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摘要：写生是艺术创造的重要组成部分，要求画家对所面对的客观事物进行认真观察和思考，具体分析和取舍，使画面结构与表现语言整体概括，富有生气，达到形体与色彩、刻画与表现的和谐统一。在油画写生中要充分发挥自己的主观能动性，主动经营画面，运用光与色、明与暗、节奏与韵律等视觉语言，充分发挥主观表现功能，把对客观物象的认识转化为主题的感受和情感的抒发。
关键词：写生；色彩；构图；理解；调配
写生是直接面对对象进行描绘的一种绘画方法，是艺术创造的重要组成部分。基本有“风景写生”、“静物写生”和“人像写生”等多种根据描绘对象不同的分类。一般写生不作为成品绘画，只是为作品搜集素材，但逐渐发展也有的画家直接用写生的方法创作，尤其是印象派的画家，经常利用风景写生，直接描绘瞬间即逝的光影变化，所以有时也被称为“外光派画家”。通过写生可以使画家很快地抓住事物变化中最美好的瞬间，把最美好的东西呈现在画面上。画画和做别的事情一样，一样会遇到一系列的问题，比如说在油画写生中的构图与色彩等问题。下面我们就分别来谈一下色彩和构图及对象。
一、写生中的色彩
油画是色彩的语言。中国是世界上最早懂得使用色彩的国家之一，最早确定了自己的色彩结构。周代曾创造性地提出了“五彩”之说。《周礼》最早提及五色的记述。中国历代思想文化中的色彩有各自的符号涵义，在几千年文化的传承和发展以及融合中形成了自己独特的色彩观。
中国古代艺术家在运用色彩方面，强调主体情感的抒发，强调色彩的意向性、装饰性。如西魏北周的沉郁，唐代的艳丽富贵，金碧辉煌，敦煌壁画色彩的独树一帜，宋代院画写实色彩的活用，均是色彩语言极富表现力的典范。还有丰富多彩的民间文化艺术，都是我们吸取传统艺术营养，形成新的艺术境界的土壤。中国油画就是在这片土地上生根、发芽、成长起来的。中国油画的发展离不开色彩，色彩是油画最革命的因素。色彩从生活中来，而自然本身是美好的，变化丰富的，也是和谐的。不美的颜色在光线，空气等种种因素的影响下也可能成为和谐而美的。自然中很多现象启发我们用色，培养对色彩的美感。只是表现不好才把它弄糟了。即使对色彩很在经验的人，一旦不在接触自然，那么他的绘画很快就没有了生机。要在自然和生活中研究色彩。只有认真地研究对象，才能更好地搞自己的绘画。
艺术中感受非常重要，它的表现形式有两种：“渐悟”与“顿悟”。顿悟是建立在渐悟的基础上的，没有长期的生活体验和艺术积累，没有逐渐的渐悟的过程，是不能可出现奇迹般的“顿悟”与“突破”的。色彩作为绘画表现的因素之一，在正确的运用下，能够明确地表现一定的构思。加强主题的感染力，强烈的影响观者的情绪。
关于颜色调配这样的问题。不同的画家擅用不同的色调来表现对象，比如，毕加索根据表现不同时期、不同对象的需要，就产生出“蓝色时期”、“玫瑰红时期”、“黑人时期”，分别运用了憂郁的蓝色调、诙谐的粉红色调、粗犷的黑色调来表现下层人民的荒凉与悲伤，传达了画家对平民深深的同情和关注。又如，法国印象派画家莫奈也是一位创造色调的大师。他坚持户外对景写生，善于捕捉光色气氛和瞬间印象，他经常面对同一景物按不同时间、季节、光线的变化而随时调换画布，并对同一对象作出了准确的记录。他画了《草垛》、《鲁昂教堂》等系列组画，每组都多达30多幅，且每一幅都能表现出不同的色调和情绪。又如《巴黎圣母院》中色彩变化很明亮的黄色，和暗面的蓝紫色形成的微妙的对比，把阳光描绘得十分生动，符合自然规律。色彩运用是否合适，必须从整体来看，凡是用色合乎整体，通常就是很协调的。色彩固然要求丰富，但要分主次，有的能起到支配作用，而有的就只是从属作用。这样有助于表达内容的主次强弱，使观者在看画的过程中加深印象时用色不当，效果就适得其反了。
