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随着时代的变迁，现代人享受着各种快速消费.不知何时，这些快速消费的产物已经与我们的生活息息相关，无形中加快了我们的生活节奏，方便了我们的衣食住行。顾名思义，快速消费品的主体既是“快速”又是“消费”，对于商家来说最关心的也就是这两点。在这种强大的文化背景下，我想谈谈就绘画专业来说，油画在快速消费文化背景下的一系列转变以及未来可能存在的一些问题。
作为艺术工作者，在进行艺术创作的同时，我们会通过各种途径开阔自己的眼界，充实自己的大脑，努力培养自己独立思考的习惯，受益良多。伴随着理论与实践的积累，我发现当代油画的一系列微妙变化。就自己的美术学习经历举例来说，我记得大一刚开始接触油画时，临摹的第一张油画是古典静物。在我那时候的认知里，认为在油画的世界里古典写实就是最高标准，当时非常喜欢写实风格的人物画，不禁感叹大师们精湛的技艺以及在创作时怀有的一颗虔诚的心。因为掌握古典技法需要毅力和刻苦，而且还要有很高的文化修养。因此我练习了大量相关大师的经典作品，这也为我油画初期的风格形成打下了坚实的基础。到了大二，接触了印象派、超现实主义、抽象油画以及写意油画艺术等，打开了我对油画的进一步认识。现在，时下又流行着数字油画，这种油画又被称作编码油画，通过特殊工艺将画作加工成线条和数字符号，绘画者只需要在标有号码的填色区内填上相应标有号码的颜料色，就可以轻松地完成手绘作品，即使是没有半点绘画功底的人也能马上绘制出一幅令人赞叹的艺术作品。这种油画作品既能满足他们享受绘画过程的无穷乐趣，又能够迎合大众的艺术追求，使得油画作品更多地进入寻常百姓家，艺术对于普通大众们来说变得不再那么的遥不可及。而油画作为艺术品一旦进入了市场后，产生了买卖交换关系，便成为了商品，具有了商业性，从而形成了商业油画，它在快速消费的文化背景下应运而生。
存在即是合理，新事物的出现总要经历一段“否定、待定、肯定”的过程，最后才会被广大群体所接受。商业油画的出现，无疑是对传统油画的一次大大的冲击，起初引起了油畫界的一阵唏嘘。毕竟，在中国当前市场经济条件下，在“全球经济一体化”的大时代背景之中中国油画的商品化已经是一个不可逆转的趋势。无论是深圳的大芬村批量油画生产，还是北京798工厂的各个艺术家的自产自销式的小作坊，这些都充分说明商业油画的进程，也就是说，油画在当今成为了当之无愧的商品。说到商品油画又不得不提及当下可以说是泛滥的行画了。行画的概念有广义和狭义之分：广义的是指一味追求市场需求，却缺少艺术内涵和品味，无技法含量并且画面呈现低级媚俗，流水线绘制的大数量绘画成品；狭义是指包含油画、国画，其中多以大众喜爱的山水风景和动植物的题材出现，而画面的真实程度以及作画者内心的真情流露，皆得不到体现，甚至都算不上是艺术品。其不光没有收藏价值，连装饰价值都没有。俗话说，有需求必有供应，它的大量出现一定有其缘由。从西方油画艺术起源来看，一幅算得上是真正艺术品的油画，无论它是出自某位大师之手，还是一些普通画师，他们的创作过程均是缓慢并且不确定的。我们不难发现，那些享誉世界的名画或是经过艺术家倾心创造的作品，应该说每一幅都算是独一无二的。当然，也有些作品是受雇主的一些要求而创作，就是说先有市场再有作品，还有些是先有创作再去不断寻找市场，并且同行之间竞争激烈，因此很少会出现同一幅画被同一个人重复画来画去，就算有，通常也是只把其中画的最好的部分拿出来公诸于世。就好比达·芬奇的名作《蒙娜丽莎》就被他本人画过两次，虽然前后两次的差距很大，但是拿出来并且被大家所认识的至少有一张，可以说辨识度非常高。再加上油画艺术的风格分类有很多，不光从古典到现代，从这期间出现的分支风格流派也很多，不同地域和画家，更有他作为自身流派之分，小到一些另类的艺术家，同样也有他作为自身流派，区别于所有人的风格，此间就不一一列举了。