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“视觉”对于时尚的重要意味不言而喻，时尚行业从来就不乏引人注目的图像。除了职业摄影师之外，制造、传播、审核、获取、归档和使用摄影图像的主体覆盖了整个时尚产业：设计师、造型师、化妆师、品牌公关、模特经纪人、时尚博主、自媒体人……一部分“外人”眼里，时尚行业中的摄影图像仅仅呈现出剥离了种种功能的、被规划的“美”或者“潮流”，但摄影作为信息媒介（如模特图录）、记录和归档工具（如街拍）的功能同样运作于这个领域的多个环节。本刊记者采访了来自广州的前时尚媒体从业者、现在的时尚自媒体人辛奕旋，请他介绍自己的不同身份在应用摄影图像时存在哪些样态，并结合自己运营的公众号文章中对街拍图像的捕捉和使用，讲述自媒体在参与时尚产业话语构建的过程中，如何将摄影的实证性为己所用。
你之前有过时尚媒体的从业经验，而今是时尚领域的自媒体人。前者主要处理他人拍摄的图像，而现在更多是借助自己拍摄的图像来传播信息。那么，时尚媒体编辑的经历对你现在运作自己的媒体平台有哪些帮助？
我很幸运有过在媒体领域工作的经验。一方面在拍摄上，使我在专题策划、人员统筹和对拍摄整体的把控、细节的调整上都有了基本的认识，这对我之后的工作开展其实帮助非常大，特别在画面的控制上我常常跳脱摄影师的视角，从编辑的角度去取景，这是挺有趣的一点，我常常会考虑到图片后期制作效果的事情，可以说这是我与其他摄影师不同的优势资本。
另外，经历过传统媒体（杂志社）和新媒体（网站、App、微信公众号）的更替交接，两者不同的工作模式也让我受益匪浅。
杂志社是期刊的工作方式，往往在月中确定每个人各自的专题，用两个星期或者更多的时间去磨内容—做调查做采访等等，需要耗费大量的精力，但扎实的调查研究是你有自信把文字印刷出街的底气，而且严谨的文字措辞表达也成为网络语言泛滥当下难得的修养。
新媒体的工作很锻炼抓热点和提炼标题的能力，能够全网络地搜集信息也成为不可缺乏的本领；不过越是经历过热闹喧嚣，越能明白宁静的宝贵。体验过新媒体高峰期的生活—追逐热点的快节奏和制作过多泛滥同质内容，越是让我学会沉淀自己，找回自己感兴趣的内容，找到打动人心的鼓点。
你怎么看待媒体编辑、自媒体人和摄影师这些身份的交叉？
这半年来有个词蛮流行—“斜杠一代（Slash Generation）”，形容越来越多青年“同一时间段内拥有超过一种职业身份”的社会现象，例如自媒体人/摄影师，不同职业身份之间用一道斜杠区分。这些青年则被称为“斜杠青年”，我想我算其中一员。
其实我大学念的是机械科系，跟编辑/摄影师的职业身份八竿子打不着，我能够同时选择自媒体和摄影师作为职业，一方面是兴趣爱好使然，另一方面是恰好碰上了国内大环境变化的机遇，社会结构多元化了，同时互联网进步、远距离协同办公的便利也激发了更多新颖的工作方式的产生。
之前看过一个报告，里面的观点我很认同—我们的上一代人通常在25岁前后已经完成了婚姻、家庭、事业的选择，开始进入稳定的成人角色；而最近半个多世纪以来，在城市化水平高的地方，婚姻和生育年龄普遍推迟到了25岁以后，大学毕业后接受更高程度的教育也变得越来越普遍。成人期该做出的许多承诺和责任都被推迟了，我们的生活还充满了变化，对于自身角色、人生可能性的探索还非常剧烈。
我们这一代年轻人探索自我的时间被大大拉长了。很多人都还没能在这个年龄时期发展出一个稳定的、占主导地位的身份。对于我们来说，确定一个稳定的职业身份变得越来越难。“斜杠有时候，只是我们身份探索的一个发展阶段。”
你在公众号和个人网站中较多地展示了你的街拍影像，基于它们撰写文字，与读者互动。这些街拍从目的上来看有不同吗？它们是你所接的工作项目还是自发的行为？
我的街拍一般分为杂志约稿、品牌合作和个人拍摄。因为图片的拍摄初衷不同、面向的读者不同，从一开始就决定了它们不一样的面貌。