二、写生中的构图
构图是造型艺术的形式结构。“它是指画家在有限的空间或平面里，对自己所要表现的形象进行组织，或形象在画面中占有的位置和空间所形成的画面分割，从而形成整个空间或平面的特定结构”。构图对于一幅画来说，就好像一座建筑的地基。如果没有这个坚实的基础，整幅画可能就散架了。即使最简单的主题也需要构图，这样才能有效地利用画面的局限，更重要的是，这样才能有效地强调作品背后的信息。马蒂斯曾说“构图是一种装饰性的艺术，它通过组织艺术家手边各种各样的元素表现艺术家的感情。”
构图的基本原则讲究的是：均衡、对称、对比。均衡与对称是构图的基础，主要作用是使画面具有稳定性。均衡与对称本不是一个概念，但两者具有内在的同一性——稳定。稳定感是人类在长期观察自然中形成的一种视觉习惯和审美观念。因此，凡符合这种审美观念的造型艺术才能产生美感，违背这个原则的，看起来就不舒服。均衡与对称都不是平均，它是一种合乎逻辑的比例关系。平均虽是稳定的，但缺少变化，没有变化就没有美感，所以构图最忌讳的就是平均分配画面。对称的稳定感特别强，对称能使画面有庄严，肃穆，和谐的感觉。比如，我国古代的建筑就是对称的典范，但对称与均衡比较而言，均衡的变化比对称要大得多。因此，对称虽是构图的重要原则。
在构图中最讲究的是“品”字形和三七律。品字形构图和三七律构图的方式常被人们称为黄金构图法，也有叫做为永衡的三角构图法，这些都是指均衡而言。什么是“品”字形构图？就是在画面上同时出现三个物体的时候，不能把它们等距离放在一条线上，而应使其呈现三角形状，像个品字。只要留意，这种三角在自然界中是无处不在的。大山就是由无数的三角形构成，上下交错，井然有序，犹如一个巨大的品字状或三角形，具有强烈的排列韵味。
什么是“三七律”构图？就是画面的比例分配三七开。若是竖画面，上面占三分，下面占七分，或上面占七分，下面占三分；若是横构图画面，右面占三分，左面占七分，或是右面占七分，左面占三分。在中国画界中这种三七开构图的布局被称为是最佳的构图布局比例关系。
关于对比对比的巧妙，不仅能增强艺术感染力，更能鲜明的反映和升华主题。对比构图，是为了突出主题强化主题，对比有各种各样，千变万化，但是把它们同类相并，可以得出：一是形状的对比。如：大和小，高和矮，老和少，胖和瘦，粗和细。二是色彩的对比。如：深与浅，冷与暖，明与暗，黑与白。三是灰与灰的对比。如：深与浅，明与暗等。在一副作品中，可以运用单一的对比，也可同时运用各种对比，对比的方法是比较容易掌握的，但要注意不能死搬硬套，牵强附会，更不能喧宾夺主。
三、写生对象的选择
其实没有必要去寻找“入画”的景色；有一些最伟大的绘画作品画就是最简单的日常生活的场景。从最熟悉的地方开始，尽力从中发现那些能够唤起你感情回应的东西。当你偶然发现一些让你激动不已的东西时，马上就应把它画下来，至少画一幅速写。不要错过它，想着可能在角落那边还有更绿的草地。第一眼看到的感觉是独特的，而且，常常是这样，当你再次返回那里的时候，那种原来让你激动不已的东西，可能你就感觉不到了。所有的事情都不是绝对的，找到了感兴趣的景物，但是可能会遇到很多隐患，光线的飞快变化，琢磨不定的天气等等。这些麻烦很可能会直接影响作画的心情，但是与自然直接接触的愉悦相比，这些麻烦还算什么呢？能感受到人自然中的气氛，这样作品自然也会随之受益的。
