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2011
如何让时装史上最为人所熟知的“新风貌”（New Look）看起来焕然一新？Junya Watanabe用皮革和结实的拉链替换了丝绸和布包纽扣，重新演绎了Christian Dior代表性的束腰套装。
1947
传统的Christian Dior“新风貌”束腰套装（Bar Jacket），以收腰的设计凸显女性的优美曲线，成为时装史上一个经典的革新时刻。
为庆祝大都会艺术博物馆成立150周年，时装学院Wendy Yu主策展人AndFew Bolton开始思考时间和时尚的本质。“我一直认为时尚其实就是时间的代名词，”Bolton說，“所以我想举办一个展览，能引发人们对时尚和时间性的思考。”于是便有了这场名为“时间：时尚与延续”的展览，由Louis Vuitton赞助，让Bolton在深度探索本部门藏品的同时，得以对1870-2020年的时装史在心中形成一个清晰的认知，在此之后，他还探索了各品牌2020春夏和秋冬的新系列，展望时尚的未来走向。“我觉得现在的时尚常被视为短暂和无常的，”Bolton说，“我认为，将变化与持久、转瞬即逝与经久不衰之间的张力展现出来，或许可以让人们更有意识地关注时尚的未来走向。”（注：由于全球疫情，展览将推迟开幕，目前计划延期至10月29日;而在本刊发行时，大都会艺术博物馆慈善舞会的举办日期仍待确定。）
Bolton的灵感来自于20世纪初法国哲学家Henri Bergson的作品。Bolton解释道，Bergson认为“时间是持续流动的，思想、感情和记忆共存于其中，不应该以线性的方式将它们一一分开。”基于这一过去与现时共存的想法，Bolton与跨界艺术家、设计师Es Devlin联手策划了本次展览。Es Devlin最近的作品包括为Beyonce、Kanye West、U2、Adele、The Weekend等设计的舞台背景，为《雷曼兄弟三部曲》（The Lehman Trilogy）设计的戏剧布景，以及在Louis Vuitton为Nicolas Ghesquiere设计的18个秀场空间。他们将本次展览空间打造成一个时钟，正如Bolton所言，是“将时尚置于60分钟时间刻度语境下的研究”，希望通过严格按年代顺序展示的60套服装，呈献150年间服装廓形及其肢体语言的变迁。
在按年代顺序展示的服装旁边，又依次“穿插”了另一套日后的设计（有些甚至是门百年之后的），它们探索了同一种廓形、技艺或理念，Bolton表示：“反年代纪事的时尚是非线性的、不连贯的，就像时间中的节点和折叠。”
有些组合是激动人心的直接借鉴。例如1978年Yves Saint Laurent的秋季黑丝绒晚宴套装，其宽肩夹克上的大片华丽刺绣来自Lesage，看上去像是一面破碎的镜子，而与之并列的则是1938年Elsa Schiaparelli的冬季套装（刺绣也来自Lesage），后者直接启发了前者的设计。又如1994年Azzedine Alaia的雪尼尔绒线针织系列，是对1951年Charles James的紧身百褶针织裙“Sirene”的演绎。此外，鲜为人知的时装屋Weeks在1919年左右曾推出一条别致的晚礼裙，拥有独特的桶形裙摆，后来为川久保玲所借鉴，用于Comme des Garcons 2012秋季系列“Two Dimensional”中的一条亮片连衣裙。
其他设计师也采用了类似的主题，但以迥然不同的方式进行演绎。在1960年Christian Dior秋季系列中，Yves Saint Laurent带来了震惊四座的“Chicago”夹克，以鳄鱼皮和貂皮这种名贵面料重新诠释了机车夹克。而当Karl Lagerfeld在1991年Chanel秋冬系列中解读机车夹克时，他采用的搭配是T恤和塔夫绸晚礼裙。此外，2011年Junya Watanabe的秋季系列也采用了机车皮革，再现了Christian Dior这位传奇设计师在1947年春夏系列首秀中推出的标志性束腰套装，反响斐然。