总而言之，以上所说的也只是表达油画创作的独一无二的特性，即其唯一性，也正是如此，与当下对油画作品的快速消费性质的与日俱增产生了矛盾，既然能划分成艺术品油画作品那么的稀少，而如今大众对它的需求却越来越多，所以从某种意义上来讲，行画是社会发展到一定程度的产物。有些人说，绘画的世界应该允许百花齐放，其实客观来说，当下的行画并没什么价值意义，积极点说的话，当下许多行画其实也是分等值的。比如以模仿世界名画为主的，或是在名画的基础上结合时下的流行元素再进行重新创造。这些画的出现是统一模式化的，单纯为了迎合市场的喜好；而另一种则是完全一文不值的“装饰画”，说它是“装饰画”其实是没有别的形容词能够再准确不过的来定位它，因为它也算绘画的一种方式，但是就连起码的装饰价值也没有。举个通俗易懂的例子，一些稍有名气的油画画师，很多雇主花了重金去委托他们作画，给予画师的期望值很高，想象着将来收到的作品一定是独一无二的。殊不知其实他们要么以流水线的方式画了很多幅，其中一幅可能就是你的，又或者在先前已经出名的画的基础上加上一些时下流行的绘画风格元素，快速的且没有什么实质性的内涵与审美价值不假思索地创造新作品。所以，无论多好的行画，展现给大众群体，得到的最多是一句赞美便是“很好看”。挂在家里，最多胜过什么都没有的墙壁，既谈不上价值也说不上欣赏。给相关专业人员来看，不过是笑话罢了，当然，这些大多出现在古典油画中，它们的出现与存在和快速消费的趋势离不开。
在以上谈及油画的一系列转变过程中，利弊皆有。一件事物推陈出新是值得肯定的，但是如果缺乏创新意识只是一味炒冷饭的话，是不会出现令人眼前一亮的优秀作品的。关于在新形势下未来的油画发展，这里有几个问题值得我们深思。首先，愿意静下心来纯粹地研究油画艺术的工作者越来越少，大部分画家都不同程度地背离了自己从前的艺术趣味和表现内容，而去画一些自己不擅长且手法粗糙的作品，一味地迎合商业发展，艺途的滑坡由此开始。有人说中国当今的油画正在走向衰败，已在画坛上经很久没有看见一幅真正优秀的油画作品了，如今社会上各大画展画廊不少，只是真正能够用心做艺术的人却少之又少，时下粗制滥造的油画数不胜数。试想一下，以前的前辈大师们为了创作常常将自己闭关数月甚至是半年，苦于思索构思，脚踏实地地去勾勒，没有过多去考虑市场而是真正用心去感受自己的心境，从而才能创作出经典的画作，当下的油画工作者或是学生身上恰恰是缺乏这种精神。其次，由于众多绘画者缺乏一定的社会生活经历以及单一的创作形态，长期以来没有相关实际生活素材的积累或是体验生活这一过程的失败，导致绘画出来的油画作品单调无个人特色，辨识度不高，加上市场快速消费机械化的需求，更加难以进行一幅像样的油画的创作。时下很多画者以“多产”为目标，迎合市场需求，不愿意花费精力与时间走出画室去感受自然，享受写生训练的快乐，而更多的情愿日夜呆在狭小封闭的画室，只会闭门造车，脑海中天马行空地去描绘自己所谓的创作，殊不知已经严重脱离生活与自然，创作的表面化和力不从心，艺术感觉和基础能力逐步衰退，结果就出一些令人不解或是看不懂的画幅出来，自诩这些抽象才是艺术。我认为，无论是油画还是其他画种，能够称之为艺术的必然是能够表现和贴近社会生活、热爱社会生活、拥抱社会生活，并始终对社会人生投以一种较大的热情与关怀，结合自己丰富的生活经历，无论是积极还是消极的一面，都可以成为很好的创作素材。最后一点就是如今社会一再强调的创新问题。这是一个老生常谈的词了，出现在各行各业，被呼吁频率最多的，当然有其道理。早年的中国油画队伍主要是些留学欧洲和日本等国的学生，他们在国外求学时，主要是学习西方先进的绘画技巧以及精髓，努力掌握这些我们国家未曾涉及的绘画领域，其次是个人的艺术兴趣或是研究方向，至于艺术作品创作的理念或是意义，他们就没有更多地去研究，而无论是当下绘画界流行的富有主题意味的艺术创作，还是外出写生，直对大自然生动魅力的一面，他们更是没有想过。