雜志约稿都是编辑提前策划好专题，我们根据专题内容进行拍摄，例如《球鞋少年》系列和《下午茶》系列。这些照片是在编辑的专题框架下发挥拍摄，图片后期会在美术编辑的处理下—为了与其他杂志内容的统一性—稍微向杂志本身的调性倾斜。
品牌合作一般是品牌策划部寻找合适的模特和场地，混搭了品牌的服饰进行街拍创作，一般也会有事先设计好的主题，主要用于新媒体的推广内容，制造网络传播内容，促进品牌销售额或者打造品牌形象、提升品牌名气。因为需要特别突出品牌产品，所以构图和视觉重心都会倾向产品。
而我的个人拍摄则是凭借个人意识在街头自发地按快门，俗称“扫街”，例如2016年10月份和今年4月份上海时装周的这两辑照片，就是扫街之后挑选出来的成片。当时我带着85mm的定焦镜头，远远地拍摄我认为穿着有想法的人们，照片里的他们并不知道镜头的存在，状态悠然自在，十分动人。狭义地讲，在一个时间段内在一座城市的不同地方进行街拍，其实挺能反映一座城市当下的时尚风貌。而这种布列松式冷眼旁观的拍法，尽可能不打扰被摄者，做个单纯的记录者，最终拍摄的图片也相对耐看和有韵味。 从自媒体的角度出发，街拍照片是怎样参与到时尚产业的运行之中的？
街拍真正的商业化可能要从“时尚博主”这一职业风靡全球之后算起。许多时尚博主一开始都是靠街拍起家，成名之后，街拍也相辅相成地成为了其盈利的工具。
时尚博主一般会以图文内容、互动回复的行为博得关注者的关注和转发，品牌方看中博主的“粉丝”效应和购买转化率，便会通过广告的形式渗入到博主的新媒体推送内容当中。而街拍是大多数品牌和大多数博主会选择的、较为约定俗成的合作方式—通过在博主的街拍图片和配文中曝光品牌产品，提高关注者对于品牌的认知度和购买欲，从而实现购买转化。
在现在快节奏的网络读图时代，光彩夺目、构图精美的街拍图片总是能迅速博得互联网用户的关注，而在互联网引起评论和转发是头等重要的事。
你前面提到，高峰期的新媒体在内容制作方面同质化严重。而今作为自媒体人，你是如何规避这一问题的？请结合你在个人平台上对自己街拍图像的选择、归类以及设置的话题，来具体谈一谈。
独一性和差异性是新媒体时代的普世法则，能够做到这两点非常可贵。不追风不赶浪潮，不烹煮、放大人们内心焦虑的鸡汤，也不做流于表面、人云亦云的样板文章，做真实的内容，对自己真正感兴趣的内容深耕，同时满足订阅者们的好奇心和新鲜感，在图片质量和文字措辞方面保持一定的审美追求。这十分了不得。
同样做街拍，保证图片质量以外，有所创新是拉开差距的方法。跟插画师合作街拍插画、设置不同的图片长宽比形成不同的视觉感受，或者锁定屏幕横屏观看，这些我都尝试过，除了照顾读者的新鲜感外，也是影像工作者爱好实验的性格使然。
其次，我镜头捕捉的人物造型不会是过度夸张的，但也不满意流于大众。在拍摄一开始，我已经进行了第一轮的选择；后期制作的时候，整体构图、人物状态是再次筛选的标准。图片的取舍标准很大程度上受到了日本杂志（例如《Fudge》）的影响，他们常常把奢侈品牌和平价品牌混搭造型，每套衣服都能自然呈现出符合杂志调性的风格，追求打造一种靠近日常的生活方式，向读者宣扬可用、实在的美好生活态度，而不是高不可及的精英姿态抑或者成为哗众取宠的衣服傀儡。
街拍图片能给观者灵感，激发其对美好生活的想象。例如今年4月份上海时装周的街拍，里面大部分人物的造型都是可参考、实用性很高的。以前有读者跟我说，她常常会拿出杂志或者手机保存下来街拍图片，每天早上出门前对照着参考、选择自己的搭配。街拍作品的这种延伸效应，挺让人惊喜。
另外我通常不會在图片拍摄的当下就在个人平台发送，往往是经过一段时间回顾这些图像，如果还觉得“诶，拍得挺棒”，那我觉得可以发布出去跟我的订阅者们分享。例如这两辑上海时装周的街拍图片，躺在硬盘深处的文件夹里四五个月，我再次打开，依然可以感受到当时拍摄的激情和图像呈现的力量，于是决定曝光它们。能够不着急，不被社交媒体的焦虑感传染，这挺重要的。
