论文部分内容阅读
摘 要：在这个要求创新的年代里，我们学院派的教学还是一直提倡古典音乐，在老师的教学过程中，也是一板一眼的交给学生，使古典音乐成为一种复读形式，没有创新，成为一种学校垄断考试的刻板形式，在创新中发展古典音乐。
关键词：古典音乐；传承；发展 ；创新
古典音乐的创新就是引导和激励学生不断了解19世纪的古典音乐并超越他的技能前提下推进新的古典音乐生成，教师在教学时要重视学生内在动力和发展方向。不能扼杀学生的想象力。在学习过程中，我们要使学生的智力、体力和能力发挥最大的活力，成为学生探索求知的推动力，促使学生超越现实，实现自我价值的同时激励他创新，只有这样一来，学生的创造火花和创新的动力才能得到激发。 在这个要求创新的年代里，我们学院派的教学还是一直提倡古典音乐，在老师的教学过程中，也是一板一眼的交给学生哪个地方弹得慢一些，那个地方要呼吸，这里强调的是什么技巧，而根本就没有在意作者这个时期和作曲本身想表达的意愿，但是这是一个很矛盾的问题，如果不这样做，那么对于高考的学生来说就是落榜的无奈。
对于器乐的传承，我们应该抱有一个什么样的态度，比如钢琴，追溯到肖邦的那个时期，波兰音乐史上最重要的人物之一，欧洲19世纪浪漫派的代表人物。他的作品以波兰民间歌舞为基础，波兰民间舞种类繁多，各种阶层都有不同的舞蹈，但是大多的特点是集体舞，舞步优雅，象征着团结友爱，波兰民族自豪、开朗的性格特点。那个时候的波兰支离破碎，这是人们心中共同期待的和平与安详，而且巴赫身体状况很糟糕，常年的抑郁和肺结核 让他很柔弱，同时又深受巴赫影响，这个时候的作曲家想表达的是期盼，是心中梦想的和平浪漫，通过自己的情感表达当时的心情，而现在我们的现实生活是和平盛世，已经很难再体会到那个时候作曲家心中的无奈与酸楚期盼， 19世纪后半期开始古典音乐走向没落，而现在学院派却始终把古典音乐作为一种衡量学生专业水准的方式，却没有给学者们留下发挥的空间，以至于但演奏的古典音乐已经成为一种复读机形式，很多孩子喜欢这样诠释古典音乐，风格比较阴柔抒情的作品，含着丰富的感情和诗意，感觉演奏的时候把自己的感情和理解放在取自里面，以完美的方式表达出来，（这里完美的表达方式值得就是技术的水平）把古典音乐当作歌曲一样展现出来，让同种容易沉浸其中，把作曲家想说的话表现出来，在技术过关的情况下，可以不突出高音声部，可以更具自己的理解换节奏，把一些古典音乐颠覆后做成变奏曲，这样也是很好的，谁来认可？这是我们师者的反思，整个社会的反思，在音乐厅听着音乐睡着的人比比皆是，为什么？就像在现在让你穿八十年代的衣服出门你愿意吗？让90后的00后的小朋友做70后的事情他们也不愿意做。
在美国的宾夕法尼亚州，有个叫Keith Jarrett 钢琴演奏家，这是一位黑人演奏家，他创造的爵士音乐与白人爵士乐有着截然的区别，他注重的是自己想要的刺激而不是理性的演奏技巧，他之所以成功，因为他与其他人不同，它是根据自己的感情来发挥自己的特长，爵士音乐也是在不断的发展但是有着自己独到见解的人不断的发挥着自己的特长，而古典不代表死板，却没有人能够突破，感觉是一直围绕一个点画圈，而永远离不开这个点。只有摆脱这个点才能发展很多点。
在技术层面的发展：古典调性和声体系解放了主要旋律声部，从而实际上甚至是创造了旋律，对旋律的每个音和乐汇的功能和声的意义都要求十分明确的（这种要求是同古典体系相连系的）作法开始在一定程度上约束了音调的表现力。而逐步克服大小调的主—属—下属思维，不把调性绝对化，20世纪的许多作曲家的确都有这样的综合性的某种表现。例如，研究家指出：普罗科菲耶夫常常把由一个主音出发的各种七音调式结合在一起。巴尔托克的调节式思维的综合性与肖斯塔科维奇近似，他把他潜心研究的民间音列同循环的调式综合体（把八度分成相等的和相似的片断），半音调性，音列组织结合在一起了。这位匈牙利的典范作曲家在所有这些结构中发现某些共同的特点（尤其吸引他的是各种类型的巧妙的对称的可能性）和在这个基础上使所结合的因素达到有机的、个性化有艺术说服力的综合，而现在呢？现在还是回到主—下属—属—主，所谓的学院派，还是继续在这里面转圈，再次约束了。现在作曲家，多以利益作为驱使，搞所谓的创新，把一些乐器放在一起，非常不协和，所以备有被这个时代认可，我们现在沿用的也是原有的音阶，没有创新的音阶，真正的创新是让人接受的一种新的审美，而不是为了创新而创新的盈利手段。