可以说，这就造成了只是停留在表面的学习层次上，更深层次的问题得不到探究、得不到解决，就算在国外留学的时间再长也只不过是掌握了一门新鲜的绘画手法。然而换个角度看，这种情形在西方并不奇怪，因为他们终究是有深厚、丰富的创作积淀，写生只不过是其中的一个分支而已，不需要单独开设相关课程再去系统地教学或是学习，所以这种对环绕于中国留学生周围的丰富、精彩的欧洲创作传统和对中国美术问题的漠然淡之的态度，对如今中国的油画发展很不利。眼下的油画工作者们由于缺乏勇于创新与创作精神，又一味地聚焦于精英艺术的范围内而看不到象牙塔外的一切发展。于是，只能在自己营造的象牙塔里做着与时代创新毫无关系的纯粹视觉形式的艺术之梦。因而，他们眼中的视觉对象基本是从静物到风景再到肖像，绝少有与都市民生或者生活创新有关的创作表现。我们都知道，社会和艺术都要求作为艺术品创作主体的艺术家，作为一种纯粹履行精神活动的人，在具有强烈地创新意识之外，除了要具有西方油画古典主义、浪漫主义、印象主义和象征主义等流派的艺术特征，还得富有创新基础上的意象性、写意性和表现性等中国本土油画文化的特色，因为艺术创作是一个从审美到审美表现，从艺术构思到艺术传达的过程。
绘画最理想的状态是艺术家把自己的感知通过某个媒介用个体认知的方式表达于画面，呈现出具有个人风格的作品。心中对艺术、对专业、对生活的热爱，才是使广大艺术工作者不断保持创作的积极动力。喜欢的事情就去做，做到精致，做到出彩，做到纯粹，它就有意义。当下社会需要沉淀的艺术作品太多，经得住时间推敲的作品太少，能够给观众留下深刻印象的作品更是少之又少。任何一幅能够真正称得上是艺术品的作品，我相信一定是经过艺术工作者无数个日夜呕心沥血倾尽全力之作，就像对待自己的孩子一般投入和用心，用真实和真情打动观众，才能让作品走进每一个观众的内心深处。而油画是一门既有趣又深奥的大学问，在它的发展史上有无数的先辈大师们为此付出了巨大的努力乃至失去自己的生命。然而至今无人敢声称自己已经吃透了油画的精髓，因此这就需要我们油画专业的学生做到刻苦钻研勇于创新，这是我们创作油画作品所必备的思想武器，并为中国当代的油画发展贡献出自己的一份力。
作为艺术工作者，在进行艺术创作的同时，我们会通过各种途径开阔自己的眼界，充实自己的大脑，努力培养自己独立思考的习惯，受益良多。伴随着理论与实践的积累，我发现当代油画的一系列微妙变化。就自己的美术学习经历举例来说，我记得大一刚开始接触油画时，临摹的第一张油画是古典静物。在我那时候的认知里，认为在油画的世界里古典写实就是最高标准，当时非常喜欢写实风格的人物画，不禁感叹大师们精湛的技艺以及在创作时怀有的一颗虔诚的心。因为掌握古典技法需要毅力和刻苦，而且还要有很高的文化修养。因此我练习了大量相关大师的经典作品，这也为我油画初期的风格形成打下了坚实的基础。到了大二，接触了印象派、超现实主义、抽象油画以及写意油画艺术等，打开了我对油画的进一步认识。现在，时下又流行着数字油画，这种油画又被称作编码油画，通过特殊工艺将画作加工成线条和数字符号，绘画者只需要在标有号码的填色区内填上相应标有号码的颜料色，就可以轻松地完成手绘作品，即使是没有半点绘画功底的人也能马上绘制出一幅令人赞叹的艺术作品。这种油画作品既能满足他们享受绘画过程的无穷乐趣，又能够迎合大众的艺术追求，使得油画作品更多地进入寻常百姓家，艺术对于普通大众们来说变得不再那么的遥不可及。而油画作为艺术品一旦进入了市场后，产生了买卖交换关系，便成为了商品，具有了商业性，从而形成了商业油画，它在快速消费的文化背景下应运而生。
