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该文将19世纪20-60年代音乐会练习曲作为研究对象,以肖邦、舒曼、李斯特为中心,运用文献法、比较法等多种研究方法,试图理清音乐会练习曲的发展脉络,探讨该时期音乐会练习曲的自身特质,深入理解相关代表性作曲家的风格特征及相应的演奏技法.全文大致分为三个部分:一、练习曲在19世纪的发展.通过对19世纪音乐环境的探讨,分析了社会背景以及钢琴制作的进步等因素造成的炫技风潮,并结合该时期的音乐环境,介绍了技术性练习曲及早期音乐会练习曲的创作发展情形.二、19世纪20-60年代音乐会练习曲作品探讨.这一部分探讨了肖邦、舒曼、李斯特的音乐会练习曲,通过对这些作品创作方式以及技术特性的基本分析,阐述了三位作曲家在音乐会练习曲中对于作曲技法、音乐语言以及钢琴音响色彩等方面的种种创新.三、19世纪20-60年代音乐会练习曲的比较研究.该部分将"织体"作为主线,对肖邦、舒曼、李斯特的作品进行创作手法上的比较,展现了三位作曲家创作理念的异同.在此基础上,与前期练习曲有关创作风格、演奏技术进行比较,揭示了该时期音乐会练习曲与之前练习曲的继承性与革新性关系,进一步凸现其特性、潜在价值以及对后世练习曲创作的影响.19世纪20-60年代音乐会练习曲是作曲家自由发挥想象力、探索作曲技法以及拓展钢琴技术的个性化作品,在被作曲家赋予塑造艺术形象功能的同时,它们也变成了独立的艺术品,成为浪漫主义的音诗.这些作品不仅是艺术训练的优秀教材文献,更是具有极大演出价值的重要曲目.