关键词：古典音乐；传承；发展 ；创新
古典音乐的创新就是引导和激励学生不断了解19世纪的古典音乐并超越他的技能前提下推进新的古典音乐生成，教师在教学时要重视学生内在动力和发展方向。不能扼杀学生的想象力。在学习过程中，我们要使学生的智力、体力和能力发挥最大的活力，成为学生探索求知的推动力，促使学生超越现实，实现自我价值的同时激励他创新，只有这样一来，学生的创造火花和创新的动力才能得到激发。 在这个要求创新的年代里，我们学院派的教学还是一直提倡古典音乐，在老师的教学过程中，也是一板一眼的交给学生哪个地方弹得慢一些，那个地方要呼吸，这里强调的是什么技巧，而根本就没有在意作者这个时期和作曲本身想表达的意愿，但是这是一个很矛盾的问题，如果不这样做，那么对于高考的学生来说就是落榜的无奈。
对于器乐的传承，我们应该抱有一个什么样的态度，比如钢琴，追溯到肖邦的那个时期，波兰音乐史上最重要的人物之一，欧洲19世纪浪漫派的代表人物。他的作品以波兰民间歌舞为基础，波兰民间舞种类繁多，各种阶层都有不同的舞蹈，但是大多的特点是集体舞，舞步优雅，象征着团结友爱，波兰民族自豪、开朗的性格特点。那个时候的波兰支离破碎，这是人们心中共同期待的和平与安详，而且巴赫身体状况很糟糕，常年的抑郁和肺结核 让他很柔弱，同时又深受巴赫影响，这个时候的作曲家想表达的是期盼，是心中梦想的和平浪漫，通过自己的情感表达当时的心情，而现在我们的现实生活是和平盛世，已经很难再体会到那个时候作曲家心中的无奈与酸楚期盼， 19世纪后半期开始古典音乐走向没落，而现在学院派却始终把古典音乐作为一种衡量学生专业水准的方式，却没有给学者们留下发挥的空间，以至于但演奏的古典音乐已经成为一种复读机形式，很多孩子喜欢这样诠释古典音乐，风格比较阴柔抒情的作品，含着丰富的感情和诗意，感觉演奏的时候把自己的感情和理解放在取自里面，以完美的方式表达出来，（这里完美的表达方式值得就是技术的水平）把古典音乐当作歌曲一样展现出来，让同种容易沉浸其中，把作曲家想说的话表现出来，在技术过关的情况下，可以不突出高音声部，可以更具自己的理解换节奏，把一些古典音乐颠覆后做成变奏曲，这样也是很好的，谁来认可？这是我们师者的反思，整个社会的反思，在音乐厅听着音乐睡着的人比比皆是，为什么？就像在现在让你穿八十年代的衣服出门你愿意吗？让90后的00后的小朋友做70后的事情他们也不愿意做。
在美国的宾夕法尼亚州，有个叫Keith Jarrett 钢琴演奏家，这是一位黑人演奏家，他创造的爵士音乐与白人爵士乐有着截然的区别，他注重的是自己想要的刺激而不是理性的演奏技巧，他之所以成功，因为他与其他人不同，它是根据自己的感情来发挥自己的特长，爵士音乐也是在不断的发展但是有着自己独到见解的人不断的发挥着自己的特长，而古典不代表死板，却没有人能够突破，感觉是一直围绕一个点画圈，而永远离不开这个点。只有摆脱这个点才能发展很多点。
在技术层面的发展：古典调性和声体系解放了主要旋律声部，从而实际上甚至是创造了旋律，对旋律的每个音和乐汇的功能和声的意义都要求十分明确的（这种要求是同古典体系相连系的）作法开始在一定程度上约束了音调的表现力。而逐步克服大小调的主—属—下属思维，不把调性绝对化，20世纪的许多作曲家的确都有这样的综合性的某种表现。例如，研究家指出：普罗科菲耶夫常常把由一个主音出发的各种七音调式结合在一起。巴尔托克的调节式思维的综合性与肖斯塔科维奇近似，他把他潜心研究的民间音列同循环的调式综合体（把八度分成相等的和相似的片断），半音调性，音列组织结合在一起了。这位匈牙利的典范作曲家在所有这些结构中发现某些共同的特点（尤其吸引他的是各种类型的巧妙的对称的可能性）和在这个基础上使所结合的因素达到有机的、个性化有艺术说服力的综合，而现在呢？现在还是回到主—下属—属—主，所谓的学院派，还是继续在这里面转圈，再次约束了。现在作曲家，多以利益作为驱使，搞所谓的创新，把一些乐器放在一起，非常不协和，所以备有被这个时代认可，我们现在沿用的也是原有的音阶，没有创新的音阶，真正的创新是让人接受的一种新的审美，而不是为了创新而创新的盈利手段。