存在即是合理，新事物的出现总要经历一段“否定、待定、肯定”的过程，最后才会被广大群体所接受。商业油画的出现，无疑是对传统油画的一次大大的冲击，起初引起了油畫界的一阵唏嘘。毕竟，在中国当前市场经济条件下，在“全球经济一体化”的大时代背景之中中国油画的商品化已经是一个不可逆转的趋势。无论是深圳的大芬村批量油画生产，还是北京798工厂的各个艺术家的自产自销式的小作坊，这些都充分说明商业油画的进程，也就是说，油画在当今成为了当之无愧的商品。说到商品油画又不得不提及当下可以说是泛滥的行画了。行画的概念有广义和狭义之分：广义的是指一味追求市场需求，却缺少艺术内涵和品味，无技法含量并且画面呈现低级媚俗，流水线绘制的大数量绘画成品；狭义是指包含油画、国画，其中多以大众喜爱的山水风景和动植物的题材出现，而画面的真实程度以及作画者内心的真情流露，皆得不到体现，甚至都算不上是艺术品。其不光没有收藏价值，连装饰价值都没有。俗话说，有需求必有供应，它的大量出现一定有其缘由。从西方油画艺术起源来看，一幅算得上是真正艺术品的油画，无论它是出自某位大师之手，还是一些普通画师，他们的创作过程均是缓慢并且不确定的。我们不难发现，那些享誉世界的名画或是经过艺术家倾心创造的作品，应该说每一幅都算是独一无二的。当然，也有些作品是受雇主的一些要求而创作，就是说先有市场再有作品，还有些是先有创作再去不断寻找市场，并且同行之间竞争激烈，因此很少会出现同一幅画被同一个人重复画来画去，就算有，通常也是只把其中画的最好的部分拿出来公诸于世。就好比达·芬奇的名作《蒙娜丽莎》就被他本人画过两次，虽然前后两次的差距很大，但是拿出来并且被大家所认识的至少有一张，可以说辨识度非常高。再加上油画艺术的风格分类有很多，不光从古典到现代，从这期间出现的分支风格流派也很多，不同地域和画家，更有他作为自身流派之分，小到一些另类的艺术家，同样也有他作为自身流派，区别于所有人的风格，此间就不一一列举了。总而言之，以上所说的也只是表达油画创作的独一无二的特性，即其唯一性，也正是如此，与当下对油画作品的快速消费性质的与日俱增产生了矛盾，既然能划分成艺术品油画作品那么的稀少，而如今大众对它的需求却越来越多，所以从某种意义上来讲，行画是社会发展到一定程度的产物。有些人说，绘画的世界应该允许百花齐放，其实客观来说，当下的行画并没什么价值意义，积极点说的话，当下许多行画其实也是分等值的。比如以模仿世界名画为主的，或是在名画的基础上结合时下的流行元素再进行重新创造。这些画的出现是统一模式化的，单纯为了迎合市场的喜好；而另一种则是完全一文不值的“装饰画”，说它是“装饰画”其实是没有别的形容词能够再准确不过的来定位它，因为它也算绘画的一种方式，但是就连起码的装饰价值也没有。举个通俗易懂的例子，一些稍有名气的油画画师，很多雇主花了重金去委托他们作画，给予画师的期望值很高，想象着将来收到的作品一定是独一无二的。殊不知其实他们要么以流水线的方式画了很多幅，其中一幅可能就是你的，又或者在先前已经出名的画的基础上加上一些时下流行的绘画风格元素，快速的且没有什么实质性的内涵与审美价值不假思索地创造新作品。所以，无论多好的行画，展现给大众群体，得到的最多是一句赞美便是“很好看”。挂在家里，最多胜过什么都没有的墙壁，既谈不上价值也说不上欣赏。给相关专业人员来看，不过是笑话罢了，当然，这些大多出现在古典油画中，它们的出现与存在和快速消费的趋势离不开。
在以上谈及油画的一系列转变过程中，利弊皆有。一件事物推陈出新是值得肯定的，但是如果缺乏创新意识只是一味炒冷饭的话，是不会出现令人眼前一亮的优秀作品的。关于在新形势下未来的油画发展，这里有几个问题值得我们深思。首先，愿意静下心来纯粹地研究油画艺术的工作者越来越少，大部分画家都不同程度地背离了自己从前的艺术趣味和表现内容，而去画一些自己不擅长且手法粗糙的作品，一味地迎合商业发展，艺途的滑坡由此开始。有人说中国当今的油画正在走向衰败，已在画坛上经很久没有看见一幅真正优秀的油画作品了，如今社会上各大画展画廊不少，只是真正能够用心做艺术的人却少之又少，时下粗制滥造的油画数不胜数。