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时装与艺术的亲密关系可以追溯到上世纪70年代美国发起了名为“Art toWear”艺术运动，是继波普运动之后又一表现以日常生活为来源的艺术运动，发展至亚洲后，日本设计师们开始新的思索和尝试，将其转变为只是具有服装形式但有可塑性的作品。韩国更将其发展成为脱离“可穿”更像雕塑的艺术形式，更名为“Fashion Art”。2007年中央美术学院主办的“和——中韩交流展”中将FashionArt翻译成中文——时装艺术，并正式提出时装艺术的概念，受到中国艺术界和设计界的广泛关注。 时装艺术是对Fashion Art的中文翻译，是一种艺术形式，如同当代艺术中的装置艺术一样，是当代艺术的一种表现形式，与其它艺术形式的不同之处在于它以服装作为媒介。Fashion Art这一称谓仅存于韩国，在其它国家仍然沿用Art toWear（可穿的艺术）的称谓，但时装与艺术交融现象却是在全球普遍存在的。 这种以服装为载体，体现创作者情感的艺术表达方式，它早已脱离服装最原始的“穿”的功能。早在20世纪初，西方现代艺术鼎盛，触发了发现和表达以装饰艺术为形式来进行创造的活动，艺术家将注意力转向服装和纺织品来探索美学上的颜色、设计和形式。 在中国的艺术及设计领域中很久以前就出现了时装与艺术相交融的语言表达方式，一直是艺术家和设计师凭借着本身的感知在进行自我的艺术表达，以点的状态散存于各个领域之中，没有造成很大的影响。但是随着时装艺术展的出现及时装艺术概念的提出，在我国学术领域中引起了不小的争议，经过短短几年的快速发展，中国的时装艺术在规模、学术水平、影响力等方面都有了很大的变革，中国目前已有的关于时装的理论研究成果还停留在工业化生产的时装产业和奢侈品设计阶段，较少从当代艺术的视角对时装艺术这一艺术表现形式及其在服装产业中作用进行更深入的研究。而与我国相邻的韩国Fashion Art发展却相对成熟，在欧美等国对时装与艺术之间亲密关系研究更早，上世纪70年代初在美国提出Art to Wear的概念，并通过一系列的展览而风靡全球。 本论文运用文献分析和实际调查法，通过长期关注中国时装艺术现状和展览，利用调研与采访信息等大量一手资料对Fashion Art的历史起源、艺术特点和在中国的发展现状进行整体的、系统的、动态的研究，较清晰的把时装艺术概念阐释清楚，把其发展历史和现状做梳理。从而深化对中国时装艺术的理论研究。 本论文研究所得出的主要结论是: 时装艺术的活跃，就在于它走出了商业时装设计的樊笼，成为越来越多艺术家随时准备加入的艺术活动，它走出了人体穿着的形体限制，与人的身体比例尺度和情绪之间有着更加含蓄和弹性的联系。从最初的表达装饰艺术，到综合使用各种材料表达艺术家的创作思想;从实用性较强到实用性的逐渐消亡;从反对工业化到大量使用工业现成品到对工业材料的青睐。“时装艺术”可以解读为:是艺术家借助时装要素表达个人情感与精神世界的艺术创作形式。 从“可穿的艺术”到“时装艺术”，都有艺术家的作品被画廊或博物馆收藏。这些作品已经不是普通意义上的服装，它不受成本与售价比率的约束，也不受潮流变换的影响。“Fashion Art”作品如同绘画或雕塑那样的艺术品一样，凝结成一个永恒的瞬间，供不同时代、不同地域的人们欣赏和品评。“Fashion Art”作品所具有的艺术价值，实现了它在艺术品市场的流通。 时装艺术对设计市场的影响是重大的，是推动服装艺术性的发展和提升服装产品附加值的唯一途径。促进服装设计的创造力，能提高服装设计水平中的艺术性，作品具有收藏价值，更能够为严格意义的高级时装和高级时装定制提供市场导向。 本论文试图在以下三方面取得创新:第一，从当代艺术的视角对时装艺术这一艺术表现形式进行更深入的研究，探讨时装艺术艺术形式在当代艺术中的重要地位，并突显其在当代的重要意义和价值;第二，明确时装艺术的概念，梳理从Art to Wear到Fashion Art的发展历程，阐明中国时装艺术的诞生渊源及发展现状;第三，对中国时装艺术的发展未来进行探索，系统研究其对服装产业的影响力。