在文字方面，因为之前在媒体担任过校稿工作，对文字我锱铢必较；尽管传统媒体式微，新媒体进化成新的传播语境，但依然坚持对流行语止于了解，书面上极少使用网络文字，这是我对自己的标准；当然，有些作者可以做到诙谐、恰当地使用网络语，这也是可取、令人佩服的。
从你个人公众号的内容来看，你有意识地将个人的态度和评价跟具体的照片结合了起来。我的理解是，相较于其他高度受控的时尚和商业摄影（从拍摄到流通、应用），更加自由的街拍其实更能适应自媒体人从自我角度出发，对图像及其涉及的时尚文化中的话题进行筛选（把关），继而建立起自己的评价体系，有针对性地引导受众。你是否认可这个观点？
的确是这样，因为从事过媒体工作的缘故，潜移默化地，总是会从编辑的角度去做全局的思考和输出，而相对个人化的街拍很好地满足了我这一点私欲。编辑经历中养成的对影像的敏感度使我注重在拍摄后仔细观察图片，去发现“时装精”们的穿搭小心思。文字评论一方面提醒阅读者的注意，另一方面也让我学习大家是在哪些地方花了力气来打造自己的形象，哪些地方迅速吸引了旁人的眼球。
不过我并不刻意“引导受众”，能够保持我自己的审美水平、输出独立思考的观点，比较重要；而且我一直认为作者的表达和读者的接受从来是两回事，能够百分百理解到作者本意的读者几乎不存在。我希望能做到的是呈现多一种可能性，利用文字和图像，创造跟读者平等对话的机会。
对于不了解时尚领域的人来说，你在自媒体平台上呈现的一部分人的装扮、衣着往往被简单归为“浮夸”“奇装异服”（如你公众号里的文字所言）。能否谈谈这些视觉上所谓的“浮夸”实际上所承载的文化内涵？摄影图像在哪些方面能够帮助“吃瓜群众”去理解时尚文化？
不熟悉时尚领域的人们可能还认为服装承载的作用只是保暖遮体，见到不常见的着装风格很容易就会侧目吐槽、惊讶鄙夷。仅靠表象就轻易评断是不可取的。
身着“浮夸”可能是为了哗众取宠，但其中也不乏敢为人先、大胆创造之人。十年后、二十年后说不定这样的着装风格便成为了主流，要知道，上世纪解放初期国内的主流服装还是中山装。同时我们不能不承认国内目前的服装市场越来越开放，各种风格都在养成，希望“吃瓜群众”能对不同于己的群体示以宽容，多些了解后再下论断。
摄影图像永远只能在二维平面给予信息，我挺希望我拍摄的图片和我在个人平台上的分析、评论能激发阅读者的好奇心，成为信息树状图的一支，为读者打开一扇窗户，以看到更多元的文化内容。
你之前有过时尚媒体的从业经验，而今是时尚领域的自媒体人。前者主要处理他人拍摄的图像，而现在更多是借助自己拍摄的图像来传播信息。那么，时尚媒体编辑的经历对你现在运作自己的媒体平台有哪些帮助？
我很幸运有过在媒体领域工作的经验。一方面在拍摄上，使我在专题策划、人员统筹和对拍摄整体的把控、细节的调整上都有了基本的认识，这对我之后的工作开展其实帮助非常大，特别在画面的控制上我常常跳脱摄影师的视角，从编辑的角度去取景，这是挺有趣的一点，我常常会考虑到图片后期制作效果的事情，可以说这是我与其他摄影师不同的优势资本。
另外，经历过传统媒体（杂志社）和新媒体（网站、App、微信公众号）的更替交接，两者不同的工作模式也让我受益匪浅。
杂志社是期刊的工作方式，往往在月中确定每个人各自的专题，用两个星期或者更多的时间去磨内容—做调查做采访等等，需要耗费大量的精力，但扎实的调查研究是你有自信把文字印刷出街的底气，而且严谨的文字措辞表达也成为网络语言泛滥当下难得的修养。
新媒体的工作很锻炼抓热点和提炼标题的能力，能够全网络地搜集信息也成为不可缺乏的本领；不过越是经历过热闹喧嚣，越能明白宁静的宝贵。体验过新媒体高峰期的生活—追逐热点的快节奏和制作过多泛滥同质内容，越是让我学会沉淀自己，找回自己感兴趣的内容，找到打动人心的鼓点。
你怎么看待媒体编辑、自媒体人和摄影师这些身份的交叉？