试想一下，以前的前辈大师们为了创作常常将自己闭关数月甚至是半年，苦于思索构思，脚踏实地地去勾勒，没有过多去考虑市场而是真正用心去感受自己的心境，从而才能创作出经典的画作，当下的油画工作者或是学生身上恰恰是缺乏这种精神。其次，由于众多绘画者缺乏一定的社会生活经历以及单一的创作形态，长期以来没有相关实际生活素材的积累或是体验生活这一过程的失败，导致绘画出来的油画作品单调无个人特色，辨识度不高，加上市场快速消费机械化的需求，更加难以进行一幅像样的油画的创作。时下很多画者以“多产”为目标，迎合市场需求，不愿意花费精力与时间走出画室去感受自然，享受写生训练的快乐，而更多的情愿日夜呆在狭小封闭的画室，只会闭门造车，脑海中天马行空地去描绘自己所谓的创作，殊不知已经严重脱离生活与自然，创作的表面化和力不从心，艺术感觉和基础能力逐步衰退，结果就出一些令人不解或是看不懂的画幅出来，自诩这些抽象才是艺术。我认为，无论是油画还是其他画种，能够称之为艺术的必然是能够表现和贴近社会生活、热爱社会生活、拥抱社会生活，并始终对社会人生投以一种较大的热情与关怀，结合自己丰富的生活经历，无论是积极还是消极的一面，都可以成为很好的创作素材。最后一点就是如今社会一再强调的创新问题。这是一个老生常谈的词了，出现在各行各业，被呼吁频率最多的，当然有其道理。早年的中国油画队伍主要是些留学欧洲和日本等国的学生，他们在国外求学时，主要是学习西方先进的绘画技巧以及精髓，努力掌握这些我们国家未曾涉及的绘画领域，其次是个人的艺术兴趣或是研究方向，至于艺术作品创作的理念或是意义，他们就没有更多地去研究，而无论是当下绘画界流行的富有主题意味的艺术创作，还是外出写生，直对大自然生动魅力的一面，他们更是没有想过。可以说，这就造成了只是停留在表面的学习层次上，更深层次的问题得不到探究、得不到解决，就算在国外留学的时间再长也只不过是掌握了一门新鲜的绘画手法。然而换个角度看，这种情形在西方并不奇怪，因为他们终究是有深厚、丰富的创作积淀，写生只不过是其中的一个分支而已，不需要单独开设相关课程再去系统地教学或是学习，所以这种对环绕于中国留学生周围的丰富、精彩的欧洲创作传统和对中国美术问题的漠然淡之的态度，对如今中国的油画发展很不利。眼下的油画工作者们由于缺乏勇于创新与创作精神，又一味地聚焦于精英艺术的范围内而看不到象牙塔外的一切发展。于是，只能在自己营造的象牙塔里做着与时代创新毫无关系的纯粹视觉形式的艺术之梦。因而，他们眼中的视觉对象基本是从静物到风景再到肖像，绝少有与都市民生或者生活创新有关的创作表现。我们都知道，社会和艺术都要求作为艺术品创作主体的艺术家，作为一种纯粹履行精神活动的人，在具有强烈地创新意识之外，除了要具有西方油画古典主义、浪漫主义、印象主义和象征主义等流派的艺术特征，还得富有创新基础上的意象性、写意性和表现性等中国本土油画文化的特色，因为艺术创作是一个从审美到审美表现，从艺术构思到艺术传达的过程。
绘画最理想的状态是艺术家把自己的感知通过某个媒介用个体认知的方式表达于画面，呈现出具有个人风格的作品。心中对艺术、对专业、对生活的热爱，才是使广大艺术工作者不断保持创作的积极动力。喜欢的事情就去做，做到精致，做到出彩，做到纯粹，它就有意义。当下社会需要沉淀的艺术作品太多，经得住时间推敲的作品太少，能够给观众留下深刻印象的作品更是少之又少。任何一幅能够真正称得上是艺术品的作品，我相信一定是经过艺术工作者无数个日夜呕心沥血倾尽全力之作，就像对待自己的孩子一般投入和用心，用真实和真情打动观众，才能让作品走进每一个观众的内心深处。而油画是一门既有趣又深奥的大学问，在它的发展史上有无数的先辈大师们为此付出了巨大的努力乃至失去自己的生命。然而至今无人敢声称自己已经吃透了油画的精髓，因此这就需要我们油画专业的学生做到刻苦钻研勇于创新，这是我们创作油画作品所必备的思想武器，并为中国当代的油画发展贡献出自己的一份力。