辑:金俊)
目的决定技法
拍摄舞蹈表演取决于你的创作想法。一种方法是使用较慢的快门速度去捕捉“运动的感觉”,而另一种方法刚好相反,用最快的快门速度去“冻结”,这两种方法都正确,但同样难以实现,需要摄影师高度集中的注意力和高水准的拍摄技巧。
从本质上讲,体育摄影使用的许多原则也适用于舞台摄影。舞台摄影需要有“高峰时刻”来临的确切时间的意识,即“舞蹈表演高潮”的记录水平。你必须要学会在欣赏舞蹈的同时工作迅速,使所有因素完全协调一致,不失时机地抓拍到最佳瞬间。
熟悉设备
大部分情况下,舞蹈都是在舞台上表演的,这意味着你经常会在低照明的暗弱灯光条件下拍摄,因此,你将需要一些大孔径镜头,它们要比你通常会在户外日光下使用的普通镜头更出色一些。如今的数码摄影越来越直观简捷,而且这种趋势也越来越明显,相机在高感光度的设置之下操作也非常容易,但是要拍好照片,一定要熟悉器材,这个道理到什么时候也不过时。
如果你主要在演出现场进行拍摄,我必须强调对设备了解的重要性,这样你才可以随心所欲地使用相机。摄影师必须在剧院黑暗的环境下使用相机和镜头。这里有一个方法值得一试,那就是闭上眼睛,模拟现场实况,在黑暗的情况下调整快门速度、光圈、调节各种拍摄模式,甚至摸黑装卸、交换镜头。等你反复练习,能够得心应手地控制相机时,那么,从事舞台摄影就问题不大了。
熟悉拍摄内容
仅仅知道如何操作相机和配件是不够的。由于每一个舞蹈动作都被音乐、节奏和舞蹈设计所限制,虽然我们并不是一定要完全掌握舞蹈的编排细节,但是这是一个迫切需要的“恩赐”,你需要预先知道舞蹈演员的动作程序,这样可以大大消除紧张心情,能够集中精力拍摄最精彩的时段。当你熟悉舞蹈家的动作时,只要看到某个姿势,就能预知到高潮动作的来临,迅速做好拍摄的准备。另外,了解舞蹈音乐尤其重要,它可以让你把握拍摄节奏,甚至让自己伴着节奏去拍摄。再次强调,这一点将帮助你对舞台上发生的事情做出自己的艺术性诠释。
现场胜于排练场
我更喜欢在表演现场拍摄舞蹈,因为舞者“沉醉”于他们的表演中,可以拍出舞蹈的精神和灵魂。虽然我也常常在节目彩排的时候拍摄舞蹈,我可以让演员一遍又一遍地重复动作,直到拍出了“最适当的动作瞬间”。虽然这些照片在“技术上看上去更完美”,但是看上去有点“冷”,缺乏实际表演时的激情“火花”。我深深地感到:摆拍的照片无法表现舞魂而只能表现舞蹈的架势。
摄影站位
拍摄一个演出的时候,是否能够拍摄成功,很多程度上取决于你被允许坐或站的地方。如果我想把注意力集中在一两个舞者的动作上(比如在一个芭蕾双人舞里),我最喜欢的地方是坐在第一排中央位置。但通常这只是一个梦,一个不可能的追求,因为这些席位是最高级最昂贵的,剧场经理自然不希望就这样丢弃它们。曾经有很多次,当我能够让我的客户明白“对拥有这些席位去拍摄照片的重要性”,我的拍摄就成功了一半。我最好的芭蕾舞图片都是坐在第一排中央的位置上拍摄的。我能够获得跟普通观众一样的角度,拍出观众真情实感的画面。
有时,我实在无法从第一排拍摄,就会在侧面的通道里,根据舞蹈的表演情况,使用长焦镜头在舞台后面拍摄。
除非我特意拍摄芭蕾舞团的群舞,否则我从来不会从阳台或任何高的地方去拍摄照片,因为从这个角度看上去,就会压缩或削弱舞者的表演姿态的美感。
理想的角度恰恰是在你的视线里要有舞蹈演员脚的地方。
对焦技术
我不使用任何自动对焦模式,它们的反应实在太慢,再说,你会因为考虑是否采用自动对焦,还是担心对焦是否完成而心烦意乱,这是不好的,因为你需要全神贯注地捕捉舞蹈中独特而转瞬即逝的时刻。
有些时候,我不得不从剧院的最后边进行拍摄,我必须使用增倍镜延长镜头的焦距。我所做的就是把相机放置在三脚架上,断开自动对焦并且手动执行所有的聚焦。这样,我缩短了快门的时滞,因为相机不必等待完成自动对焦了。
静音拍摄
在现场拍摄演出时,无声的快门几乎是一个宝贵的资产。我个人认为舞蹈的表演是“神圣的”,我不希望我的工作对现场的观众产生任何的影响。毕竟,他们支付了门票,我们要充分尊重他们,不要做大量干涉人们欣赏舞蹈的事情。
我从来不使用连拍功能,它们不但会增加噪音和打扰周围的人,而且对于摄影训练来说也是无用的。我宁愿集中精力捕捉“精彩时刻”,因为通常拍摄的节奏可能和你想捕捉的完美时刻不一致。我喜欢将目标锁定在一张捕捉最完美时刻的照片上,而不是一连串无用的拍摄上。
“准确”曝光
曝光问题可能有点棘手,因为一般来说,舞台中央场景的照明比两边或者背景都更强烈。曝光表此时看起来很可笑而且也会让你误读。你必须通过不同曝光试拍,找到准确的曝光值,来弥补测光的“错误”。不过,记住,照相机永远不会自己思考,摄影师才是真正的命令者。幸运的是,数码相机让曝光变得非常容易,立拍立现让你可以随时检查并调整你的所有设置,确保拍摄工作万无一失。
快门速度
另一个重要的考虑因素是什么样的快门速度可以有效记录舞者的动作。一般情况下,快门速度的选择取决于相机感光度的选择,动作本身以及离我们想要拍摄的动作有多远或多近。我发现,快门速度为1 / 125秒时,使用90mm镜头,我在第一排座位可以放心正常地拍摄,并且记录舞台上大部分的动作。如果要我手举相机站着拍摄,我更愿意使用1/250秒,以避免由我自己的脉搏造成的任何模糊。这些速度,足以涵盖绝大部分情况,当然只要你有足够的光线。有时候,根据特定场景的照明,我不得不用1 / 60秒,甚至更慢的速度进行拍摄。在这种情况下,我必须非常小心,不能移动或震动相机。
熟悉细节
再次强调,要预先知道舞蹈编排对舞台摄影来说有很大的帮助。我的经验与舞蹈摄影实践见证了许多世界上伟大的舞蹈家现场表演的难以忘怀的时刻。一次,一个公司的董事看过我的照片后,对我说:“你可以用你的相机与我们一起在舞台上起舞。”我觉得这是非常正确的。
最后要说一句警告:舞蹈摄影可以严重上瘾:我可以向你保证,经过这么多年舞台表演的拍摄,除非我是带着我的相机去拍摄的,不然我不会欣赏任何的表演!
(责任编辑:金俊)