在埋头研究的同时，Bolton惊奇地发现，设计师们这么多年来一直“有意或无意”地将博物馆的藏品作为重要的借鉴资源。例如，John Galliano曾来博物馆研究Madeleine Vionnet在20世纪二三十年代久负盛名的贴身斜裁长裙，将她的代表技艺打造成属于自己的一个特色。此外，时尚爱好者或许会跟Ghesquiere一样大吃一惊地发现，热衷于思考的伦敦设计师Georgina Godley在1986年曾推出名为“Lump and Bump”的秋冬系列，十年后，其中部分元素被川久保玲用于其知名系列——这是两位跨时代的女性设计师通过服装探索躯体变形的最佳案例。Ghesquiere表示：“拥有一定程度的共同目的是很有意思的。”
1949
Charles James有如一位面料雕刻大师，通过强调胸部廓形，雕琢出一条如花苞般绽放的丝质长裙。（展览将在大都会艺术博物馆的Iris and B.Gerald Cantor Exhibition Hall展厅展出，这条裙子在此照片中位于Leon Levy and Shelby White Court中庭。）
1984
服装学院展品修复人员Glenn Peterson正在拆装这条黑色天鹅绒长裙，它出自Jean Paul Gaultier之手，以突出的几何锥形异化了自然胸型。
Bolton则惊叹于美国时尚设计师Norman Norell在1965年推出的一个系列，它无疑致敬了20世纪20年代Gabrielle“Coco”Chanel的设计，Norell曾在服装学院研究过这些作品。尽管作品相似，但“仅仅通过改变比例，”Bolton说，“Norell就让他的设计看起来更贴近60年代了。”同样地，Raf Simons曾为Jil Sander（2009春夏系列）设计过一款华丽的丝绸流苏连衣裙，或许是借鉴了Madeleine Vionnet在1925年设计的一条奢华的流苏连衣裙，但这两条裙子显然都自有其时代特色。
1997年，Ghesquiere初至Balenciaqa，要接触到Cristobal Balenciaga以前设计的大量作品是一件极其复杂困难的事。“于是我打电话给大都会艺术博物馆，”他回忆道，“他们友好地打开了档案室的门。那是我第一次真正亲眼见到Cristobal Balenciaga设计的美丽作品。能够接触到那些历史档案对我而言十分珍贵，也是一个大有裨益的学习过程。”
Ghesquiere自2013年起担任Louis Vuitton的创意总监，后又回到大都会艺术博物馆研究18世纪的男装藏品，尤其是华丽的刺绣、织锦背心及宫廷外套。他说：“这里是最美的时尚图书馆。”
Ghesquiere展开了研究，并在令人难忘的Louis Vuitton 2018春夏系列中重新演绎了其中一些作品，将精心再现的形状和面料与最时新的运动鞋搭配起来。“没什么是一成不变的，”Ghesquiere解释说，“这一季你可以看到这个女孩穿着一件18世纪风格的男士双排扣长礼服，同时搭配运动服，看起来动感十足。我喜欢这样，很令人振奋。”在本次展览中，Bolton從上述Louis Vuitton春夏系列中挑选了一件华美的马甲，与之并置的是1902年的一件奢华的法式女士夹克，其上的刺绣让人想起18世纪晚期的男士背心。这说明在21世纪早期和20世纪早期，设计师们的目光不约而同地转向了革命前的法国。
1902
这件以金丝、真丝、金属线刺绣的蕾丝领饰外套来自Morin Blossier，18世纪男装元素和风格在此展露无遗。
2018
在Louis Vuitton，Nicolas Ghesquiere以这款提花编织的背心和衬衫套装彰显旧体制下的男装风貌。
c.1885
这条饰以穗带的日问散步裙，裙撑角度高达难以置信的90度。
1986
山本耀司对维多利亚风格进行了解构主义的演绎，使裙撑底部从黑色羊毛外套外露了出来。
Bolton深受艺术家Kara Walker摄人心魄的黑色剪影作品影响，由此在本次展览中专注于黑白两色服装，这虽使挑选过程千头万绪、困难重重，却也大大强化了视觉效果。“真正吸引我的——在跟Andrew和他的部门相处之后，我所了解的是，”Devlin解释道，“这其实是一场关于120个女性躯体的展览。我们所展示的是关乎女性形态构建及其所暗示的一切的一种表达。”Devlin提及看到19世纪服装中紧紧的束腰和笨重的裙撑所产生的“情感冲击”，“当我在学习戏剧设计时，我们一并学习了建筑史、戏服史和裙装史，”Devlin回忆道，“这是很有意思的研究：束身衣消失后发生了什么？袖子、腰部、臀部、胯部内藏和外露的每一英寸面料，都隐含着关于社会、政治和文化历史的许多信息。”
