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爱德华·霍珀属于这样一类艺术家，其作品充满忧伤，却不会让观众忧伤——他是绘画界的巴赫或莱昂纳德·科恩。孤独是其艺术的核心主题。
如果提及20世纪的美国，有很多文艺的名字可以聊：海明威、菲茨杰拉德、亨利·米勒、塞林格、凯鲁亚克、金斯堡、理查德·耶茨、雷蒙德·卡佛……
我们还可以聊披着月光的比尔·埃文斯奏响的蓝调钢琴，还有汤姆·维茨在午夜咖啡馆里唱出的烟嗓。 在这些名字里，或许还可以加上爱德华·霍珀。2017年5月15日，是爱德华·霍珀逝世50周年。
自上世纪20年代开始成名直到1967年病逝，霍珀的一生都在描绘美国的都市和乡村，都是人们最日常的生活，还有最平凡的景观。但是在这一种平凡里，无论是人还是物，霍珀都不动声色地为其赋予了一个隽永的主题——无可排解、无处倾诉的寂寥，还有深刻、静止的孤独。
这份寂寥和孤獨，平静而强大，于无声之中猛烈地揭露出隐藏在现代人内心的私密情感。后人们称霍珀的画就像一首首“寂静的诗”，看他的画就像在读卡佛笔下那些同样情节寂寥的短篇，时不时地激起人们心中那份无法言说的孤独感。
我们在看霍珀画的那些人、街道、房间、建筑还有风景，会像读卡佛的小说，或者是听维茨的歌一样，在短暂的片刻里与喧嚣的世界疏离，独自在一片低语或沉默中感受自己的存在。
霍珀的作品，总是有着精准的构图，还有近乎完美的光影布局，画中的人物不一定是一个人，可能是一对，可能是几个；描绘的场景也不一定只是一个房间，可能是办公室，或者车厢、街头、剧院、餐厅、咖啡馆之类可能会很热闹的公共场所。 无论这些人物，有几个人，出现在现实生活中的什么地方，在霍珀这里，好像永远都会有一层浓浓的寂寥从画面中的场景弥散而出。霍珀画的是美国，却能流露出北欧一般的清冷，就连那看似明媚的阳光，好像也温暖不起来。
霍珀更青睐现实主义，还有比较古典的艺术，尤其是荷兰黄金时代的大师伦勃朗和维米尔，他们对光影的运用直接影响到了霍珀之后的个人风格。
在20世纪初的很多年里，霍珀都在为自己的个人风格而苦恼着。他在纽约租了一间工作室，但是创作效率极其缓慢，经常都是盯着画板惆怅一天，迟迟动不了笔。
在这段没有灵感的时期，霍珀一遍继续从事商业类的插画工作维持生计，一边也会参加一些小型群展，但都没什么名气。
直到1923年，41岁的霍珀终于迎来了自己人生与事业的转折点——在马塞诸塞州的一次写生时，霍珀遇到了他的校友、未来的妻子约瑟芬·尼维森（Josephine Nivison）。
霍珀和约瑟芬完全是能够互补的一对，霍珀身材高挑、沉默内向，而约瑟芬却娇小可人，并且乐观开朗，善于社交。同样是在艺术圈，相比于霍珀，约瑟芬已经掌握了不少人脉，于是在她的引荐下，霍珀的六张水彩得以参加1923年布鲁克林美术馆（Brooklyn Museum）的一次展览，其中的一幅作品《The Mansard Roof》还以100美元的价格被布鲁克林美术馆永久性收藏。 爱情真的很神奇。与约瑟芬的重逢与结合彻底改变了霍珀的生活：他画的那些风景居然让他出名了！而且评论界对霍珀的评价也很高：“这些画多么有生命力！霍珀在最平凡的日常事物里看到了一种真实又直接的力量！”
自从遇到约瑟芬之后，霍珀的人生基本都过得挺顺利，这比他同时代的那些艺术家真是幸运太多了。要知道，霍珀开始成名的那个时代正值美国经济大萧条时期，而霍珀却完全没有受到影响，他收入稳定，作品也开始频繁出现在惠特尼美术馆和大都会美术馆这样的重要场馆。
在1930至1940年代，霍珀也开始进入自己的创作多产期：热爱自然的霍珀在马塞诸塞州的特鲁罗南部（South Truto）造了一间小屋，每年夏天都会去那里写生。在这段时期，霍珀形成了自己成熟的风格，创作出大量真正意义上的风景画——没有建筑物、没有人，其中作于1938年的《First Branch of the White River》成为了霍珀风景系列中最著名的作品之一。
除了风景，这一时期的霍珀也开始创作如今广为人知的那些都市景观——阳光照射的房间、空旷的街道、行驶中的一节车厢……还有画中恍如局外人的主人公——早上刚醒来的女人、准备工作的男人、旅行中的恋人、午后咖啡厅的陌生人……
霍珀是个喜欢画窗户和光的人，他的大部分作品都会在画面里开辟一扇窗，然后让光线透过窗户照射在人物身上。
霍珀的艺术能够深受人们喜爱，或许就是因为他在原本就已过于喧嚣的现代社会里，将一切烦扰的杂音全部过滤，将世界还原到一片清净。
在这份清净里，现代人的日常视角和精神情感，以及现代生活渗透入人们潜意识里的那份忧郁，最后都化作一片无声的沉默，和只有向自己才可以倾诉的孤独。