这半年来有个词蛮流行—“斜杠一代（Slash Generation）”，形容越来越多青年“同一时间段内拥有超过一种职业身份”的社会现象，例如自媒体人/摄影师，不同职业身份之间用一道斜杠区分。这些青年则被称为“斜杠青年”，我想我算其中一员。
其实我大学念的是机械科系，跟编辑/摄影师的职业身份八竿子打不着，我能够同时选择自媒体和摄影师作为职业，一方面是兴趣爱好使然，另一方面是恰好碰上了国内大环境变化的机遇，社会结构多元化了，同时互联网进步、远距离协同办公的便利也激发了更多新颖的工作方式的产生。
之前看过一个报告，里面的观点我很认同—我们的上一代人通常在25岁前后已经完成了婚姻、家庭、事业的选择，开始进入稳定的成人角色；而最近半个多世纪以来，在城市化水平高的地方，婚姻和生育年龄普遍推迟到了25岁以后，大学毕业后接受更高程度的教育也变得越来越普遍。成人期该做出的许多承诺和责任都被推迟了，我们的生活还充满了变化，对于自身角色、人生可能性的探索还非常剧烈。
我们这一代年轻人探索自我的时间被大大拉长了。很多人都还没能在这个年龄时期发展出一个稳定的、占主导地位的身份。对于我们来说，确定一个稳定的职业身份变得越来越难。“斜杠有时候，只是我们身份探索的一个发展阶段。”
你在公众号和个人网站中较多地展示了你的街拍影像，基于它们撰写文字，与读者互动。这些街拍从目的上来看有不同吗？它们是你所接的工作项目还是自发的行为？
我的街拍一般分为杂志约稿、品牌合作和个人拍摄。因为图片的拍摄初衷不同、面向的读者不同，从一开始就决定了它们不一样的面貌。
雜志约稿都是编辑提前策划好专题，我们根据专题内容进行拍摄，例如《球鞋少年》系列和《下午茶》系列。这些照片是在编辑的专题框架下发挥拍摄，图片后期会在美术编辑的处理下—为了与其他杂志内容的统一性—稍微向杂志本身的调性倾斜。
品牌合作一般是品牌策划部寻找合适的模特和场地，混搭了品牌的服饰进行街拍创作，一般也会有事先设计好的主题，主要用于新媒体的推广内容，制造网络传播内容，促进品牌销售额或者打造品牌形象、提升品牌名气。因为需要特别突出品牌产品，所以构图和视觉重心都会倾向产品。
而我的个人拍摄则是凭借个人意识在街头自发地按快门，俗称“扫街”，例如2016年10月份和今年4月份上海时装周的这两辑照片，就是扫街之后挑选出来的成片。当时我带着85mm的定焦镜头，远远地拍摄我认为穿着有想法的人们，照片里的他们并不知道镜头的存在，状态悠然自在，十分动人。狭义地讲，在一个时间段内在一座城市的不同地方进行街拍，其实挺能反映一座城市当下的时尚风貌。而这种布列松式冷眼旁观的拍法，尽可能不打扰被摄者，做个单纯的记录者，最终拍摄的图片也相对耐看和有韵味。 从自媒体的角度出发，街拍照片是怎样参与到时尚产业的运行之中的？
街拍真正的商业化可能要从“时尚博主”这一职业风靡全球之后算起。许多时尚博主一开始都是靠街拍起家，成名之后，街拍也相辅相成地成为了其盈利的工具。
时尚博主一般会以图文内容、互动回复的行为博得关注者的关注和转发，品牌方看中博主的“粉丝”效应和购买转化率，便会通过广告的形式渗入到博主的新媒体推送内容当中。而街拍是大多数品牌和大多数博主会选择的、较为约定俗成的合作方式—通过在博主的街拍图片和配文中曝光品牌产品，提高关注者对于品牌的认知度和购买欲，从而实现购买转化。
在现在快节奏的网络读图时代，光彩夺目、构图精美的街拍图片总是能迅速博得互联网用户的关注，而在互联网引起评论和转发是头等重要的事。
你前面提到，高峰期的新媒体在内容制作方面同质化严重。而今作为自媒体人，你是如何规避这一问题的？请结合你在个人平台上对自己街拍图像的选择、归类以及设置的话题，来具体谈一谈。
独一性和差异性是新媒体时代的普世法则，能够做到这两点非常可贵。不追风不赶浪潮，不烹煮、放大人们内心焦虑的鸡汤，也不做流于表面、人云亦云的样板文章，做真实的内容，对自己真正感兴趣的内容深耕，同时满足订阅者们的好奇心和新鲜感，在图片质量和文字措辞方面保持一定的审美追求。这十分了不得。