综上所述，真正伟大的艺术作品来源于艺术家内心与自然的交融，创作也好，写生也好，道理都是一样，都要从自己的内心出发，抒发自己的真实情感，要尊重自然热爱自然，艺术的动力来源于真诚的内心感动，也来源与无悔的热忱追求。无论搞什么样的艺术都真诚的用心对待，这样的作品才是优秀的，才是真正能震撼人心的。
关键词：写生；色彩；构图；理解；调配
写生是直接面对对象进行描绘的一种绘画方法，是艺术创造的重要组成部分。基本有“风景写生”、“静物写生”和“人像写生”等多种根据描绘对象不同的分类。一般写生不作为成品绘画，只是为作品搜集素材，但逐渐发展也有的画家直接用写生的方法创作，尤其是印象派的画家，经常利用风景写生，直接描绘瞬间即逝的光影变化，所以有时也被称为“外光派画家”。通过写生可以使画家很快地抓住事物变化中最美好的瞬间，把最美好的东西呈现在画面上。画画和做别的事情一样，一样会遇到一系列的问题，比如说在油画写生中的构图与色彩等问题。下面我们就分别来谈一下色彩和构图及对象。
一、写生中的色彩
油画是色彩的语言。中国是世界上最早懂得使用色彩的国家之一，最早确定了自己的色彩结构。周代曾创造性地提出了“五彩”之说。《周礼》最早提及五色的记述。中国历代思想文化中的色彩有各自的符号涵义，在几千年文化的传承和发展以及融合中形成了自己独特的色彩观。
中国古代艺术家在运用色彩方面，强调主体情感的抒发，强调色彩的意向性、装饰性。如西魏北周的沉郁，唐代的艳丽富贵，金碧辉煌，敦煌壁画色彩的独树一帜，宋代院画写实色彩的活用，均是色彩语言极富表现力的典范。还有丰富多彩的民间文化艺术，都是我们吸取传统艺术营养，形成新的艺术境界的土壤。中国油画就是在这片土地上生根、发芽、成长起来的。中国油画的发展离不开色彩，色彩是油画最革命的因素。色彩从生活中来，而自然本身是美好的，变化丰富的，也是和谐的。不美的颜色在光线，空气等种种因素的影响下也可能成为和谐而美的。自然中很多现象启发我们用色，培养对色彩的美感。只是表现不好才把它弄糟了。即使对色彩很在经验的人，一旦不在接触自然，那么他的绘画很快就没有了生机。要在自然和生活中研究色彩。只有认真地研究对象，才能更好地搞自己的绘画。
艺术中感受非常重要，它的表现形式有两种：“渐悟”与“顿悟”。顿悟是建立在渐悟的基础上的，没有长期的生活体验和艺术积累，没有逐渐的渐悟的过程，是不能可出现奇迹般的“顿悟”与“突破”的。色彩作为绘画表现的因素之一，在正确的运用下，能够明确地表现一定的构思。加强主题的感染力，强烈的影响观者的情绪。
关于颜色调配这样的问题。不同的画家擅用不同的色调来表现对象，比如，毕加索根据表现不同时期、不同对象的需要，就产生出“蓝色时期”、“玫瑰红时期”、“黑人时期”，分别运用了憂郁的蓝色调、诙谐的粉红色调、粗犷的黑色调来表现下层人民的荒凉与悲伤，传达了画家对平民深深的同情和关注。又如，法国印象派画家莫奈也是一位创造色调的大师。他坚持户外对景写生，善于捕捉光色气氛和瞬间印象，他经常面对同一景物按不同时间、季节、光线的变化而随时调换画布，并对同一对象作出了准确的记录。他画了《草垛》、《鲁昂教堂》等系列组画，每组都多达30多幅，且每一幅都能表现出不同的色调和情绪。又如《巴黎圣母院》中色彩变化很明亮的黄色，和暗面的蓝紫色形成的微妙的对比，把阳光描绘得十分生动，符合自然规律。色彩运用是否合适，必须从整体来看，凡是用色合乎整体，通常就是很协调的。色彩固然要求丰富，但要分主次，有的能起到支配作用，而有的就只是从属作用。这样有助于表达内容的主次强弱，使观者在看画的过程中加深印象时用色不当，效果就适得其反了。
二、写生中的构图