“人走室空，但阳光依然洒下，我的离开并没有改变世界的什么。” 在霍珀的画里，孤独和忧郁似乎都变得不再痛苦，他们就和照射进房间的阳光一样平凡得不值得一提。而我们于这个世界的存在，亦是如此。
如果提及20世纪的美国，有很多文艺的名字可以聊：海明威、菲茨杰拉德、亨利·米勒、塞林格、凯鲁亚克、金斯堡、理查德·耶茨、雷蒙德·卡佛……
我们还可以聊披着月光的比尔·埃文斯奏响的蓝调钢琴，还有汤姆·维茨在午夜咖啡馆里唱出的烟嗓。 在这些名字里，或许还可以加上爱德华·霍珀。2017年5月15日，是爱德华·霍珀逝世50周年。
自上世纪20年代开始成名直到1967年病逝，霍珀的一生都在描绘美国的都市和乡村，都是人们最日常的生活，还有最平凡的景观。但是在这一种平凡里，无论是人还是物，霍珀都不动声色地为其赋予了一个隽永的主题——无可排解、无处倾诉的寂寥，还有深刻、静止的孤独。
这份寂寥和孤獨，平静而强大，于无声之中猛烈地揭露出隐藏在现代人内心的私密情感。后人们称霍珀的画就像一首首“寂静的诗”，看他的画就像在读卡佛笔下那些同样情节寂寥的短篇，时不时地激起人们心中那份无法言说的孤独感。
我们在看霍珀画的那些人、街道、房间、建筑还有风景，会像读卡佛的小说，或者是听维茨的歌一样，在短暂的片刻里与喧嚣的世界疏离，独自在一片低语或沉默中感受自己的存在。
霍珀的作品，总是有着精准的构图，还有近乎完美的光影布局，画中的人物不一定是一个人，可能是一对，可能是几个；描绘的场景也不一定只是一个房间，可能是办公室，或者车厢、街头、剧院、餐厅、咖啡馆之类可能会很热闹的公共场所。 无论这些人物，有几个人，出现在现实生活中的什么地方，在霍珀这里，好像永远都会有一层浓浓的寂寥从画面中的场景弥散而出。霍珀画的是美国，却能流露出北欧一般的清冷，就连那看似明媚的阳光，好像也温暖不起来。
霍珀更青睐现实主义，还有比较古典的艺术，尤其是荷兰黄金时代的大师伦勃朗和维米尔，他们对光影的运用直接影响到了霍珀之后的个人风格。
在20世纪初的很多年里，霍珀都在为自己的个人风格而苦恼着。他在纽约租了一间工作室，但是创作效率极其缓慢，经常都是盯着画板惆怅一天，迟迟动不了笔。
在这段没有灵感的时期，霍珀一遍继续从事商业类的插画工作维持生计，一边也会参加一些小型群展，但都没什么名气。
直到1923年，41岁的霍珀终于迎来了自己人生与事业的转折点——在马塞诸塞州的一次写生时，霍珀遇到了他的校友、未来的妻子约瑟芬·尼维森（Josephine Nivison）。
霍珀和约瑟芬完全是能够互补的一对，霍珀身材高挑、沉默内向，而约瑟芬却娇小可人，并且乐观开朗，善于社交。同样是在艺术圈，相比于霍珀，约瑟芬已经掌握了不少人脉，于是在她的引荐下，霍珀的六张水彩得以参加1923年布鲁克林美术馆（Brooklyn Museum）的一次展览，其中的一幅作品《The Mansard Roof》还以100美元的价格被布鲁克林美术馆永久性收藏。 爱情真的很神奇。与约瑟芬的重逢与结合彻底改变了霍珀的生活：他画的那些风景居然让他出名了！而且评论界对霍珀的评价也很高：“这些画多么有生命力！霍珀在最平凡的日常事物里看到了一种真实又直接的力量！”
自从遇到约瑟芬之后，霍珀的人生基本都过得挺顺利，这比他同时代的那些艺术家真是幸运太多了。要知道，霍珀开始成名的那个时代正值美国经济大萧条时期，而霍珀却完全没有受到影响，他收入稳定，作品也开始频繁出现在惠特尼美术馆和大都会美术馆这样的重要场馆。
在1930至1940年代，霍珀也开始进入自己的创作多产期：热爱自然的霍珀在马塞诸塞州的特鲁罗南部（South Truto）造了一间小屋，每年夏天都会去那里写生。在这段时期，霍珀形成了自己成熟的风格，创作出大量真正意义上的风景画——没有建筑物、没有人，其中作于1938年的《First Branch of the White River》成为了霍珀风景系列中最著名的作品之一。
除了风景，这一时期的霍珀也开始创作如今广为人知的那些都市景观——阳光照射的房间、空旷的街道、行驶中的一节车厢……还有画中恍如局外人的主人公——早上刚醒来的女人、准备工作的男人、旅行中的恋人、午后咖啡厅的陌生人……
霍珀是个喜欢画窗户和光的人，他的大部分作品都会在画面里开辟一扇窗，然后让光线透过窗户照射在人物身上。
霍珀的艺术能够深受人们喜爱，或许就是因为他在原本就已过于喧嚣的现代社会里，将一切烦扰的杂音全部过滤，将世界还原到一片清净。
在这份清净里，现代人的日常视角和精神情感，以及现代生活渗透入人们潜意识里的那份忧郁，最后都化作一片无声的沉默，和只有向自己才可以倾诉的孤独。
“人走室空，但阳光依然洒下，我的离开并没有改变世界的什么。” 在霍珀的画里，孤独和忧郁似乎都变得不再痛苦，他们就和照射进房间的阳光一样平凡得不值得一提。而我们于这个世界的存在，亦是如此。