本次展览配以精美的目录，其中穿插着对时间本质的文学性思考，主要来自20世纪初的作家，包括T.S.Eliot和Virginia Woolf，他们对这一主题都有深入探讨。这场展览的灵感缪斯是Woolf笔下那个穿越时空、性别流动的主人公Orlando。“还有什么比此时此刻这一启示更可怕的吗？”Woolf在其1928年的同名小说中写道，“我们能从这一震荡中幸存下来，不过是因为庇护着我们的一旁是过去，另一旁是未来。”目录中也包含了Michael Cunningham写的一个短篇故事，名为“Out of Time”，讲述的是一个名叫Odessa Bonthrop的人生命中的一天，故事以1870年的清晨开始，24小时后过渡至2020年结束。Cunningham的小说《时时刻刻》（The Hours）曾获1998年普利策奖，其灵感来自Woolf的《达洛维夫人》（Mrs.Dalloway）。
1987
Christian Lacroix将这条裙子的裙摆设计成芭蕾舞裙的模样，添加了蕾丝和罗缎刺绣，最后辅之以一对裙撑。
1952
这条由薄纱、丝绸、罗缎拼接而成的中长裙由Charles James设计，上面缀满了黑色亮片。拍摄于大都会艺术博物馆的展品修复室。
c.1895
这条丝绸晚宴礼裙来自Mrs.Arnold，羊腿形肩袖与裙摆同宽。
2020
在Alexander McQueen，Sarah Burton借鑒了19世纪的宽袖，设计了这款象牙白亚麻连衣裙，并采用黑色针脚作为装饰。
1992年，导演Sally Potter拍摄了根据《奥兰多》（Orlando）改编的电影，主角由中性气质的Tilda Swinton担任非常合适。正是因为这部电影，Bolton和Devlin才有了设计本次展览的灵感，特别是其中一个美妙的场景：由Swinton扮演的Orlando（服装设计来自Sandy Powell）身穿18世纪中期宫廷服饰，头戴高高的扑粉假发，走进了一座花园迷宫，出来时却变成了百年后维多利亚时代女人的装扮和发型。最初的迷宫式展览布局现在仅由两个房间替代，它们让人联想起时钟——一间房采用深色木头构造，“几乎像是落地大摆钟的内部，”Devlin解释道，而另一间房则采用镜面装饰，“就像走进了草间弥生的作品中。当你身处一个封闭、黑暗、木造且完全安静的空间，和你身处一个宽阔、镜像、延展、反光且破碎的空间，你身体的所有感觉都会截然不同。”Devlin又说：“因此真正表达的是对过去的时间的感受，以及对现在的时间的感受，因为比起1870年，现在的我们都对时间有了不同的感知。”时钟呼应了1851年著名的傅科摆实验，其设计是为了证明地球自转，装置在巴黎的先贤祠，Ghesquiere将它展示给了Devlin。
展览的尾声呈献的是Bolton对如今时尚的个人理解，“无论是有关可持续性或是可回溯性，时尚的伦理，甚至回顾过去的想法，”他举例强调说，“都在于倡导时尚放缓脚步，再度重视创造本身所固有的价值。”对他而言，这包括了Demna Gvasalia夸张的重新演绎，他借鉴了1939年 Cristobal Balenciaga的Infanta廓形设计，以及Marine Serre将滞销的粗花呢配以跳蚤市场珠宝的时髦改造设计。“这就像是Schiaparelli和Chanel的结合，”Bolton说道，“这两个设计师一直闹矛盾，但她却将两者巧妙地糅合在了一起！”
“我认为任何设计师都会追求……我不会说‘永恒’，而是自己的作品要有一定的寿命。”Ghesquiere说道，他在Balenciaga设计的经典作品价值不菲，意义非凡，他为此深感骄傲。“关于时尚，能够见证我们的时代并说‘这就是我在此时此刻所感受到的’是一件乐事，不过当你设计的服装留存更久，当你的风格延续更久，我想那才是最棒的事。”
一款古典气息十足的怀表也可以是当下的创作，它带着过去的情怀、经典的外形和不惧时光考验的精确性能，冲破时间的阻碍走向未来。