同样做街拍，保证图片质量以外，有所创新是拉开差距的方法。跟插画师合作街拍插画、设置不同的图片长宽比形成不同的视觉感受，或者锁定屏幕横屏观看，这些我都尝试过，除了照顾读者的新鲜感外，也是影像工作者爱好实验的性格使然。
其次，我镜头捕捉的人物造型不会是过度夸张的，但也不满意流于大众。在拍摄一开始，我已经进行了第一轮的选择；后期制作的时候，整体构图、人物状态是再次筛选的标准。图片的取舍标准很大程度上受到了日本杂志（例如《Fudge》）的影响，他们常常把奢侈品牌和平价品牌混搭造型，每套衣服都能自然呈现出符合杂志调性的风格，追求打造一种靠近日常的生活方式，向读者宣扬可用、实在的美好生活态度，而不是高不可及的精英姿态抑或者成为哗众取宠的衣服傀儡。
街拍图片能给观者灵感，激发其对美好生活的想象。例如今年4月份上海时装周的街拍，里面大部分人物的造型都是可参考、实用性很高的。以前有读者跟我说，她常常会拿出杂志或者手机保存下来街拍图片，每天早上出门前对照着参考、选择自己的搭配。街拍作品的这种延伸效应，挺让人惊喜。
另外我通常不會在图片拍摄的当下就在个人平台发送，往往是经过一段时间回顾这些图像，如果还觉得“诶，拍得挺棒”，那我觉得可以发布出去跟我的订阅者们分享。例如这两辑上海时装周的街拍图片，躺在硬盘深处的文件夹里四五个月，我再次打开，依然可以感受到当时拍摄的激情和图像呈现的力量，于是决定曝光它们。能够不着急，不被社交媒体的焦虑感传染，这挺重要的。
在文字方面，因为之前在媒体担任过校稿工作，对文字我锱铢必较；尽管传统媒体式微，新媒体进化成新的传播语境，但依然坚持对流行语止于了解，书面上极少使用网络文字，这是我对自己的标准；当然，有些作者可以做到诙谐、恰当地使用网络语，这也是可取、令人佩服的。
从你个人公众号的内容来看，你有意识地将个人的态度和评价跟具体的照片结合了起来。我的理解是，相较于其他高度受控的时尚和商业摄影（从拍摄到流通、应用），更加自由的街拍其实更能适应自媒体人从自我角度出发，对图像及其涉及的时尚文化中的话题进行筛选（把关），继而建立起自己的评价体系，有针对性地引导受众。你是否认可这个观点？
的确是这样，因为从事过媒体工作的缘故，潜移默化地，总是会从编辑的角度去做全局的思考和输出，而相对个人化的街拍很好地满足了我这一点私欲。编辑经历中养成的对影像的敏感度使我注重在拍摄后仔细观察图片，去发现“时装精”们的穿搭小心思。文字评论一方面提醒阅读者的注意，另一方面也让我学习大家是在哪些地方花了力气来打造自己的形象，哪些地方迅速吸引了旁人的眼球。
不过我并不刻意“引导受众”，能够保持我自己的审美水平、输出独立思考的观点，比较重要；而且我一直认为作者的表达和读者的接受从来是两回事，能够百分百理解到作者本意的读者几乎不存在。我希望能做到的是呈现多一种可能性，利用文字和图像，创造跟读者平等对话的机会。
对于不了解时尚领域的人来说，你在自媒体平台上呈现的一部分人的装扮、衣着往往被简单归为“浮夸”“奇装异服”（如你公众号里的文字所言）。能否谈谈这些视觉上所谓的“浮夸”实际上所承载的文化内涵？摄影图像在哪些方面能够帮助“吃瓜群众”去理解时尚文化？
不熟悉时尚领域的人们可能还认为服装承载的作用只是保暖遮体，见到不常见的着装风格很容易就会侧目吐槽、惊讶鄙夷。仅靠表象就轻易评断是不可取的。
身着“浮夸”可能是为了哗众取宠，但其中也不乏敢为人先、大胆创造之人。十年后、二十年后说不定这样的着装风格便成为了主流，要知道，上世纪解放初期国内的主流服装还是中山装。同时我们不能不承认国内目前的服装市场越来越开放，各种风格都在养成，希望“吃瓜群众”能对不同于己的群体示以宽容，多些了解后再下论断。
摄影图像永远只能在二维平面给予信息，我挺希望我拍摄的图片和我在个人平台上的分析、评论能激发阅读者的好奇心，成为信息树状图的一支，为读者打开一扇窗户，以看到更多元的文化内容。