构图是造型艺术的形式结构。“它是指画家在有限的空间或平面里，对自己所要表现的形象进行组织，或形象在画面中占有的位置和空间所形成的画面分割，从而形成整个空间或平面的特定结构”。构图对于一幅画来说，就好像一座建筑的地基。如果没有这个坚实的基础，整幅画可能就散架了。即使最简单的主题也需要构图，这样才能有效地利用画面的局限，更重要的是，这样才能有效地强调作品背后的信息。马蒂斯曾说“构图是一种装饰性的艺术，它通过组织艺术家手边各种各样的元素表现艺术家的感情。”
构图的基本原则讲究的是：均衡、对称、对比。均衡与对称是构图的基础，主要作用是使画面具有稳定性。均衡与对称本不是一个概念，但两者具有内在的同一性——稳定。稳定感是人类在长期观察自然中形成的一种视觉习惯和审美观念。因此，凡符合这种审美观念的造型艺术才能产生美感，违背这个原则的，看起来就不舒服。均衡与对称都不是平均，它是一种合乎逻辑的比例关系。平均虽是稳定的，但缺少变化，没有变化就没有美感，所以构图最忌讳的就是平均分配画面。对称的稳定感特别强，对称能使画面有庄严，肃穆，和谐的感觉。比如，我国古代的建筑就是对称的典范，但对称与均衡比较而言，均衡的变化比对称要大得多。因此，对称虽是构图的重要原则。
在构图中最讲究的是“品”字形和三七律。品字形构图和三七律构图的方式常被人们称为黄金构图法，也有叫做为永衡的三角构图法，这些都是指均衡而言。什么是“品”字形构图？就是在画面上同时出现三个物体的时候，不能把它们等距离放在一条线上，而应使其呈现三角形状，像个品字。只要留意，这种三角在自然界中是无处不在的。大山就是由无数的三角形构成，上下交错，井然有序，犹如一个巨大的品字状或三角形，具有强烈的排列韵味。
什么是“三七律”构图？就是画面的比例分配三七开。若是竖画面，上面占三分，下面占七分，或上面占七分，下面占三分；若是横构图画面，右面占三分，左面占七分，或是右面占七分，左面占三分。在中国画界中这种三七开构图的布局被称为是最佳的构图布局比例关系。
关于对比对比的巧妙，不仅能增强艺术感染力，更能鲜明的反映和升华主题。对比构图，是为了突出主题强化主题，对比有各种各样，千变万化，但是把它们同类相并，可以得出：一是形状的对比。如：大和小，高和矮，老和少，胖和瘦，粗和细。二是色彩的对比。如：深与浅，冷与暖，明与暗，黑与白。三是灰与灰的对比。如：深与浅，明与暗等。在一副作品中，可以运用单一的对比，也可同时运用各种对比，对比的方法是比较容易掌握的，但要注意不能死搬硬套，牵强附会，更不能喧宾夺主。
三、写生对象的选择
其实没有必要去寻找“入画”的景色；有一些最伟大的绘画作品画就是最简单的日常生活的场景。从最熟悉的地方开始，尽力从中发现那些能够唤起你感情回应的东西。当你偶然发现一些让你激动不已的东西时，马上就应把它画下来，至少画一幅速写。不要错过它，想着可能在角落那边还有更绿的草地。第一眼看到的感觉是独特的，而且，常常是这样，当你再次返回那里的时候，那种原来让你激动不已的东西，可能你就感觉不到了。所有的事情都不是绝对的，找到了感兴趣的景物，但是可能会遇到很多隐患，光线的飞快变化，琢磨不定的天气等等。这些麻烦很可能会直接影响作画的心情，但是与自然直接接触的愉悦相比，这些麻烦还算什么呢？能感受到人自然中的气氛，这样作品自然也会随之受益的。
综上所述，真正伟大的艺术作品来源于艺术家内心与自然的交融，创作也好，写生也好，道理都是一样，都要从自己的内心出发，抒发自己的真实情感，要尊重自然热爱自然，艺术的动力来源于真诚的内心感动，也来源与无悔的热忱追求。无论搞什么样的艺术都真诚的用心对待，这样的作品才是优秀的，才是真正能震撼人心的。